Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergej Rachmaninoff

Och jag hade ett fosterland; Han är underbar! A. Pleshcheev (från G. Heine)

Rachmaninov skapades av stål och guld; Stål i händerna, guld i hjärtat. I. Hoffman

"Jag är en rysk kompositör, och mitt hemland har satt sin prägel på min karaktär och mina åsikter." Dessa ord tillhör S. Rachmaninov, den store kompositören, lysande pianisten och dirigenten. Alla de viktigaste händelserna i det ryska sociala och konstnärliga livet återspeglades i hans kreativa liv och lämnade ett outplånligt märke. Bildandet och blomstringen av Rachmaninovs verk faller på 1890-1900-talet, en tid då de mest komplexa processerna ägde rum i den ryska kulturen, den andliga pulsen slog febrilt och nervöst. Den akut lyriska känslan av eran inneboende i Rachmaninov var alltid förknippad med bilden av hans älskade fosterland, med oändligheten av dess vida vidder, kraften och våldsamma förmågan hos dess elementära krafter, den milda bräckligheten hos den blommande vårnaturen.

Rachmaninovs talang visade sig tidigt och ljust, även om han fram till tolv års ålder inte visade mycket iver för systematiska musiklektioner. Han började lära sig spela piano vid 4 års ålder, 1882 antogs han till St. Petersburgs konservatorium, där han, överlåten åt sig själv, ganska mycket busade, och 1885 förflyttades han till Moskvas konservatorium. Här studerade Rachmaninoff piano med N. Zverev, sedan A. Siloti; i teoretiska ämnen och komposition – med S. Taneyev och A. Arensky. När han bodde i ett pensionat med Zverev (1885-89), gick han igenom en hård, men mycket rimlig skola av arbetsdisciplin, som förvandlade honom från en desperat lat och stygg person till en exceptionellt samlad och viljestark person. "Det bästa som finns i mig, jag är skyldig honom," - så sa Rachmaninov senare om Zverev. På konservatoriet var Rachmaninoff starkt influerad av P. Tjajkovskijs personlighet, som i sin tur följde utvecklingen av sin favorit Seryozha och, efter att ha tagit examen från konservatoriet, hjälpte till att sätta upp operan Aleko på Bolsjojteatern. egen sorglig upplevelse hur svårt det är för en nybörjarmusiker att lägga sin egen väg.

Rachmaninov tog examen från konservatoriet i piano (1891) och komposition (1892) med en stor guldmedalj. Vid det här laget var han redan författare till flera kompositioner, inklusive det berömda Preludeet i c-moll, romansen "In the Silence of the Secret Night", den första pianokonserten, operan "Aleko", skriven som ett examensverk på bara 17 dagar! Fantasistyckena som följde, op. 3 (1892), Elegiac Trio "In Memory of a Great Artist" (1893), Svit för två pianon (1893), Moments of Music op. 16 (1896), romanser, symfoniska verk - "Klippan" (1893), Capriccio om zigenska teman (1894) - bekräftade Rachmaninovs åsikt som en stark, djup, originell talang. De bilder och stämningar som är karakteristiska för Rachmaninoff uppträder i dessa verk inom ett brett spektrum – från den tragiska sorgen i "Musikaliska ögonblicket" i h-moll till den hymniska apoteosen av romansen "Spring Waters", från det hårda spontana-viljetrycket från "Musical Moment" i e-moll till den finaste akvarellen av romansen "Island".

Livet under dessa år var svårt. Rachmaninoff, som var avgörande och kraftfull i prestation och kreativitet, var till sin natur en sårbar person som ofta upplevde tvivel på sig själv. Inblandade i materiella svårigheter, världslig oordning, vandrande i konstiga hörn. Och även om han fick stöd av människor som stod honom nära, främst familjen Satin, kände han sig ensam. Den starka chock som orsakades av misslyckandet med hans första symfoni, framförd i St. Petersburg i mars 1897, ledde till en kreativ kris. Under flera år komponerade Rachmaninov ingenting, men hans uppträdande som pianist intensifierades, och han debuterade som dirigent vid Moskvas privata opera (1897). Under dessa år träffade han L. Tolstoj, A. Tjechov, konstnärer från konstteatern, inledde en vänskap med Fjodor Chaliapin, som Rachmaninov ansåg vara en av "de mest kraftfulla, djupa och subtila konstnärliga upplevelserna." 1899 uppträdde Rachmaninoff utomlands för första gången (i London), och 1900 besökte han Italien, där skisser av den framtida operan Francesca da Rimini dök upp. En glädjefylld händelse var uppsättningen av operan Aleko i St. Petersburg med anledning av 100-årsjubileet av A. Pushkin med Chaliapin som Aleko. Så småningom förbereddes en intern vändpunkt och i början av 1900-talet. det fanns en återgång till kreativiteten. Det nya århundradet började med den andra pianokonserten, som lät som ett mäktigt larm. Samtida hörde i honom tidens röst med dess spänning, explosivitet och en känsla av förestående förändringar. Nu håller konsertens genre på att bli den ledande, det är i den som huvudidéerna förkroppsligas med största fullständighet och inkludering. Ett nytt skede börjar i Rachmaninovs liv.

Allmänt erkännande i Ryssland och utomlands får hans pianist- och dirigentverksamhet. 2 år (1904-06) arbetade Rachmaninov som dirigent vid Bolsjojteatern och lämnade minnet av de underbara uppsättningarna av ryska operor i dess historia. 1907 deltog han i de ryska historiska konserterna anordnade av S. Diaghilev i Paris, 1909 uppträdde han för första gången i Amerika, där han spelade sin tredje pianokonsert under ledning av G. Mahler. Intensiv konsertverksamhet i städerna i Ryssland och utomlands kombinerades med inte mindre intensiv kreativitet, och i musiken under detta decennium (i kantaten "Vår" - 1902, i preludier op. 23, i finalerna av den andra symfonin och den tredje konserten) finns det mycket ivrig entusiasm och entusiasm. Och i sådana kompositioner som romanserna "Lilac", "Det är bra här", i preludier i D-dur och G-dur, lät "musiken från naturens sjungande krafter" med fantastisk penetration.

Men under samma år märks även andra stämningar. Sorgliga tankar om fosterlandet och dess framtida öde, filosofiska reflektioner över liv och död ger upphov till tragiska bilder av den första pianosonaten, inspirerad av Goethes Faust, den symfoniska dikten "De dödas ö" baserad på målningen av den schweiziska konstnären A. Böcklin (1909), många sidor i tredje konserten, romanser op. 26. Inre förändringar blev särskilt märkbara efter 1910. Om tragedin så småningom övervinns i den tredje konserten och konserten slutar med en jublande apoteos, så fördjupas den i de verk som följde den kontinuerligt, vilket ger liv åt aggressiva, fientliga bilder, dystra, nedstämdhet. Det musikaliska språket blir mer komplext, det breda melodiska andetag som är så karaktäristiskt för Rachmaninov försvinner. Sådana är den vokal-symfoniska dikten "Klockorna" (på st. E. Poe, översatt av K. Balmont – 1913); romanser op. 34 (1912) och op. 38 (1916); Etuder-målningar op. 39 (1917). Men det var vid denna tid som Rachmaninov skapade verk fulla av hög etisk innebörd, som blev personifieringen av bestående andlig skönhet, kulmen på Rachmaninovs melodi - "Vocalise" och "All-Night Vigil" för kör a cappella (1915). "Sedan barndomen har jag varit fascinerad av Oktoikhs magnifika melodier. Jag har alltid känt att det behövs en speciell, speciell stil för deras körbearbetning, och det verkar som om jag hittade det i Vesperna. Jag kan inte låta bli att erkänna. att det första framförandet av det av Moskvas synodalskör gav mig en timme av det lyckligaste nöjet”, mindes Rachmaninov.

Den 24 december 1917 lämnade Rachmaninov och hans familj Ryssland, som det visade sig, för alltid. I mer än ett kvarts sekel levde han i ett främmande land, i USA, och denna period var mestadels full av utmattande konsertverksamhet, underställd musikbranschens grymma lagar. Rachmaninov använde en betydande del av sina arvoden för att ge materiellt stöd till sina landsmän utomlands och i Ryssland. Så hela samlingen för föreställningen i april 1922 överfördes till förmån för de svältande i Ryssland, och hösten 1941 skickade Rakhmaninov mer än fyra tusen dollar till Röda arméns hjälpfond.

Utomlands levde Rachmaninoff isolerat, vilket begränsade sin vänkrets till invandrare från Ryssland. Ett undantag gjordes endast för familjen till F. Steinway, chefen för pianofirman, med vilken Rachmaninov hade vänskapliga relationer.

De första åren av sin vistelse utomlands lämnade Rachmaninov inte tanken på förlusten av kreativ inspiration. "Efter att ha lämnat Ryssland tappade jag lusten att komponera. Efter att ha förlorat mitt hemland förlorade jag mig själv.” Bara 8 år efter att ha lämnat utomlands återvänder Rachmaninov till kreativiteten, skapar den fjärde pianokonserten (1926), Three Russian Songs for Choir and Orchestra (1926), Variations on a Theme of Corelli for piano (1931), Rhapsody on a Theme of Paganini (1934), Tredje symfonin (1936), "Symfoniska danser" (1940). Dessa verk är Rachmaninoffs sista, högsta uppgång. En sorgsen känsla av irreparabel saknad, en brinnande längtan efter Ryssland ger upphov till en konst med enorm tragisk kraft, som når sin kulmen i de symfoniska danserna. Och i den lysande tredje symfonin förkroppsligar Rachmaninoff för sista gången det centrala temat i sitt verk – bilden av fosterlandet. Konstnärens strängt koncentrerade intensiva tankar framkallar honom ur seklernas djup, han uppstår som ett oändligt kärt minne. I en komplex sammanvävning av olika teman, episoder framträder ett brett perspektiv, ett dramatiskt epos om fäderneslandets öde återskapas, som slutar med en segerrik livsbekräftelse. Så genom alla Rachmaninoffs verk bär han okränkbarheten av sina etiska principer, hög andlighet, trohet och ofrånkomlig kärlek till fosterlandet, vars personifiering var hans konst.

O. Averyanova

• Rachmaninovs museum i Ivanovka →
• Pianoverk av Rachmaninoff →
• Rachmaninoffs symfoniska verk →
• Rachmaninovs kammarinstrumentala konst →
• Operaverk av Rachmaninoff →
• Körverk av Rachmaninoff →
• Romanser av Rachmaninov →
• Rachmaninov-dirigent →

Egenskaper för kreativitet

Sergej Vasilyevich Rachmaninoff är tillsammans med Skrjabin en av de centrala gestalterna i rysk musik på 1900-talet. Dessa två kompositörers verk väckte särskilt stor uppmärksamhet av samtida, de bråkade hett om det, skarpa tryckta diskussioner började kring deras individuella verk. Trots all olikhet i det individuella utseendet och den figurativa strukturen hos Rachmaninovs och Skrjabins musik dök deras namn ofta upp sida vid sida i dessa tvister och jämfördes med varandra. Det fanns rent yttre skäl för en sådan jämförelse: båda var elever vid Moskva-konservatoriet, som tog examen från det nästan samtidigt och studerade med samma lärare, båda utmärkte sig omedelbart bland sina kamrater genom styrkan och ljuset i sin talang, och fick inte erkännande endast som mycket begåvade kompositörer, men också som framstående pianister.

Men det var också mycket som skilde dem åt och ibland satte dem på olika flanker av musiklivet. Den djärva innovatören Skrjabin, som öppnade upp nya musikaliska världar, var motståndare till Rachmaninov som en mer traditionellt tänkande konstnär som baserade sitt arbete på de solida grunderna för det nationella klassiska arvet. "G. Rachmaninoff, skrev en av kritikerna, är den pelare kring vilken alla förkämpar för den verkliga riktningen är grupperade, alla de som värnar om grunderna som lagts av Mussorgskij, Borodin, Rimskij-Korsakov och Tjajkovskij.

Men trots alla skillnader i Rachmaninovs och Skrjabins positioner i deras samtida musikaliska verklighet, sammanfördes de inte bara av de allmänna villkoren för uppfostran och tillväxten av en kreativ personlighet i deras ungdom, utan också av några djupare drag av gemensamhet . "En rebellisk, rastlös talang" - så här karaktäriserades Rakhmaninov en gång i pressen. Det var denna rastlösa impulsivitet, spänningen i den känslomässiga tonen, karakteristisk för båda kompositörernas verk, som gjorde det särskilt kärt och nära till breda kretsar av det ryska samhället i början av XNUMX-talet, med deras oroliga förväntningar, strävanden och förhoppningar .

"Skrijabin och Rachmaninov är de två 'härskarna över musikaliska tankar' i den moderna ryska musikvärlden <...> Nu delar de hegemoni sinsemellan i musikvärlden", medgav LL Sabaneev, en av de mest nitiska apologeterna för den första och en lika envis motståndare och belackare av tvåan. En annan kritiker, mer moderat i sina bedömningar, skrev i en artikel ägnad åt en jämförande beskrivning av de tre mest framstående representanterna för Moskvas musikskola, Taneyev, Rachmaninov och Skrjabin: tonen i det moderna, febrilt intensiva livet. Båda är det moderna Rysslands bästa förhoppningar.”

Länge dominerade synen på Rachmaninov som en av Tjajkovskijs närmaste arvtagare och efterföljare. Inflytandet från författaren till The Queen of Spades spelade utan tvekan en betydande roll i bildandet och utvecklingen av hans arbete, vilket är ganska naturligt för en examen från Moskvas konservatorium, en student av AS Arensky och SI Taneyev. Samtidigt uppfattade han också några av särdragen i "Petersburg"-skolan av tonsättare: Tjajkovskijs upphetsade lyrik kombineras i Rachmaninov med Borodins hårda episka storhet, Mussorgskijs djupa penetrering i systemet av forntida ryskt musikaliskt tänkande och den poetiska uppfattningen av Rimsky-Korsakovs infödda natur. Men allt som lärt sig från lärare och föregångare omprövats djupt av kompositören, lydde hans starka kreativa vilja och fick en ny, helt oberoende individuell karaktär. Rachmaninovs djupt originella stil har stor inre integritet och organicitet.

Om vi ​​letar efter paralleller till honom i den ryska konstnärliga kulturen under sekelskiftet, så är detta först och främst Tjechov-Bunin-linjen i litteraturen, de lyriska landskapen i Levitan, Nesterov, Ostroukhov i måleriet. Dessa paralleller har upprepade gånger noterats av olika författare och har blivit nästan stereotypa. Det är känt med vilken ivrig kärlek och respekt Rakhmaninov behandlade Tjechovs arbete och personlighet. Redan under de senare åren av sitt liv, när han läste författarens brev, ångrade han att han inte hade träffat honom närmare på sin tid. Kompositören var förknippad med Bunin under många år av ömsesidig sympati och gemensamma konstnärliga åsikter. De sammanfördes och besläktades av en passionerad kärlek till sin infödda ryska natur, för tecknen på ett enkelt liv som redan lämnar i en persons omedelbara närhet till världen omkring honom, världens poetiska attityd, färgad av djupt. genomträngande lyrik, törsten efter andlig befrielse och befrielse från de bojor som begränsar den mänskliga personens frihet.

Inspirationskällan för Rachmaninov var en mängd impulser som härrörde från det verkliga livet, naturens skönhet, bilder av litteratur och måleri. "... Jag upptäcker," sa han, "att musikaliska idéer föds i mig med större lätthet under påverkan av vissa utommusikaliska intryck." Men samtidigt strävade Rachmaninov inte så mycket efter en direkt reflektion av vissa verklighetsfenomen med hjälp av musik, för att "måla in ljud", utan för att uttrycka hans känslomässiga reaktion, känslor och upplevelser som uppstår under påverkan av olika externt mottagna intryck. I denna mening kan vi tala om honom som en av de mest slående och typiska representanterna för den poetiska realismen på 900-talet, vars huvudtrend framgångsrikt formulerades av VG Korolenko: "Vi återspeglar inte bara fenomen som de är och gör. inte skapa en illusion av en obefintlig värld. Vi skapar eller manifesterar en ny relation av den mänskliga anden till den omgivande världen som föds i oss.

Ett av de mest karakteristiska dragen i Rachmaninovs musik, som först och främst väcker uppmärksamhet när man bekantar sig med den, är den mest uttrycksfulla melodin. Bland sina samtida utmärker han sig för sin förmåga att skapa brett och långa utspelande melodier med stor andning, som kombinerar teckningens skönhet och plasticitet med ljusa och intensiva uttryck. Melodism, melodiöshet är huvudkvaliteten i Rachmaninovs stil, som till stor del bestämmer arten av kompositörens harmoniska tänkande och strukturen på hans verk, mättad, som regel, med oberoende röster, antingen rör sig i förgrunden eller försvinner i en tät tät ljud tyg.

Rachmaninoff skapade sin egen alldeles speciella typ av melodi, baserad på en kombination av Tjajkovskijs karakteristiska tekniker – intensiv dynamisk melodisk utveckling med metoden för varianttransformationer, utförd smidigare och lugnare. Efter en snabb start eller en lång intensiv uppstigning till toppen fryser melodin så att säga på den uppnådda nivån, och återgår alltid till ett långsjunget ljud, eller återgår långsamt, med skyhöga avsatser, till sin ursprungliga höjd. Det omvända förhållandet är också möjligt, när en mer eller mindre lång vistelse i en begränsad höghöjdszon plötsligt bryts av melodins gång under ett brett intervall, vilket introducerar en nyans av skarpt lyriskt uttryck.

I en sådan interpenetration av dynamik och statik ser LA Mazel ett av de mest karakteristiska dragen i Rachmaninovs melodi. En annan forskare fäster en mer allmän mening till förhållandet mellan dessa principer i Rachmaninovs arbete, och pekar på växlingen mellan ögonblick av "bromsning" och "genombrott" som ligger bakom många av hans verk. (VP Bobrovsky uttrycker en liknande idé och noterar att "miraklet med Rachmaninoffs individualitet ligger i den unika organiska enheten av två motsatt riktade tendenser och deras syntes som bara är inneboende i honom" - en aktiv strävan och en tendens att "länga kvar på det som har varit" uppnått."). En förkärlek för kontemplativ lyrik, långvarig fördjupning i något sinnestillstånd, som om kompositören ville stoppa den flyktiga tiden, kombinerade han med en enorm, rusande yttre energi, en törst efter aktiv självbekräftelse. Därav styrkan och skärpan i kontrasterna i hans musik. Han försökte få varje känsla, varje sinnestillstånd till den extrema graden av uttryck.

I Rachmaninovs fritt utspelade lyriska melodier, med sin långa, oavbrutna andetag, hör man ofta något som liknar den "oundvikliga" vidden av den ryska kvardröjande folkvisan. Samtidigt var dock sambandet mellan Rachmaninovs kreativitet och folksångskrivande av mycket indirekt karaktär. Endast i sällsynta, isolerade fall tog tonsättaren till användningen av äkta folkmusik; han strävade inte efter en direkt likhet mellan sina egna melodier och folkliga. "I Rachmaninov", konstaterar författaren till ett speciellt verk om hans melodier med rätta, "uppstår sällan direkt ett samband med vissa genrer av folkkonst. Specifikt tycks genren ofta lösas upp i folkets allmänna "känsla" och är inte, som det var med hans föregångare, den cementerande början på hela processen att forma och bli en musikalisk bild. Uppmärksamhet har upprepade gånger uppmärksammats på sådana karaktäristiska drag i Rachmaninovs melodi, som för den närmare den ryska folkvisan, såsom rörelsesmjukhet med övervägande stegvisa rörelser, diatonism, ett överflöd av frygiska vändningar etc. Djupt och organiskt assimilerade av kompositören blir dessa drag en oförytterlig egenskap hos hans individuella författares stil, och får en speciell uttrycksfull färg, som bara är egen för honom.

Den andra sidan av denna stil, lika oemotståndligt imponerande som den melodiska rikedomen i Rachmaninovs musik, är en ovanligt energisk, imperialistiskt erövrande och samtidigt flexibel, ibland nyckfull rytm. Både kompositörens samtida och senare forskare skrev mycket om just denna Rachmaninoff-rytm, som ofrivilligt drar till sig lyssnarens uppmärksamhet. Ofta är det rytmen som avgör musikens huvudton. AV Ossovsky noterade 1904 angående den sista satsen i den andra sviten för två pianon att Rachmaninov i den "inte var rädd för att fördjupa Tarantellaformens rytmiska intresse för en rastlös och förmörkad själ, inte främmande för attacker av någon form av demonism vid gånger."

Rhythm framträder i Rachmaninov som en bärare av en effektiv frivillig princip som dynamiserar det musikaliska tyget och introducerar en lyrisk "flod av känslor" i huvudströmmen av en harmonisk arkitektoniskt komplett helhet. BV Asafiev, som jämförde den rytmiska principens roll i Rachmaninovs och Tjajkovskijs verk, skrev: "Men i den senare manifesterade sig den grundläggande karaktären hos hans" rastlösa "symfoni med särskild kraft i den dramatiska kollisionen mellan själva teman. I Rachmaninovs musik visar sig det mycket passionerade i sin kreativa integritet, föreningen av känslans lyriskt-kontemplativa lager med det viljestarka organisatoriska lagret av kompositören-utövarens "jag" vara den "individuella sfären" av personlig kontemplation, som styrdes av rytm i betydelsen av viljefaktorn ... ". Det rytmiska mönstret i Rachmaninov är alltid mycket tydligt skisserat, oavsett om rytmen är enkel, till och med, som de tunga, uppmätta slagen av en stor klocka, eller komplex, intrikat blommig. Favorit av kompositören, särskilt i 1910-talets verk, ger rytmisk ostinato rytmen inte bara formativ utan i vissa fall också tematisk betydelse.

På harmoniområdet gick Rachmaninov inte längre än det klassiska dur-mollsystemet i den form som det fick i verk av europeiska romantiska kompositörer, Tjajkovskij och representanter för den Mighty Handful. Hans musik är alltid tonmässigt definierad och stabil, men genom att använda medel för klassisk-romantisk tonal harmoni, kännetecknades han av några karakteristiska drag som det inte är svårt att fastställa författarskapet till en eller annan komposition. Bland sådana speciella individuella drag i Rachmaninovs harmoniska språk är till exempel den välkända långsamheten i funktionella rörelser, tendensen att stanna länge i en tonart och ibland gravitationens försvagning. Uppmärksamheten dras till överflöd av komplexa multi-tert-formationer, rader av icke- och undecimala ackord, som ofta har mer färgstark, fonisk än funktionell betydelse. Kopplingen av denna typ av komplexa harmonier utförs mestadels med hjälp av melodisk koppling. Dominansen av det melodiska sångelementet i Rachmaninovs musik bestämmer den höga graden av polyfonisk mättnad av dess ljudväv: individuella harmoniska komplex uppstår ständigt som ett resultat av den fria rörligheten av mer eller mindre oberoende "sjungande" röster.

Det finns en favorit harmonisk sväng av Rachmaninov, som han använde så ofta, särskilt i kompositionerna från den tidiga perioden, att han till och med fick namnet "Rachmaninovs harmoni". Denna omsättning är baserad på ett reducerat inledande sjundeackord av en harmonisk moll, vanligtvis använd i form av ett terzkvartakkord med ersättning av II grad III och upplösning till en tonisk triad i melodisk tredje position.

Flytten till en reducerad kvart som uppstår i det här fallet i den melodiska rösten framkallar en gripande sorgkänslor.

Som en av de anmärkningsvärda egenskaperna hos Rachmaninovs musik noterade ett antal forskare och observatörer dess dominerande mindre färg. Alla hans fyra pianokonserter, tre symfonier, båda pianosonater, de flesta etyder-bilder och många andra kompositioner skrevs i moll. Även dur får ofta en mindre färg på grund av minskande förändringar, tonala avvikelser och den utbredda användningen av mindre sidosteg. Men få tonsättare har uppnått en sådan mångfald av nyanser och grader av uttrycksfull koncentration i användningen av molltonen. LE Gakkels anmärkning, att i etuderna-målningarna op. 39 ”med tanke på det bredaste utbudet av mindre färger av vara, mindre nyanser av livskänsla” kan utsträckas till en betydande del av alla Rachmaninoffs verk. Kritiker som Sabaneev, som hyste en fördomsfull fientlighet mot Rachmaninov, kallade honom "en intelligent gnällare", vars musik speglar "den tragiska hjälplösheten hos en man som saknar viljestyrka." Samtidigt låter Rachmaninovs täta "mörka" moll ofta modigt, protesterande och full av enorm viljespänning. Och om sorgsna anteckningar fångas av örat, så är detta den "ädla sorgen" för patriotkonstnären, det "dämpade stönet om födelselandet", som hördes av M. Gorkij i några av Bunins verk. Liksom denna författare nära honom i ande, "tänkte Rachmaninov, med Gorkijs ord, på Ryssland som helhet", beklagade sina förluster och upplevde oro för framtidens öde.

Den kreativa bilden av Rachmaninov i dess huvuddrag förblev integrerad och stabil under hela kompositörens halvsekelresa, utan att uppleva skarpa sprickor och förändringar. Estetiska och stilistiska principer, lärda i sin ungdom, var han trogen de sista åren av sitt liv. Ändå kan vi observera en viss utveckling i hans verk, som visar sig inte bara i tillväxten av skicklighet, berikning av ljudpaletten, utan också delvis påverkar musikens figurativa och uttrycksfulla struktur. På denna väg är tre stora perioder tydligt skisserade, även om de är ojämlika både i varaktighet och produktivitetsgrad. De avgränsas från varandra av mer eller mindre långdragna tillfälliga caesurer, band av tvivel, eftertanke och tvekan, när inte ett enda färdigt verk kom ut ur kompositörens penna. Den första perioden, som infaller på 90-talet av XNUMX-talet, kan kallas en tid av kreativ utveckling och mognad av talang, som gick för att hävda sin väg genom att övervinna naturliga influenser i tidig ålder. Verken från denna period är ofta ännu inte tillräckligt självständiga, ofullkomliga i form och struktur. (Några av dem (första pianokonserten, Elegiac Trio, pianostycken: Melody, Serenade, Humoresque) reviderades senare av kompositören och deras textur berikades och utvecklades.), även om i ett antal av deras sidor (de bästa ögonblicken i den ungdomliga operan "Aleko", den elegiiska trion till minne av PI Tjajkovskij, det berömda preludiet i cis-moll, några av de musikaliska ögonblicken och romanserna), kompositörens individualitet har redan avslöjats med tillräcklig säkerhet.

En oväntad paus kommer 1897, efter det misslyckade framförandet av Rachmaninovs första symfoni, ett verk där kompositören investerade mycket arbete och andlig energi, vilket missförstods av de flesta musiker och nästan enhälligt fördömdes på pressens sidor, till och med förlöjligades av några av kritikerna. Symfonins misslyckande orsakade ett djupt mentalt trauma hos Rachmaninov; enligt sin egen, senare bekännelse, "var han som en man som fick en stroke och som under lång tid tappade både huvud och händer." De följande tre åren var år av nästan fullständig kreativ tystnad, men samtidigt koncentrerade reflektioner, en kritisk omvärdering av allt tidigare gjort. Resultatet av kompositörens intensiva interna arbete med sig själv var en ovanligt intensiv och ljus kreativ uppsving i början av det nya århundradet.

Under de första tre eller fyra åren av 23-talet skapade Rakhmaninov ett antal verk av olika genrer, anmärkningsvärda för sin djupa poesi, friskhet och omedelbarhet av inspiration, där rikedomen av kreativ fantasi och originaliteten i författarens "handstil" kombineras med högt färdigt hantverk. Bland dem finns den andra pianokonserten, den andra sviten för två pianon, sonaten för cello och piano, kantaten "Vår", tio preludier op. XNUMX, operan "Francesca da Rimini", några av de bästa exemplen på Rachmaninovs sångtexter ("Lilac", "Utdrag ur A. Musset"), denna serie verk etablerade Rachmaninovs position som en av de största och mest intressanta ryska kompositörerna av vår tid, vilket ger honom ett brett erkännande i den konstnärliga intelligentsians kretsar och bland massorna av lyssnare.

En relativt kort tidsperiod från 1901 till 1917 var den mest fruktbara i hans arbete: under detta och ett halvt decennium skrevs de flesta av de mogna, oberoende i stilen av Rachmaninovs verk, som blev en integrerad del av de nationella musikaliska klassikerna. Nästan varje år kom nya opus, vars utseende blev en anmärkningsvärd händelse i musiklivet. Med Rachmaninoffs oupphörliga kreativa aktivitet förblev hans arbete inte oförändrat under denna period: vid början av de två första decennierna märks symtom på ett bryggskifte i det. Utan att förlora sina generella "generiska" egenskaper blir den mer sträng i tonen, störande stämningar intensifieras, medan det direkta utflödet av lyrisk känsla tycks sakta ner, ljusa genomskinliga färger visas mer sällan på kompositörens ljudpalett, den övergripande färgen på musiken mörknar och tjocknar. Dessa förändringar är märkbara i den andra serien av pianopreludier, op. 32, två cykler av etyder-målningar, och särskilt sådana monumentala stora kompositioner som "The Bells" och "All-Night Vigil", som ställer djupa, grundläggande frågor om människans existens och en persons livsmål.

Den utveckling som Rachmaninov upplevde undgick inte hans samtidas uppmärksamhet. En av kritikerna skrev om The Bells: "Rakhmaninov verkar ha börjat leta efter nya stämningar, ett nytt sätt att uttrycka sina tankar ... Du känner här Rachmaninovs pånyttfödda nya stil, som inte har något gemensamt med Tjajkovskijs stil. ”

Efter 1917 börjar ett nytt avbrott i Rachmaninovs arbete, denna gång mycket längre än den föregående. Först efter ett helt decennium återvände kompositören till att komponera musik, efter att ha arrangerat tre ryska folksånger för kör och orkester och avslutat den fjärde pianokonserten, som började på tröskeln till första världskriget. Under 30-talet skrev han (förutom några konserttranskriptioner för piano) endast fyra, dock betydelsefulla när det gäller idén om större verk.

* * *

I en miljö av komplexa, ofta motsägelsefulla sökningar, en skarp, intensiv riktningskamp, ​​ett sammanbrott av de vanliga formerna av konstnärligt medvetande som kännetecknade utvecklingen av musikkonsten under första hälften av XNUMXth århundradet, förblev Rachmaninoff trogen den stora klassiska traditioner av rysk musik från Glinka till Borodin, Mussorgskij, Tjajkovskij, Rimskij-Korsakov och deras närmaste, direkta elever och anhängare av Taneyev, Glazunov. Men han begränsade sig inte till rollen som väktare av dessa traditioner, utan uppfattade dem aktivt, kreativt och hävdade deras levande, outtömliga kraft, förmågan till ytterligare utveckling och berikning. En känslig, lättpåverkad konstnär, Rachmaninov, trots sin anslutning till klassikernas föreskrifter, förblev inte döv för modernitetens rop. I hans inställning till de nya stilistiska trenderna under XNUMXth århundradet fanns det ett ögonblick inte bara av konfrontation, utan också av en viss interaktion.

Under en period av ett halvt sekel har Rachmaninovs verk genomgått en betydande utveckling, och verken från inte bara 1930-talet, utan även 1910-talet skiljer sig avsevärt både i sin figurativa struktur och i språk, sätt för musikaliska uttryck från de tidiga, inte ännu helt oberoende opus av slutet av den föregående. århundraden. I några av dem kommer kompositören i kontakt med impressionism, symbolism, nyklassicism, även om han på ett djupt säreget sätt individuellt uppfattar elementen i dessa trender. Med alla förändringar och vändningar förblev Rachmaninovs kreativa bild internt mycket integrerad, och behöll de grundläggande, definierande egenskaper som hans musik har sin popularitet att tacka för det bredaste utbudet av lyssnare: passionerad, fängslande lyrik, sanningsenlighet och uppriktighet i uttrycket, poetisk vision av världen .

Yu. Kom igen

Rachmaninoff dirigent

Rachmaninov gick till historien inte bara som kompositör och pianist, utan också som en enastående dirigent i vår tid, även om denna sida av hans verksamhet inte var så lång och intensiv.

Rachmaninov debuterade som dirigent hösten 1897 på Mamontov Private Opera i Moskva. Innan dess behövde han inte leda en orkester och studera dirigering, men musikerns lysande talang hjälpte Rachmaninoff att snabbt lära sig behärskningens hemligheter. Det räcker med att påminna om att han knappt lyckades genomföra den första repetitionen: han visste inte att sångarna behövde ange introduktionerna; och några dagar senare hade Rachmaninov redan gjort sitt jobb perfekt och dirigerat Saint-Saens opera Samson och Delilah.

"Året för min vistelse på Mamontov-operan var av stor betydelse för mig", skrev han. "Där fick jag en genuin dirigentteknik, som senare tjänade mig oerhört." Under säsongen av arbetet som teaterns andra dirigent dirigerade Rachmaninov tjugofem föreställningar av nio operor: "Samson och Delilah", "Sjöjungfrun", "Carmen", "Orpheus" av Gluck, "Rogneda" av Serov, " Mignon” av Tom, ”Askolds grav”, ”Fiendens styrka”, ”Majnatt”. Pressen noterade omedelbart klarheten i hans dirigents stil, naturlighet, bristande hållning, en järnkänsla för rytm som överfördes till artisterna, delikat smak och en underbar känsla för orkesterfärger. Med erfarenhetsförvärvet började dessa egenskaper hos Rachmaninoff som musiker att manifestera sig till fullo, kompletterat med självförtroende och auktoritet i arbetet med solister, kör och orkester.

Under de närmaste åren dirigerade Rachmaninoff, sysselsatt med komposition och pianistisk verksamhet, endast ibland. Hans dirigenttalangs storhetstid faller på perioden 1904-1915. I två säsonger har han arbetat på Bolsjojteatern, där hans tolkning av ryska operor har stor framgång. Historiska händelser i teaterns liv kallas av kritiker för årsdagens föreställning av Ivan Susanin, som han dirigerade för att hedra hundraårsminnet av Glinkas födelse, och Tjajkovskijs vecka, under vilken Rachmaninov dirigerade Spadrottningen, Eugene Onegin, Oprichnik och baletter.

Senare regisserade Rachmaninov framförandet av Spaderdrottningen i St. Petersburg; recensenter var överens om att det var han som var den förste att förstå och förmedla hela den tragiska innebörden av operan till publiken. Bland Rachmaninovs kreativa framgångar på Bolsjojteatern finns också hans uppsättning av Rimsky-Korsakovs Pan Voevoda och hans egna operor Den snåle riddaren och Francesca da Rimini.

På symfoniscenen visade sig Rachmaninov från de allra första konserterna vara en fullständig mästare i enorm skala. Epitetet "lysande" åtföljde verkligen recensioner av hans framträdanden som dirigent. Oftast uppträdde Rachmaninoff vid dirigentens monter i konserter av Moscow Philharmonic Society, såväl som med Siloti- och Koussevitzky-orkestrarna. 1907-1913 dirigerade han mycket utomlands – i städerna Frankrike, Holland, USA, England, Tyskland.

Rachmaninovs repertoar som dirigent var ovanligt mångfacetterad under dessa år. Han kunde tränga in i verkets mest olika stil och karaktär. Naturligtvis låg rysk musik honom närmast. Han återupplivade på scenen Borodins Bogatyrsymfoni, nästan bortglömd vid den tiden, bidrog till populariteten för Lyadovs miniatyrer, som han framförde med exceptionell briljans. Hans tolkning av Tjajkovskijs musik (särskilt den 4:e och 5:e symfonierna) präglades av extraordinär betydelse och djup; i Rimsky-Korsakovs verk kunde han veckla ut det ljusaste färgskalet för publiken, och i Borodins och Glazunovs symfonier fängslade han publiken med episk bredd och dramatisk tolkningsintegritet.

En av höjdpunkterna i Rachmaninovs dirigentkonst var tolkningen av Mozarts g-mollsymfoni. Kritikern Wolfing skrev: ”Vad betyder många skrivna och tryckta symfonier före Rachmaninovs framförande av Mozarts g-moll symfoni! … Det ryska konstnärliga geniet för andra gången förvandlade och visade upp den konstnärliga karaktären hos författaren till denna symfoni. Vi kan inte bara prata om Pushkins Mozart, utan också om Rachmaninovs Mozart...”

Tillsammans med detta hittar vi en hel del romantisk musik i Rachmaninovs program – till exempel Berlioz Fantastiska symfoni, Mendelssohns och Francks symfonier, Webers Oberonouvertyr och fragment ur Wagners operor, Liszts dikt och Griegs Lyrisk svit... Och bredvid – en magnifik föreställning moderna författare – symfoniska dikter av R. Strauss, verk av impressionisterna: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … Och naturligtvis var Rachmaninov en oöverträffad tolkare av sina egna symfoniska kompositioner. Den välkände sovjetiske musikforskaren V. Yakovlev, som hörde Rachmaninov mer än en gång, minns: "Inte bara allmänheten och kritikerna, erfarna orkestermedlemmar, professorer, artister erkände hans ledarskap som den högsta punkten i denna konst ... Hans arbetsmetoder var reduceras inte så mycket till en föreställning, utan till separata repliker, elaka förklaringar, ofta sjöng han eller i en eller annan form förklarade vad han tidigare tänkt. Alla som var närvarande vid hans konserter minns de där breda, karaktäristiska gesterna från hela handen, som inte bara kommer från penseln; ibland ansågs dessa hans gester överdrivna av orkestermedlemmarna, men de var bekanta för honom och förstod dem. Det fanns ingen konstgjordhet i rörelser, poser, ingen effekt, ingen handritning. Det fanns en gränslös passion, som föregicks av tanke, analys, förståelse och insikt i artistens stil.

Låt oss tillägga att dirigenten Rachmaninoff också var en oöverträffad ensemblespelare; solister i hans konserter var sådana artister som Taneyev, Skrjabin, Siloti, Hoffmann, Casals och i operaföreställningar Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov ...

Efter 1913 vägrade Rachmaninoff att framföra verk av andra författare och dirigerade endast sina egna kompositioner. Först 1915 avvek han från denna regel genom att genomföra en konsert till minne av Skrjabin. Men även senare var hans rykte som dirigent ovanligt högt över hela världen. Det räcker med att säga att han omedelbart efter ankomsten till USA 1918 erbjöds ledningen av de största orkestrarna i landet – i Boston och Cincinnati. Men på den tiden kunde han inte längre ägna tid åt dirigering, tvungen att bedriva intensiv konsertverksamhet som pianist.

Först hösten 1939, när en cykel av konserter från Rachmaninovs verk arrangerades i New York, gick kompositören med på att dirigera en av dem. Philadelphia Orchestra framförde sedan Third Symphony and the Bells. Han upprepade samma program 1941 i Chicago, och ett år senare regisserade han framförandet av "Isle of the Dead" och "Symphonic Dances" i Egan Arbor. Kritikern O. Daune skrev: ”Rakhmaninov bevisade att han har samma skicklighet och kontroll över framförande, musikalitet och kreativ kraft, som leder orkestern, vilket han visar när han spelar piano. Karaktären och stilen i hans spel, såväl som hans dirigering, slår till med lugn och självförtroende. Det är samma fullständiga frånvaro av prålig, samma känsla av värdighet och uppenbara återhållsamhet, samma beundransvärda imponerande kraft. Inspelningarna av De dödas ö, Vocalise och den tredje symfonin som gjordes vid den tiden har bevarat bevis för den briljanta ryske musikerns dirigentkonst för oss.

L. Grigoriev, J. Platek