Boris Yoffe |
Boris Yoffe
Arbetet av kompositören, violinisten, dirigenten och läraren Boris Yoffe förtjänar naturligtvis särskild uppmärksamhet av beundrare av akademisk musik, det tillhör de bästa exemplen på modern kompositörs tankegång. Joffes framgång som kompositör kan bedömas av vem som framför och spelar in hans musik. Här är en ofullständig lista över välkända artister av Yoffes musik: Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann och många andra. Manfred Aicher släppte på sitt ECM-bolag Boris Yoffes CD Song of Songs framförd av Hilliard Ensemble och Rosamunde Quartet. Wolfgang Rihm har upprepade gånger hyllat Joffes arbete och skrivit en del av texten till häftet på skivan Song of Songs. I juli i år gav förlaget Wolke ut på tyska en artikelbok och en essä av Boris Joffe "Musical Meaning" ("Musikalischer Sinn").
Det verkar som att Joffe kan anses vara en ganska framgångsrik kompositör, man kan tro att hans musik ofta hörs och är känd för många. Låt oss ta en titt på det verkliga läget. Spelar Yoffes musik mycket på samtida musikfestivaler? Nej, det låter inte alls. Varför ska jag försöka svara på nedan. Hur ofta spelas det på radio? Ja, ibland i Europa – särskilt "Song of Songs" – men det fanns nästan inga program helt ägnade åt Boris Yoffes verk (med undantag för Israel). Är det många konserter? De händer och utspelar sig i olika länder – i Tyskland, Schweiz, Frankrike, Österrike, USA, Israel, Ryssland – tack vare de musiker som kunde uppskatta Yoffes musik. Dessa musiker fick dock själva agera "producenter".
Musiken av Boris Yoffe är ännu inte särskilt välkänd och kanske bara på väg till berömmelse (man behöver bara hoppas och säga "kanske", för det fanns många exempel i historien när ens det bästa från sin tid inte uppskattades av samtida). Musiker som passionerat uppskattar Joffes musik och personlighet – i synnerhet violinisten Patricia Kopatchinskaya, pianisten Konstantin Lifshitz och gitarristen Augustin Wiedenman – hävdar hans musik med sin konst på konserter och inspelningar, men detta är bara en droppe i havet av tusentals konserter.
Jag skulle vilja försöka svara på frågan varför Boris Yoffes musik hörs särskilt sällan på samtida musikfestivaler.
Problemet är att Yoffes verk inte passar in i någon ram och inriktning. Här är det nödvändigt att genast säga om Boris Yoffes huvudsakliga arbete och kreativa upptäckt - hans "Book of Quartets". Sedan mitten av 90-talet har han dagligen skrivit från ett kvartettstycke som ryms på ett notblad utan tempo, dynamiska eller agogiska indikationer. Genren för dessa pjäser kan definieras som "dikt". Som en dikt måste varje stycke läsas (med andra ord, musikern måste bestämma tempot, agogiken och dynamiken från musiken), och inte bara spelas. Jag kan inget sådant inom modern musik (aleatoriska räknas inte), men i antik musik är det hela tiden (i Bachs Art of Fugue finns det inte ens symboler för instrument, för att inte tala om tempo och dynamik) . Dessutom är det svårt att ”skjuta in” Yoffes musik i en entydig stilram. Vissa kritiker skriver om Reger och Schoenbergs (den engelske författaren och librettisten Paul Griffiths) traditioner, vilket förstås verkar väldigt konstigt! – andra minns Cage och Feldman – det senare märks särskilt i amerikansk kritik (Stephen Smolyar), som ser något nära och personligt i Yoff. En av kritikerna skrev följande: "Denna musik är både tonal och atonal" - sådana ovanliga och icke-standardiserade sensationer upplevs av lyssnare. Den här musiken är lika långt ifrån Pärts och Silvestrovs ”nya enkelhet” och ”fattigdom” som den är från Lachenman eller Fernyhow. Detsamma gäller minimalism. Ändå kan man i Joffes musik se dess enkelhet, dess nyhet och till och med en sorts "minimalism". Efter att ha hört den här musiken en gång kan den inte längre förväxlas med en annan; den är lika unik som en persons personlighet, röst och ansikte.
Vad finns inte i Boris Yoffes musik? Det finns ingen politik, det finns inga "aktuella problem", det finns inget tidnings- och momentan. Det finns inga ljud och rikliga triader i den. Sådan musik dikterar dess format och dess tänkande. Jag upprepar: en musiker som spelar Joffes musik måste kunna läsa noter, inte spela dem, för sådan musik kräver medverkan. Men lyssnaren måste också delta. Det visar sig vara en sådan paradox: det verkar som att musik inte tvingas och andas med normala toner, men du bör lyssna på musik särskilt noggrant och inte bli distraherad – åtminstone under en kvartett på en minut. Det är inte så svårt: du behöver inte vara en stor expert, du behöver inte tänka på en teknik eller ett koncept. För att förstå och älska Boris Yoffes musik måste man kunna lyssna direkt och lyhört på musiken och utgå från den.
Någon jämförde Joffes musik med vatten, och en annan med bröd, med det som först och främst är nödvändigt för livet. Nu finns det så många överdrifter, så många delikatesser, men varför är du törstig, varför känner du dig som Saint-Exupery i öknen? "Kvartetternas bok", som innehåller tusentals "dikter", är inte bara centrum för Boris Yoffes verk, utan också källan till många av hans andra verk – orkester, kammare och sång.
Två operor skiljer sig också: "Berättelsen om rabbinen och hans son" baserad på Rabbi Nachman på jiddisch (den berömda poeten och översättaren Anri Volokhonsky deltog i att skriva librettot) och "Esther Racine" baserad på den stora fransmannens originaltext dramatiker. Båda operorna för kammarensemble. "Rabbinen", som aldrig har framförts (förutom inledningen), kombinerar moderna och antika instrument – i olika stämningar. Esther skrevs för fyra solister och en liten barockensemble. Den sattes upp i Basel 2006 och bör nämnas separat.
”Esther Racina” är en hyllning (hyllning) till Rameau, men samtidigt är operan ingen stilisering och är skriven på sitt eget igenkännbara sätt. Det verkar som att inget liknande har hänt sedan Stravinskys Oedipus Rex, som Esther kan jämföras med. Liksom Stravinskys opera-oratorium är Esther inte begränsad till en musikalisk epok – det är inte en opersonlig pastisch. I båda fallen är författarna, deras estetik och idé om musik helt igenkännliga. Men det är här skillnaderna börjar. Stravinskys opera tar i allmänhet liten hänsyn till icke-Stravinskys musik; Det som är mer intressant i det är vad som kommer från hans harmoni och rytm än förståelsen av barocktraditionens genre. Stravinskij använder snarare klichéer, "fossiler" av genrer och former på ett sådant sätt att de kan brytas och byggas av dessa fragment (som Picasso gjorde i måleriet). Boris Yoffe bryter ingenting, för för honom är dessa genrer och former av barockmusik inte fossiler, och genom att lyssna på hans musik kan vi också vara övertygade om att musiktraditionen lever. Påminner inte detta dig om... miraklet med de dödas uppståndelse? Bara, som du kan se, är konceptet (och ännu mer känslan) av ett mirakel utanför den moderna människans livssfär. Det fångade miraklet i Horowitz anteckningar visar sig nu vara vulgaritet, och Chagalls mirakel är naiva smetar. Och trots allt: Schubert lever vidare i Horowitz skrifter, och ljuset fyller Stefanskyrkan genom Chagalls glasmålningar. Den judiska andan och den europeiska musiken finns trots allt i Joffes konst. "Esther" är helt utan effekter av yttre karaktär eller "glänsande" skönhet. Precis som Racines vers är musiken stram och graciös, men inom denna graciösa stramhet ges frihet åt en rad uttryck och karaktärer. Kurvorna i Esthers sångparti kan bara tillhöra den vackra kejsarinnan, hennes ömma och magnifika axlar... Som Mandelstam: "... Alla sjunger välsignade fruar med branta axlar..." Samtidigt hör vi i dessa kurvor smärta, darrande, alla saktmodighetens, troens och kärlekens svek, arrogans och hat. Förmodligen inte så i livet, men åtminstone i konsten kommer vi att se och höra det. Och detta är inte ett bedrägeri, inte en flykt från verkligheten: saktmodighet, tro, kärlek – det är detta som är mänskligt, det bästa som finns i oss, människor. Den som älskar konst vill i den bara se det mest värdefulla och rena, och det finns tillräckligt med smuts och tidningar i världen ändå. Och det spelar ingen roll om denna värdefulla sak kallas ödmjukhet eller styrka, eller kanske båda på en gång. Boris Yoffe uttryckte med sin konst direkt sin skönhetsidé i Esthers monolog från 3:e akten. Det är ingen slump att monologens materiella och musikaliska estetik kommer från "Book of Quartets", kompositörens huvudverk, där han bara gör det han anser vara nödvändigt för sig själv.
Boris Yoffe föddes den 21 december 1968 i Leningrad i en familj av ingenjörer. Konsten intog en viktig plats i familjen Yoffes liv och lille Boris kunde ganska tidigt (genom inspelningar) ansluta sig till litteratur och musik. Vid 9 års ålder började han själv spela fiol, gick i en musikskola, vid 11 års ålder komponerade han sin första kvartett, som varade i 40 minuter, vars musik överraskade lyssnarna med sin meningsfullhet. Efter 8:an kom Boris Yoffe in på musikskolan i fiolklassen (ped. Zaitsev). Ungefär samtidigt ägde ett viktigt möte för Joffe rum: han började ta privatlektioner i teori av Adam Stratievsky. Stratievsky tog den unga musikern till en ny nivå av förståelse för musik och lärde honom många praktiska saker. Joffe själv var redo för detta möte genom sin kolossala musikalitet (ett känsligt absolut öra, minne och, viktigast av allt, en outsläcklig kärlek till musik, att tänka med musik).
Sedan blev det tjänst i den sovjetiska armén och emigration till Israel 1990. I Tel Aviv kom Boris Yoffe in på Musikakademin. Rubin och fortsatte sina studier hos A. Stratievsky. 1995 skrevs de första styckena av Kvartettens bok. Deras estetik definierades i ett kort stycke för stråktrio, skrivet medan de fortfarande var i armén. Några år senare spelades den första skivan med kvartetter in. 1997 flyttade Boris Joffe till Karlsruhe med sin fru och första dotter. Där studerade han hos Wolfgang Rihm, två operor skrevs där och ytterligare fyra skivor släpptes. Joffe bor och arbetar i Karlsruhe än i dag.
