Lektion 4

Ett av de mest komplexa begreppen inom musikteori är musikalisk polyfoni. Men detta är också en av de viktigaste kategorierna, utan vilken det är omöjligt att förstå orkestermusik, eller att sjunga en vacker duett av en komplex melodi med fullfjädrad musikackompanjemang, eller till och med att spela in och mixa ett enkelt spår, där , förutom röst, gitarr, bas och trumljud.

Så låt oss komma igång.

Handlingsplanen är tydlig, så låt oss börja jobba!

Begreppet polyfoni

Termen "polyfoni" härstammar från latinets polyphonia, där poly betyder "många" och phonia översätts som "ljud". Polyfoni betyder principen att lägga till ljud (röster och melodier) på grundval av funktionell jämlikhet.

Detta är den så kallade polyfonin, det vill säga samtidigt ljud av två eller flera melodier och/eller röster. Polyfoni innebär en harmonisk sammansmältning av flera oberoende röster och/eller melodier till ett enda musikstycke.

Dessutom undervisas disciplinen med samma namn "Polyfoni" i musikaliska utbildningsinstitutioner vid fakulteterna och institutionerna för kompositörs konst och musikvetenskap.

Den främmande termen polyfoni på ryska har inte genomgått några betydande förändringar, förutom att skriva på kyrilliska istället för latin. Och, verkar det som, lyder regeln "såsom det hörs, så är det skrivet." Nyansen är att denna term hörs olika av alla, och påfrestningarna är också placerade olika.

Så, i "Dictionary of the Church Slavonic and Russian Language", publicerad av Imperial Academy of Sciences 1847, är det föreskrivet att betona det andra "o" i ordet "polyfoni" och det andra "och" i ordet "polyfonisk" [Ordbok, V.3, 1847]. Så här ser det ut sida i denna utgåva:

Sedan mitten av 20-talet och fram till idag existerar två varianter av stress fredligt på det ryska språket: på det sista "o" och på den andra bokstaven "i". Så i "Stora sovjetiska uppslagsverket" föreslås det att betona det sista "o" [V. Fraenov, 2004]. Här skärmdump av TSB-sidan:

I den förklarande ordboken, redigerad av lingvisten Sergei Kuznetsov, i ordet "polyfoni" är den andra bokstaven "i" undertonad [S. Kuznetsov, 2000]. I ordet "polyfonisk" ligger tonvikten på bokstaven "och", som i tidigare upplagor:

Observera att Google Translate stöder det senare alternativet, och om du anger ordet "polyfoni" i översättningskolumnen och klickar på högtalarikonen kommer du tydligt att höra accenten på den sista bokstaven "och". högtalarikon inringad i rött på bilden:

Nu när vi i allmänhet har förstått vad polyfoni är och hur man uttalar detta ord korrekt, kan vi fördjupa oss i ämnet.

Ursprung och utveckling av polyfonin

Polyfoni är ett ganska komplext fenomen inom musik, och det har sina egna egenskaper i olika kulturer. Så i länderna i öst hade polyfonin till en början en övervägande instrumentell grund. Med andra ord var flersträngade musikinstrument, stråkensembler, stråkackompanjemang av sång utbredd där. I västländer var polyfoni oftare sång. Det var körsång, inklusive acapella (utan musikackompanjemang).

Utvecklingen av polyfoni i inledningsskedet brukar kallas termen ”heterofoni”, dvs dissonans. Så redan på 7-talet antogs bruket att lägga till en, två eller flera röster över koralens klang, dvs liturgisk sång.

Under medeltiden och renässansen blev motet utbredd – mångstämmig sång. Det var inte en koral plus en överbyggnad av röster i sin renaste form. Detta var redan ett mer komplext sångverk, även om inslagen i koralen är mycket märkbara i det. I allmänhet har motetten blivit en hybrid musikalisk form som har absorberat traditionerna för kyrklig och sekulär sång.

Även kyrksången gick tekniskt framåt. Så under medeltiden blev den så kallade katolska mässan utbredd. Den baserades på växlingen av solo- och körstämmor. I allmänhet använde massor och motetter från 15- och 16-talen hela arsenalen av polyfoni ganska aktivt. Stämningen skapades genom att öka och minska ljuddensiteten, olika kombinationer av höga och låga röster, gradvis inkludering av enskilda röster eller grupper av röster.

En uteslutande sekulär sångtradition utvecklades också. Så på 16-talet vinner ett sådant sångformat som en mandrigal popularitet. Detta är ett två- eller trestämmigt verk, som regel, med ett kärlekslyriskt innehåll. Början till denna sångkultur dök upp redan på 14-talet, men på den tiden fick de inte mycket utveckling. Madrigaler från 16- och 17-talen kännetecknas av en mängd olika rytmer, frihet att leda rösten, användningen av modulering (övergång till en annan tonart i slutet av verket).

Termen "richecar" kommer från franskans rechercher, som betyder "sök" (minns du den berömda Cherchez la femme?) och kan i relation till musik tolkas på olika sätt. Till en början betydde termen sökandet efter intonation, senare – sökandet och utvecklingen av motiv. De mest kända formerna av richecar är ett stycke för clavier, ett stycke för en instrumental eller vokal-instrumental ensemble.

Den äldsta rikebilen hittades i en samling pjäser som publicerades 1540 i Venedig. Ytterligare 4 stycken för klaveret hittades i samlingen av verk av kompositören Girolamo Cavazzoni, publicerad 1543. Den mest kända är den 6-stämmiga richecar från Bachs Musical Offer, skriven av det stora geniet redan på 18-talet.

Det bör noteras att vokalpolyfonins stilar och melodi redan under dessa år var nära förbundna med texten. Så för lyriska texter är sånger karakteristiska, och för korta fraser - recitation. I princip kan utvecklingen av polyfonitraditioner reduceras till två polyfoniska trender.

Polyfoniska trender under medeltiden:

Du lärde dig om band i förra lektionen, så nu förstår du vad som står på spel. Detta är den mest allmänna informationen om utvecklingen av polyfonins traditioner. Mer information om historien om bildandet av polyfoni i olika kulturer och polyfoniska trender finns i den speciella pedagogiska litteraturen om kursen "Polyfoni" [T. Muller, 1989]. Där kan du också hitta noter till medeltida musikstycken och, om du är intresserad, lära dig några vokala och instrumentala partier. Förresten, om du inte vet hur man sjunger ännu, men vill lära dig, kan du ta de första stegen mot röstbehärskning genom att studera vår kurs "Röst- och talutveckling".

Nu är det dags att gå vidare till teknikerna för polyfoni för att tydligare förstå hur polyfoni formas till en enda melodi.

Polyfoniska tekniker

I vilken polyfoniutbildning som helst kan du hitta en sådan term som kontrapunkt. Det kommer från den latinska frasen punctum contra punctum, som betyder "punkt mot punkt". Eller, i förhållande till musik, "not mot ton", "melodi mot melodi".

Detta ändrar inte det faktum att termen "kontrapunkt" har flera olika betydelser. Och låt oss nu titta på några grundläggande tekniker för polyfoni.

imitation

Imitation är när en andra (imiterande) röst ansluter till det initiala monofoniska ljudet efter en tid, vilket upprepar det tidigare ljudet på samma eller en annan ton. Schematiskt ser det ut som på följande sätt:

Låt oss förtydliga att termen "motsats" som används i diagrammet är en röst som ackompanjerar en annan röst i en polyfonisk melodi. Harmonisk konsonans uppnås med hjälp av olika tekniker: ytterligare rytm, förändring av melodiskt mönster, etc.

Kanonisk imitation

Kanoniskt är det också kontinuerlig imitation – en mer komplex teknik där inte bara det tidigare klingade stycket upprepas utan också mottillägget. Det är så det är ser ut som ett schema:

Termen "länkar", som du ser på diagrammet, syftar bara på de upprepade delarna av den kanoniska imitationen. I illustrationen ovan ser vi 3 element av den initiala rösten, som upprepas av den imiterande rösten. Så det finns 3 länkar.

Slutlig och oändlig kanon

Den finita kanonen och den oändliga kanonen är varianter av kanonisk imitation. Den oändliga kanonen innebär att det ursprungliga materialet återlämnas någon gång i tiden. Den slutliga kanonen ger inte utrymme för sådana returer. Figuren ovan visar en variant av den slutliga kanonen. Och nu får vi se hur ser oändlig kanon ut, och förstå skillnaden:

Låt oss förtydliga att den oändliga kanonen i den 1:a kategorin betyder en imitation med 2 länkar, och den oändliga kanonen i den 2:a kategorin är en imitation med antalet länkar från 3 eller fler.

Enkel sekvens

En enkel sekvens är förflyttningen av ett polyfoniskt element till en annan tonhöjd, medan förhållandet (intervallet) mellan elementets beståndsdelar ändras inte:

Så i diagrammet betecknar bokstaven "A" konventionellt den initiala rösten, bokstaven "B" betecknar den imiterande rösten och siffrorna 1 och 2 betecknar den första och andra förskjutningen av det polyfoniska elementet.

Komplex kontrapunkt

Komplex kontrapunkt är en polyfonisk teknik som kombinerar många polyfoniska tekniker som låter dig generera nya melodier från den ursprungliga polyfonin genom att antingen ändra förhållandet mellan röster eller göra ändringar i melodierna som utgör den ursprungliga polyfonin.

Varianter av komplex kontrapunkt:

Beroende på permutationsriktningen för melodiska röster urskiljs vertikala, horisontella och dubbla (samtidigt vertikala och horisontella) rörliga kontrapunkter.

I själva verket kallas svår kontrapunkt bara "komplex". Om du går igenom materialet i nästa öronträningslektion väl kommer du lätt att känna igen denna polyfoniska teknik på gehör.

Detta är bara några av de enklaste polyfoniska teknikerna för en nybörjarmusiker att förstå. Du kan lära dig mer om dessa och andra polyfoniska tekniker från läroboken av musikolog, medlem av Union of Composers of Russia, motsvarande medlem av Petrovsky Academy of Sciences and Arts Valentina Osipova “Polyphony. Polyfoniska tekniker” [V. Osipova, 2006].

Efter att vi har studerat några av polyfoniteknikerna blir det lättare för oss att förstå klassificeringen av typer av polyfoni.

Typer av polyfoni

Det finns fyra huvudtyper av polyfoni. Var och en av typerna bygger huvudsakligen på en viss typ av polyfoniska tekniker. Namnen på typerna av polyfoni talar i de flesta fall för sig själva.

Vilka typer av polyfoni finns det?

Du kan läsa mer om varje typ av polyfoni i boken ”Polyfoni. Polyfoniska tekniker” [V. Osipova, 2006], så vi överlåter det till ditt gottfinnande. Vi har kommit nära ett så viktigt ämne för varje musiker och kompositör som att mixa musik.

Grunderna för musikblandning

Begreppet "polyfoni" är direkt relaterat till att mixa musik och få ett färdigt ljudspår. Tidigare har vi lärt oss att polyfoni innebär principen att lägga till ljud (röster och melodier) på grundval av funktionell jämlikhet. Detta är den så kallade polyfonin, det vill säga samtidigt ljud av två eller flera melodier och/eller röster. Polyfoni innebär en harmonisk sammansmältning av flera oberoende röster och/eller melodier till ett enda musikstycke.

Att mixa musik är strikt taget samma polyfoni, bara på en dator och inte på en musikalisk stav. Blandning involverar också samspelet av minst två musikaliska linjer - sång och "backing track" eller ackompanjemang av ett musikinstrument. Om det finns många instrument förvandlas mixning till en organisation av samspelet mellan många melodiska linjer, som var och en kan vara antingen kontinuerlig genom hela verket eller dyka upp och försvinna med jämna mellanrum.

Om du går tillbaka lite och tittar igen på den schematiska representationen av polyfoniska tekniker kommer du att se mycket gemensamt med gränssnittet för de flesta datorprogram som är designade för att fungera med ljud. Precis som de flesta polyfoniska tekniker avbildas enligt schemat "en röst – ett spår", har ljudbehandlingsprogram ett separat spår för varje melodisk linje. Så här kan den enklaste versionen av att mixa två spår se ut i SoundForge:

Följaktligen, om du behöver mixa till exempel röst, elgitarr, basgitarr, synthesizer och trummor, kommer det att finnas 5 spår. Och om du behöver göra en studioorkesterinspelning kommer det redan att finnas flera dussin spår, ett för varje instrument.

Processen att mixa musik är inte bara att följa den musikaliska notationen och den exakta platsen för början och slutet av musikaliska rader i förhållande till varandra. Även om detta inte är lätt, om det finns många sextondels-, trettiosekunds- och sextiofjärdetoner i inspelningen, som är svårare att träffa än heltal.

Naturligtvis måste ljudproducenten höra och neutralisera inneslutningarna av främmande ljud som kan dyka upp även vid inspelning i en bra studio, för att inte tala om inspelningar gjorda hemma eller omvänt under konserter. Även om en liveinspelning också kan vara av mycket hög kvalitet.

Ett exempel är livealbumet HAARP av det brittiska rockbandet Muse. Inspelningen gjordes på Wembley Stadium. Sedan, med en skillnad på 1 dag, ägde 2 konserter av gruppen rum: den 16 och 17 juni. Intressant nog, för ljudversionen på CD, tog de inspelningen av den 16 juni, och för videoversionen på DVD använde de konsertinspelning, som hölls den 17 juni 2007:

Hur som helst kommer en ljudtekniker eller ljudproducent att behöva arbeta hårt för att förvandla även en välinspelad komplex polyfoni till ett fullfjädrat färdigt verk. Detta är verkligen en kreativ process där du måste ta hänsyn till många nyanser. Men, som vi flera gånger har sett, beskrivs musik av ganska specifika räknebara kategorier – hertz, decibel etc. Och det finns också kriterier för högkvalitativ mixning av ett spår, och där används både objektiva tekniska och subjektiva konstnärliga begrepp.

Kriterier för kvalitetsljudinspelning

Dessa kriterier utvecklades av International Organization for Television and Radio Broadcasting (OIRT), som fanns under andra hälften av 20-talet, och de är kända som OIRT-protokollet, och bestämmelserna i protokollet har fortfarande många strukturer som grund. för att bedöma kvaliteten på ljudinspelningar. Låt oss kort överväga vilka kriterier en inspelning av hög kvalitet ska uppfylla enligt detta protokoll.

Översikt över bestämmelserna i OIRT-protokollet:

Överensstämmelse med kriterierna i protokollet bedöms på en 5-gradig skala. OIRT-protokollet följs närmast i utvärderingen av klassisk, folkmusik och jazzmusik. För elektronisk, pop och rockmusik finns det inget enskilt protokoll för att bedöma ljudkvalitet, och bestämmelserna i OIRT-protokollet är mer rådgivande till sin natur. På ett eller annat sätt, för att göra en inspelning av hög kvalitet, krävs vissa tekniska förutsättningar. Låt oss prata om dem mer i detalj.

Teknisk support

Ovan har vi redan börjat prata om det faktum att för ett högkvalitativt slutresultat är högkvalitativt källmaterial viktigt. Så, för högkvalitativ inspelning av jazz, klassisk och folkmusik, används ofta inspelning på ett par stereomikrofoner, vilket sedan inte kräver blandning. Egentligen används analoga, digitala eller virtuella mixerkonsoler (de är också mixare) för att mixa. Sequencers används för virtuell mixning av spår.

Tekniska krav på en dator föreskrivs vanligtvis av tillverkarna av datorprogram för att arbeta med ljud. Därför kan du kontrollera att din enhet uppfyller kraven när du bestämmer dig för val av programvara. Hittills finns det flera populära program för ljudbehandling och ljudmixning.

Sound Forge

För det första har det redan nämnts ovan Sound Forge. Det är bekvämt eftersom det har en uppsättning grundläggande ljudbehandlingsfunktioner, och du kan hitta en gratis ryskspråkig version [MoiProgrammy.net, 2020]:

Om du behöver förstå den engelska versionen finns det en detaljerad beskrivning [B. Kairov, 2018].

Audacity

För det andra, ett annat bekvämt och okomplicerat ryskspråkigt program Audacity [Audacity, 2020]:

Utöver gratisversionen kan du hitta en mycket vettig manual för den [Audacity 2.2.2, 2018].

Dehumaniser 2

För det tredje är det älskat av utvecklarna av datorspel och extrem sång. Dehumaniser 2. Gränssnittet är på engelska och är märkbart mer komplicerat, men du kan lista ut det:

Och det blir inte bara mixning, utan också möjligheter till ljuddesign [Krotos, 2020].

Cubase-element

För det fjärde är det värt att uppmärksamma programmet Cubase-element [Cubase Elements, 2020]. Där, förutom standarduppsättningen av funktioner, finns det också en ackordpanel som låter dig skapa ett spår "från grunden" eller "föra tankarna till" en tidigare gjord inspelning, och tillämpa tidigare inlärda polyfoniska tekniker i praktiken:

Innan du börjar, studera översikten över funktionerna i programmet [A. Olenchikov, 2017].

Effectrix

Och slutligen, detta är effektsekvensern Effectrix. För att arbeta med det behöver du lite erfarenhet, men det är värt att notera det här programmet nu, för med regelbunden övning kommer erfarenheten att komma mycket snart [Sugar Bytes, 2020]:

Du kan lära dig mer från artikeln "Program för att blanda musik och röst", där ett dussintal program övervägs, inklusive de för professionella musiker och DJ:s [V. Kairov, 2020]. Och nu ska vi prata om att förbereda för mixningen av spåret.

Blandningsberedning och blandningsprocess

Ju bättre förberedd du är, desto snabbare och bättre blir mixen. Det handlar inte bara om teknisk support, en bekväm arbetsplats och högkvalitativ belysning. Det är viktigt att ta hänsyn till flera organisatoriska frågor, såväl som funktionerna i hjärnhemisfärernas arbete. I allmänhet, notera...

Så här förbereder du dig för blandningsprocessen:

Starta mixningsprocessen med trummor, eftersom de upptar en betydande del av frekvensområdet från låga (bastrumma) till höga frekvenser (cymbaler). Först efter det gå vidare till andra instrument och sång. Efter att ha blandat huvudinstrumenten, lägg till, om planerat, specialeffekter (eko, distorsion, modulering, komprimering, etc.).

Därefter måste du bilda en stereobild, dvs ordna alla ljud i stereofältet. Efter det, justera arrangemanget, om nödvändigt, och börja arbeta med djupet på ljudet. För att göra detta, lägg till fördröjningar och reverb till ljuden, men inte för mycket, annars kommer det att "trycka på öronen" på lyssnarna.

När du är klar, kontrollera volymen, EQ, effektinställningarna igen och justera om det behövs. Testa det färdiga spåret i studion och sedan på olika enheter: kör ljudfilen på din smartphone, surfplatta, lyssna på den i bilen. Om ljudet överallt uppfattas normalt, så är allt gjort korrekt!

Om du stöter på många okända ord, läs boken "Computer Sound Processing" [A. Zagumennov, 2011]. Skäms inte över det faktum att mycket beaktas i exemplet med gamla versioner av datorprogram. Fysikens lagar har inte förändrats sedan dess. De som redan prövat sig fram med att arbeta med ljudmixningsprogram kan rekommenderas att läsa om ”Fel vid mixning av musik”, som samtidigt ger rekommendationer om hur man undviker dem [I. Evsyukov, 2018].

Om du har lättare att uppfatta en levande förklaring kan du se träningsvideo om detta ämne:

Under blandningsprocessen rekommenderas det att ta korta pauser var 45:e minut. Detta är användbart inte bara för din hälsa, utan också för att återställa objektiviteten i hörseluppfattningen. Musikaliskt öra är mycket viktigt för högkvalitativ mixning. Hela vår nästa lektion ägnas åt utvecklingen av gehör för musik, men för tillfället erbjuder vi dig att klara ett test för att behärska materialet i denna lektion.

Lektionsförståelsetest

Om du vill testa dina kunskaper om ämnet för denna lektion kan du göra ett kort test som består av flera frågor. Endast ett alternativ kan vara korrekt för varje fråga. När du har valt ett av alternativen går systemet automatiskt vidare till nästa fråga. Poängen du får påverkas av att dina svar är korrekta och hur lång tid som går åt för godkänt. Observera att frågorna är olika varje gång och att alternativen blandas.

Och nu vänder vi oss till utvecklingen av det musikaliska örat.