David Fedorovich Oistrakh |
David Oistrakh
Sovjetunionen har länge varit känt för violinister. Redan på 30-talet förvånade våra artisters briljanta segrar vid internationella tävlingar världens musikaliska samfund. Den sovjetiska violinskolan talades om som den bästa i världen. Bland konstellationen av lysande talanger tillhörde palmen redan David Oistrakh. Han har behållit sin position än i dag.
Många artiklar har skrivits om Oistrakh, kanske på språken hos de flesta människor i världen; monografier och essäer har skrivits om honom, och det verkar som om det inte finns några ord som inte skulle sägas om konstnären av beundrare av hans underbara talang. Och ändå vill jag prata om det igen och igen. Kanske återspeglade ingen av violinisterna så fullständigt historien om vårt lands violinkonst. Oistrakh utvecklades tillsammans med den sovjetiska musikkulturen och absorberade djupt dess ideal, dess estetik. Han "skapades" som konstnär av vår värld, som noggrant styrde utvecklingen av konstnärens stora talang.
Det finns konst som dämpar, ger upphov till ångest, får dig att uppleva livets tragedier; men det finns konst av ett annat slag, som ger frid, glädje, läker andliga sår, främjar upprättandet av tro på livet, i framtiden. Det senare är mycket karakteristiskt för Oistrakh. Oistrakhs konst vittnar om den fantastiska harmonin i hans natur, hans andliga värld, om en ljus och klar uppfattning om livet. Oistrakh är en sökande konstnär, alltid missnöjd med vad han har åstadkommit. Varje steg i hans kreativa biografi är en "ny Oistrakh". På 30-talet var han en mästare på miniatyrer, med betoning på mjuk, charmig, lätt lyrik. På den tiden fängslade hans spel med subtil grace, genomträngande lyriska nyanser, raffinerad fullständighet i varje detalj. Åren gick och Oistrakh förvandlades till en mästare av stora, monumentala former, samtidigt som han behöll sina tidigare egenskaper.
I det första skedet dominerades hans spel av "akvarelltoner" med en partiskhet mot ett skimrande, silverglänsande färgspektrum med omärkliga övergångar från en till en annan. Men i Khachaturian Concerto visade han sig plötsligt i en ny egenskap. Han verkade skapa en berusande färgstark bild, med djupa "sammetslena" klangfärger. Och om han i Mendelssohns, Tjajkovskijs konserter, i miniatyrerna av Kreisler, Skrjabin, Debussy uppfattades som en artist av en rent lyrisk talang, så framträdde han i Khachaturians konsert som en storartad genremålare; hans tolkning av denna konsert har blivit en klassiker.
En ny scen, en ny kulmen på den kreativa utvecklingen av en fantastisk artist – Sjostakovitjs konsert. Det är omöjligt att glömma intrycket av premiären av konserten framförd av Oistrakh. Han förvandlade bokstavligen; hans spel fick en "symfonisk" skala, tragisk kraft, "hjärtats visdom" och smärta för en person, som är så inneboende i den store sovjetiska kompositörens musik.
För att beskriva Oistrakhs prestation är det omöjligt att inte notera hans höga instrumentala skicklighet. Det verkar som om naturen aldrig har skapat en sådan fullständig sammansmältning av människa och instrument. Samtidigt är virtuositeten i Oistrakhs framträdande speciell. Den har både briljans och showiness när musiken kräver det, men de är inte huvudsaken, utan plasticitet. Den fantastiska lätthet och lätthet med vilken artisten framför de mest förbryllande passager är oöverträffad. Perfektionen hos hans uppträdande apparat är sådan att du får sann estetisk njutning när du ser honom spela. Med obegriplig fingerfärdighet rör sig vänster hand längs nacken. Det finns inga skarpa stötar eller kantiga övergångar. Varje hopp övervinns med absolut frihet, varje sträckning av fingrarna – med största elasticitet. Stråken är "kopplad" till stråkarna på ett sådant sätt att den darrande, smekande klangen på Oistrakhs violin inte snart kommer att glömmas.
Åren lägger till fler och fler aspekter till hans konst. Det blir djupare och... lättare. Men i utvecklingen, ständigt framåt, förblir Oistrakh "själv" - en konstnär av ljus och sol, vår tids mest lyriska violinist.
Oistrakh föddes i Odessa den 30 september 1908. Hans far, en blygsam kontorsarbetare, spelade mandolin, fiol och var en stor älskare av musik; mamma, en professionell sångerska, sjöng i kören i Odessas operahus. Från fyra års ålder lyssnade lille David med entusiasm på operor där hans mamma sjöng, och hemma spelade han föreställningar och "ledde" en tänkt orkester. Hans musikalitet var så uppenbar att han blev intresserad av en välkänd lärare som blev känd i sitt arbete med barn, violinisten P. Stolyarsky. Från fem års ålder började Oistrakh studera med honom.
Första världskriget bröt ut. Oistrakhs far gick till fronten, men Stolyarsky fortsatte att arbeta med pojken utan kostnad. På den tiden hade han en privat musikskola, som i Odessa kallades en "talangfabrik". "Han hade en stor, brinnande själ som konstnär och en extraordinär kärlek till barn", minns Oistrakh. Stolyarsky ingav honom en kärlek till kammarmusik, tvingade honom att spela musik i skolensembler på viola eller fiol.
Efter revolutionen och inbördeskriget öppnades Music and Drama Institute i Odessa. 1923 kom Oistrakh in här, och naturligtvis i Stolyarskys klass. 1924 gav han sin första solokonsert och bemästrade snabbt de centrala verken i violinrepertoaren (konserter av Bach, Tjajkovskij, Glazunov). 1925 gjorde han sin första konsertresa till Elizavetgrad, Nikolaev, Cherson. Våren 1926 tog Oistrakh examen från institutet med briljans, efter att ha framfört Prokofievs första konsert, Tartinis sonat "Djävulens triller", A. Rubinsteins sonat för viola och piano.
Låt oss notera att Prokofievs konsert valdes som det huvudsakliga examensarbetet. På den tiden kunde inte alla ta ett så djärvt steg. Prokofievs musik uppfattades av ett fåtal, det var med svårighet som den vann erkännande från musiker som växte upp med klassikerna från XNUMXth-XNUMXth århundradena. Önskan om nyhet, snabb och djup förståelse av det nya förblev karakteristiskt för Oistrakh, vars prestationsutveckling kan användas för att skriva historien om sovjetisk violinmusik. Det kan utan överdrift sägas att de flesta violinkonserter, sonater, verk av stora och små former skapade av sovjetiska tonsättare först framfördes av Oistrakh. Ja, och från XNUMX-talets utländska fiollitteratur var det Oistrakh som introducerade sovjetiska lyssnare till många stora fenomen; till exempel med konserter av Szymanowski, Chausson, Bartóks första konsert m.m.
Naturligtvis, vid tiden för sin ungdom, kunde Oistrakh inte förstå musiken i Prokofiev-konserten tillräckligt djupt, som artisten själv minns. Strax efter att Oistrakh tog examen från institutet kom Prokofiev till Odessa med författarens konserter. Vid en kväll som anordnades till hans ära framförde den 18-årige Oistrakh scherzo från den första konserten. Kompositören satt nära scenen. ”Under mitt framträdande”, minns Oistrakh, ”blev hans ansikte mer och mer dystert. När applåderna bröt ut deltog han inte i dem. När han närmade sig scenen, ignorerade publikens brus och spänning, bad han pianisten att ge vika för honom och vände sig till mig med orden: "Ung man, du spelar inte alls som du borde," började han. att visa och förklara för mig arten av hans musik. . Många år senare påminde Oistrakh Prokofjev om denna händelse, och han blev synligt generad när han fick reda på vem den "olyckliga unge mannen" som hade lidit så mycket av honom var.
På 20-talet hade F. Kreisler ett stort inflytande på Oistrakh. Oistrakh blev bekant med sitt framträdande genom inspelningar och hänfördes av originaliteten i sin stil. Kreislers enorma inverkan på 20- och 30-talens generation av violinister brukar ses som både positiv och negativ. Tydligen var Kreisler "skyldig" till Oistrakhs fascination av en liten form – miniatyrer och transkriptioner, där Kreislers arrangemang och originalpjäser intog en betydande plats.
Passionen för Kreisler var universell och få förblev likgiltiga för hans stil och kreativitet. Från Kreisler anammade Oistrakh några speltekniker – karakteristisk glissando, vibrato, portamento. Kanske står Oistrakh i tacksamhet till "Kreisler-skolan" för elegansen, lättheten, mjukheten, rikedomen hos "kammare" nyanser som fängslar oss i hans spel. Allt som han lånade var dock ovanligt organiskt bearbetat av honom även på den tiden. Den unga konstnärens individualitet visade sig vara så ljus att den förändrade varje "förvärv". I sin mogna period lämnade Oistrakh Kreisler och satte de uttrycksfulla tekniker som han en gång hade antagit från honom i tjänst för helt andra mål. Begäret efter psykologism, reproduktionen av en komplex värld av djupa känslor ledde honom till metoderna för deklamatorisk intonation, vars natur är direkt motsatt till Kreislers eleganta, stiliserade texter.
Sommaren 1927, på initiativ av Kiev-pianisten K. Mikhailov, introducerades Oistrakh för AK Glazunov, som hade kommit till Kiev för att dirigera flera konserter. På hotellet dit Oistrakh fördes, ackompanjerade Glazunov den unge violinisten i hans konsert på piano. Under ledning av Glazunov framförde Oistrakh konserten två gånger offentligt med orkestern. I Odessa, dit Oistrakh återvände med Glazunov, träffade han Polyakin, som turnerade där, och efter ett tag med dirigenten N. Malko, som bjöd in honom på sin första resa till Leningrad. Den 10 oktober 1928 gjorde Oistrakh en framgångsrik debut i Leningrad; den unga konstnären blev populär.
1928 flyttade Oistrakh till Moskva. Under en tid lever han livet som en gästartist som reser runt i Ukraina med konserter. Av stor betydelse i hans konstnärliga verksamhet var segern vid den helukrainska violintävlingen 1930. Han vann första pris.
P. Kogan, chef för konsertbyrån för statliga orkestrar och ensembler i Ukraina, blev intresserad av den unga musikern. En utmärkt arrangör, han var en anmärkningsvärd figur av den "sovjetiska impresario-pedagogen", som han kan kallas enligt riktningen och arten av hans verksamhet. Han var en riktig propagandist av klassisk konst bland massorna, och många sovjetiska musiker har ett gott minne av honom. Kogan gjorde mycket för att popularisera Oistrakh, men fortfarande var violinistens huvudsakliga konsertområde utanför Moskva och Leningrad. Först 1933 började Oistrakh också ta sig fram i Moskva. Hans framträdande med ett program sammansatt av konserter av Mozart, Mendelssohn och Tjajkovskij, framfört på en kväll, var en händelse om vilken musikalen Moskva talade. Recensioner skrivs om Oistrakh, där det noteras att hans spel bär de bästa egenskaperna hos den unga generationen av sovjetiska artister, att denna konst är frisk, begriplig, glad, viljestark. Kritiker lägger träffande märke till huvuddragen i hans framförande stil, som var karakteristiska för honom under dessa år - exceptionell skicklighet i framförandet av verk av liten form.
Samtidigt hittar vi i en av artiklarna följande rader: ”Det är dock för tidigt att anse att miniatyren är hans genre. Nej, Oistrakhs sfär är musik av plastiska, graciösa former, fullblods, optimistisk musik.
1934, på initiativ av A. Goldenweiser, blev Oistrakh inbjuden till konservatoriet. Det var här hans lärarkarriär började, som fortsätter till idag.
30-talet var tiden för Oistrakhs lysande triumfer på hela unionens och världsscenen. 1935 – första pris vid II All-Union Competition of Performing Musicians i Leningrad; samma år, några månader senare – andra priset vid Henryk Wieniawski International Violin Competition i Warszawa (första priset gick till Ginette Neve, Thibauts elev); 1937 – första pris vid Eugene Ysaye International Violin Competition i Bryssel.
Den sista tävlingen, där sex av de sju första priserna vanns av de sovjetiska violinisterna D. Oistrakh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova och M. Fikhtengolts, bedömdes av världspressen som en triumf för den sovjetiska fiolen skola. Jurymedlemmen Jacques Thibault skrev: "Det här är underbara talanger. Sovjetunionen är det enda land som har tagit hand om sina unga konstnärer och gett fulla möjligheter för deras utveckling. Från och med idag vinner Oistrakh världsberömdhet. De vill lyssna på honom i alla länder.”
Efter tävlingen uppträdde deltagarna i Paris. Tävlingen öppnade vägen för Oistrakh till breda internationella aktiviteter. På hemmaplan blir Oistrakh den mest populära violinisten, och konkurrerar framgångsrikt i detta avseende med Miron Polyakin. Men det viktigaste är att hans charmiga konst lockar uppmärksamhet från kompositörer och stimulerar deras kreativitet. 1939 skapades Myaskovsky-konserten, 1940 - Khachaturian. Båda konserterna är tillägnade Oistrakh. Framförandet av konserter av Myaskovsky och Khachaturian uppfattades som en stor händelse i det musikaliska livet i landet, var resultatet och kulmen av förkrigstiden av den anmärkningsvärda artistens verksamhet.
Under kriget gav Oistrakh kontinuerligt konserter, spelade på sjukhus, bak och framtill. Som de flesta sovjetiska artister är han full av patriotisk entusiasm, 1942 uppträder han i det belägrade Leningrad. Soldater och arbetare, sjömän och invånare i staden lyssnar på honom. “Oki kom hit efter en hård dags arbete för att lyssna på Oistrakh, en konstnär från fastlandet, från Moskva. Konserten var ännu inte över när flyglarmet tillkännagavs. Ingen lämnade rummet. Efter konsertens slut välkomnades artisten varmt. Ovationerna intensifierades särskilt när dekretet om tilldelning av statspriset till D. Oistrakh tillkännagavs … ”.
Kriget är över. 1945 anlände Yehudi Menuhin till Moskva. Oistrakh spelar en dubbel Bachkonsert med honom. Säsongen 1946/47 framförde han i Moskva en storslagen cykel tillägnad violinkonsertens historia. Denna handling påminner om A. Rubinsteins berömda historiska konserter. Cykeln innehöll verk som konserter av Elgar, Sibelius och Walton. Han definierade något nytt i Oistrakhs kreativa bild, som sedan dess har blivit hans omistliga egenskap – universalism, önskan om en bred täckning av violinlitteratur i alla tider och folk, inklusive moderniteten.
Efter kriget öppnade Oistrakh möjligheter för omfattande internationell verksamhet. Hans första resa ägde rum i Wien 1945. Recensionen av hans uppträdande är anmärkningsvärd: "... Endast den andliga mognaden i hans alltid stilfulla spel gör honom till en förebådare för hög mänsklighet, en verkligt betydelsefull musiker, vars plats är i första rangen av världens violinister."
1945-1947 träffade Oistrakh Enescu i Bukarest och Menuhin i Prag; 1951 utsågs han till juryn för den belgiska Queen Elisabeth International Competition i Bryssel. På 50-talet bedömde hela den utländska pressen honom som en av världens största violinister. Medan han är i Bryssel uppträder han med Thibault, som dirigerar orkestern i hans konsert, och spelar konserter av Bach, Mozart och Beethoven. Thiebaud är full av djup beundran för Oistrakhs talang. Recensioner av hans föreställning i Düsseldorf 1954 betonar den genomträngande mänskligheten och andligheten i hans föreställning. ”Den här mannen älskar människor, den här konstnären älskar det vackra, det ädla; att hjälpa människor att uppleva detta är hans yrke.”
I dessa recensioner framstår Oistrakh som en artist som når djupet av den humanistiska principen i musik. Emotionaliteten och lyriken i hans konst är psykologisk, och det är detta som påverkar lyssnarna. "Hur ska man sammanfatta intrycken av David Oistrakhs spel? – skrev E. Jourdan-Morrange. – Vanliga definitioner, hur dityrambiska de än är, är ovärdiga hans rena konst. Oistrakh är den mest perfekta violinist jag någonsin hört, inte bara när det gäller hans teknik, som är lika med Heifetz, utan särskilt för att denna teknik är helt vänd till musikens tjänst. Vilken ärlighet, vilken ädelhet i avrättningen!
1955 åkte Oistrakh till Japan och USA. I Japan skrev de: "Publiken i det här landet vet hur man uppskattar konst, men är benägna att återhålla sig i manifestationen av känslor. Här blev hon bokstavligen galen. Häpnadsväckande applåder sammanslogs med rop av "bravo!" och verkade kunna bedöva. Oistrakhs framgångar i USA gränsade till triumf: ”David Oistrakh är en stor violinist, en av vår tids verkligt stora violinister. Oistrakh är stor inte bara för att han är en virtuos, utan en genuin andlig musiker.” F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte lyssnade på Oistrakh vid konserten i Carnegie Hall.
”Jag blev särskilt rörd av närvaron av Kreisler i hallen. När jag såg den store violinisten lyssna uppmärksamt på mitt spel och sedan applådera mig stående, verkade allt som hände som någon sorts underbar dröm. Oistrakh träffade Kreisler under sitt andra besök i USA 1962-1963. Kreisler var redan vid den tiden en mycket gammal man. Bland mötena med stora musiker bör man också nämna mötet med P. Casals 1961, som satte djupa spår i hjärtat av Oistrakh.
Den ljusaste linjen i Oistrakhs framträdande är kammarensemblemusik. Oistrakh deltog i kammarkvällar i Odessa; senare spelade han i en trio med Igumnov och Knusjevitskij och ersatte violinisten Kalinovskij i denna ensemble. 1935 bildade han en sonatensemble med L. Oborin. Enligt Oistrakh gick det till så här: de åkte till Turkiet i början av 30-talet, och där fick de spela en sonatafton. Deras "känsla för musik" visade sig vara så släkt att idén kom att fortsätta denna slumpmässiga association.
Många uppträdanden på gemensamma kvällar förde en av de största sovjetiska cellisterna, Svyatoslav Knushevitskij, närmare Oistrakh och Oborin. Beslutet att skapa en permanent trio kom 1940. Det första framförandet av denna anmärkningsvärda ensemble ägde rum 1941, men en systematisk konsertverksamhet började 1943. Trion L. Oborin, D. Oistrakh, S. Knushevitsky under många år (tills 1962, när Knusjevitskij dog) var den sovjetiska kammarmusikens stolthet. Många konserter av denna ensemble samlade alltid fulla salar av en entusiastisk publik. Hans föreställningar hölls i Moskva, Leningrad. 1952 reste trion till Beethoven-firandet i Leipzig. Oborin och Oistrakh framförde hela cykeln av Beethovens sonater.
Trions spel kännetecknades av en sällsynt sammanhållning. Knushevitskys anmärkningsvärda täta cantilena, med sitt ljud, sammetslena klang, perfekt kombinerat med det silverglänsande ljudet av Oistrakh. Deras sound kompletterades med sång på pianot Oborin. I musiken avslöjade och betonade artisterna dess lyriska sida, deras spel kännetecknades av uppriktighet, mjukhet som kom från hjärtat. I allmänhet kan ensemblens utförandestil kallas lyrisk, men med klassisk balans och rigor.
Oborin-Oistrakh Ensemble existerar än idag. Deras sonatkvällar lämnar ett intryck av stilistisk integritet och fullständighet. Poesin som är inneboende i Oborins pjäs kombineras med det musikaliska tänkandets karaktäristiska logik; Oistrakh är en utmärkt partner i detta avseende. Detta är en ensemble av utsökt smak, sällsynt musikalisk intelligens.
Oistrakh är känt över hela världen. Han präglas av många titlar; 1959 valde Royal Academy of Music i London honom till hedersmedlem, 1960 blev han hedersakademiker vid St. Cecilia i Rom; 1961 – motsvarande ledamot av German Academy of Arts i Berlin, samt medlem av American Academy of Sciences and Arts i Boston. Oistrakh tilldelades Leninorden och hederstecken; han tilldelades titeln People's Artist of the USSR. 1961 tilldelades han Leninpriset, det första bland sovjetiska utövande musiker.
I Yampolskys bok om Oistrakh fångas hans karaktärsdrag koncist och kortfattat: okuvlig energi, hårt arbete, ett skarpt kritiskt sinne, kunna lägga märke till allt som är karakteristiskt. Detta framgår av Oistrakhs omdömen om framstående musikers spel. Han vet alltid hur man pekar ut det viktigaste, skissar ett korrekt porträtt, ger en subtil analys av stilen, lägger märke till det typiska i en musikers utseende. Hans bedömningar går att lita på, eftersom de till största delen är opartiska.
Yampolsky noterar också ett sinne för humor: "Han uppskattar och älskar ett välriktat, skarpt ord, kan skratta smittsamt när han berättar en rolig historia eller lyssnar på en komisk historia. Liksom Heifetz kan han lustigt kopiera spelet av nybörjare violinister.” Med den kolossala energi som han spenderar varje dag är han alltid smart, återhållsam. Till vardags älskar han sport – i sina yngre år spelade han tennis; en utmärkt bilist, passionerat förtjust i schack. På 30-talet var hans schackpartner S. Prokofiev. Före kriget hade Oistrakh varit ordförande för idrottssektionen i Konstnärernas centrala hus under ett antal år och en förstklassig schackmästare.
På scenen är Oistrakh fri; han har inte den spänning som så överskuggar mångfalden aktivitet hos ett stort antal utövande musiker. Låt oss komma ihåg hur smärtsamt oroade Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin, hur mycket nervös energi de spenderade på varje framträdande. Oistrakh älskar scenen och, som han erkänner, är det bara betydande avbrott i uppträdandet som orsakar honom spänning.
Oistrakhs arbete går utöver räckvidden för direkt utförande aktiviteter. Han bidrog mycket till fiollitteraturen som redaktör; till exempel är hans version (tillsammans med K. Mostras) av Tjajkovskijs violinkonsert utmärkt, berikande och till stor del korrigerande Auers version. Låt oss också peka på Oistrakhs arbete med båda Prokofievs violinsonater. Violinisterna är skyldiga honom att den andra sonaten, som ursprungligen skrevs för flöjt och violin, gjordes om av Prokofjev för violin.
Oistrakh arbetar ständigt med nya verk, och är deras första tolk. Listan över nya verk av sovjetiska tonsättare, "släppta" av Oistrakh, är enorm. För att bara nämna några: sonater av Prokofiev, konserter av Myaskovsky, Rakov, Khachaturian, Shostakovich. Oistrakh skriver ibland artiklar om de stycken han har spelat, och någon musikforskare kan avundas hans analys.
Storslagna är till exempel analyserna av Violinkonserten av Myaskovsky, och särskilt av Sjostakovitj.
Oistrakh är en enastående lärare. Bland hans elever finns pristagare av internationella tävlingar V. Klimov; hans son, för närvarande en framstående konsertsolist I. Oistrakh, samt O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Många utländska violinister strävar efter att komma in i Oistrakhs klass. Fransmännen M. Bussino och D. Arthur, turken E. Erduran, australiensiska violinisten M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar från Jugoslavien, bulgaren B. Lechev, rumänerna I. Voicu, S. Georgiou studerade under honom. Oistrakh älskar pedagogik och arbetar i klassrummet med passion. Hans metod bygger huvudsakligen på hans egen uppträdande erfarenhet. "Kommentarerna han gör om det ena eller det andra sättet att prestera är alltid kortfattade och extremt värdefulla; i varje ordråd visar han en djup förståelse för instrumentets natur och teknikerna för fiolspel.
Han lägger stor vikt vid att läraren direkt demonstrerar det stycke som eleven studerar på instrumentet. Men att bara visa, enligt hans mening, är användbart främst under den period då eleven analyserar arbetet, eftersom det ytterligare kan hämma utvecklingen av elevens kreativa individualitet.
Oistrakh utvecklar skickligt sina elevers tekniska apparatur. I de flesta fall kännetecknas hans husdjur av friheten att äga instrumentet. Samtidigt är särskild uppmärksamhet på teknik inte på något sätt kännetecknande för läraren Oistrakh. Han är mycket mer intresserad av problemen med sina elevers musikaliska och konstnärliga utbildning.
De senaste åren har Oistrakh intresserat sig för att dirigera. Hans första framträdande som dirigent ägde rum den 17 februari 1962 i Moskva - han ackompanjerade sin son Igor, som framförde konserterna av Bach, Beethoven och Brahms. ”Oistrakhs ledningsstil är enkel och naturlig, precis som hans sätt att spela fiol. Han är lugn, snål med onödiga rörelser. Han undertrycker inte orkestern med sin dirigents "kraft", utan ger det uppträdande laget maximal kreativ frihet, beroende på medlemmarnas konstnärliga intuition. Charmen och auktoriteten hos en stor artist har en oemotståndlig effekt på musikerna.”
1966 fyllde Oistrakh 58 år. Han är dock full av aktiv kreativ energi. Hans skicklighet kännetecknas fortfarande av frihet, absolut perfektion. Det berikades bara av den konstnärliga erfarenheten av ett långlivat liv, helt ägnat åt hans älskade konst.
L. Raaben, 1967
