Dmitry Dmitrievich Shostakovich |
Dmitri Sjostakovitj
D. Shostakovich är en klassiker av musik från XNUMX-talet. Ingen av dess stora mästare var så nära förbunden med hemlandets svåra öde, kunde inte uttrycka sin tids skrikande motsägelser med sådan kraft och passion, utvärdera det med en hård moralisk bedömning. Det är i denna kompositörs medverkan till sitt folks smärta och bekymmer som den huvudsakliga betydelsen av hans bidrag till musikhistorien under århundradet av världskrig och storslagna sociala omvälvningar ligger, som mänskligheten inte hade känt till tidigare.
Shostakovich är till sin natur en konstnär med universell talang. Det finns inte en enda genre där han inte sa sitt tunga ord. Han kom i nära kontakt med den sortens musik som ibland arrogant behandlades av seriösa musiker. Han är författare till ett antal låtar som plockats upp av massorna av människor, och till denna dag hans lysande anpassningar av populär- och jazzmusik, som han var särskilt förtjust i vid tidpunkten för bildandet av stilen - på 20-talet. 30-tal, glädje. Men det huvudsakliga tillämpningsområdet för kreativa krafter för honom var symfonin. Inte för att andra genrer av seriös musik var helt främmande för honom - han var utrustad med en oöverträffad talang som en verkligt teatralisk kompositör, och arbete inom filmografi försåg honom med det huvudsakliga försörjningsmedlet. Men den oförskämda och orättvisa utskällningen som tillfogades 1936 i tidningen Pravdas ledare under rubriken "Varning istället för musik" avskräckte honom från att engagera sig i operagenren under lång tid - de försök som gjordes (operan "Spelare" av N. Gogol) förblev oavslutade och planerna övergick inte till genomförandestadiet.
Kanske var det just detta som Sjostakovitjs personlighetsdrag påverkade – av naturen var han inte benägen till öppna former för att uttrycka protester, han gav lätt efter för envisa nonentiteter på grund av sin speciella intelligens, känslighet och försvarslöshet mot oförskämd godtycke. Men detta var bara i livet – i sin konst var han trogen sina kreativa principer och hävdade dem i genren där han kände sig helt fri. Därför blev den konceptuella symfonin i centrum för Sjostakovitjs sökande, där han öppet kunde tala sanning om sin tid utan kompromisser. Han vägrade dock inte att delta i konstnärliga företag födda under trycket av stränga krav på konst som ställdes av det kommando-administrativa systemet, såsom filmen av M. Chiaureli "The Fall of Berlin", där det otyglade lovpriset av storheten och visdomen hos "nationernas fader" nådde den yttersta gränsen. Men deltagande i denna typ av filmmonument, eller andra, ibland till och med begåvade verk som förvrängde den historiska sanningen och skapade en myt som tilltalade den politiska ledningen, skyddade inte konstnären från den brutala repressalien som begicks 1948. Stalinregimens ledande ideolog , A. Zhdanov, upprepade de grova attackerna i en gammal artikel i tidningen Pravda och anklagade kompositören, tillsammans med andra mästare i den sovjetiska musiken på den tiden, för att hålla sig till folkfientlig formalism.
Därefter, under Chrusjtjovs "upptining", släpptes sådana anklagelser och kompositörens enastående verk, vars offentliga framförande förbjöds, hittade sin väg till lyssnaren. Men dramat om kompositörens personliga öde, som överlevde en period av orättfärdig förföljelse, lämnade ett outplånligt avtryck på hans personlighet och bestämde riktningen för hans kreativa strävan, riktad till de moraliska problemen med mänsklig existens på jorden. Detta var och förblir det viktigaste som skiljer Shostakovich bland skaparna av musik under XNUMXth århundradet.
Hans livsväg var inte rik på händelser. Efter examen från Leningrads konservatorium med en lysande debut – den magnifika första symfonin, började han livet som en professionell kompositör, först i staden vid Neva, sedan under det stora fosterländska kriget i Moskva. Hans verksamhet som lärare vid konservatoriet var relativt kort – han lämnade den mot sin vilja. Men till denna dag har hans elever bevarat minnet av den store mästaren, som spelade en avgörande roll i bildandet av deras kreativa individualitet. Redan i den första symfonin (1925) är två egenskaper hos Sjostakovitjs musik tydligt märkbara. En av dem återspeglades i bildandet av en ny instrumental stil med dess inneboende lätthet, lätthet att konkurrera med konsertinstrument. En annan manifesterade sig i en ihärdig önskan att ge musiken den högsta meningsfullheten, att avslöja ett djupt begrepp av filosofisk betydelse med hjälp av den symfoniska genren.
Många av kompositörens verk som följde på en så lysande början återspeglade den tidens rastlösa atmosfär, där tidens nya stil formades i kampen för motstridiga attityder. Så i de andra och tredje symfonierna ("Oktober" - 1927, "May Day" - 1929) hyllade Shostakovich den musikaliska affischen, de visade tydligt inflytandet från 20-talets kampsport, propagandakonst. (Det är ingen slump att kompositören i dem inkluderade körfragment till dikter av unga poeter A. Bezymensky och S. Kirsanov). Samtidigt visade de också en levande teatralitet, som så fängslade i produktionerna av E. Vakhtangov och Vs. Meyerhold. Det var deras framträdanden som påverkade stilen i Sjostakovitjs första opera Näsan (1928), baserad på Gogols berömda berättelse. Härifrån kommer inte bara skarp satir, parodi, som når det groteska i skildringen av enskilda karaktärer och de godtrogna, snabbt panikslagna och snabba att döma publiken, utan också den gripande intonationen av "skratt genom tårar", som hjälper oss att känna igen en person även i en sådan vulgär och medveten icke-enhet, som Gogols major Kovalev.
Sjostakovitjs stil absorberade inte bara de influenser som härrörde från erfarenheterna av världsmusikkulturen (här var de viktigaste för kompositören M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky och G. Mahler), utan absorberade också ljuden från det dåvarande musiklivet – som generellt sett tillgänglig kultur av den "lätta" genren som dominerade massornas sinnen. Kompositörens inställning till det är ambivalent – han överdriver ibland, parodierar de karakteristiska svängarna i fashionabla sånger och danser, men förädlar dem samtidigt, höjer dem till höjderna av verklig konst. Denna inställning var särskilt uttalad i de tidiga baletterna The Golden Age (1930) och The Bolt (1931), i den första pianokonserten (1933), där solotrumpeten blir en värdig rival till pianot tillsammans med orkestern, och senare i scherzo och finalen av de sjätte symfonierna (1939). Briljant virtuositet, oförskämd excentriker kombineras i denna komposition med innerliga texter, fantastisk naturlighet i utplaceringen av den "ändlösa" melodin i den första delen av symfonin.
Och slutligen kan man inte undgå att nämna den andra sidan av den unge kompositörens kreativa verksamhet – han arbetade hårt och hårt på bio, först som illustratör för demonstration av stumfilmer, sedan som en av skaparna av sovjetiska ljudfilmer. Hans låt från filmen "Oncoming" (1932) fick rikstäckande popularitet. Samtidigt påverkade den "unga musens" inflytande också stilen, språket och kompositionsprinciperna för hans konsert-filharmoniska kompositioner.
Önskan att förkroppsliga de mest akuta konflikterna i den moderna världen med dess storslagna omvälvningar och hårda sammandrabbningar av motsatta krafter återspeglades särskilt i mästarens huvudverk under 30-talet. Ett viktigt steg på denna väg var operan Katerina Izmailova (1932), baserad på handlingen i N. Leskovs berättelse Lady Macbeth från Mtsensk-distriktet. I huvudpersonens bild avslöjas en komplex inre kamp i själen av en natur som är hel och rikt begåvad på sitt sätt – under oket av ”livets blya styggelser”, under makten av blinda, oronsoner. passion, hon begår allvarliga brott, följt av grym vedergällning.
Men kompositören nådde den största framgången i den femte symfonin (1937), den mest betydelsefulla och grundläggande bedriften i utvecklingen av den sovjetiska symfonin på 30-talet. (en vändning till en ny stilkvalitet skisserades i den fjärde symfonin som skrevs tidigare, men då inte lät – 1936). Styrkan i den femte symfonin ligger i det faktum att upplevelserna av dess lyriska hjälte avslöjas i det närmaste sambandet med människors och, mer allmänt, hela mänsklighetens liv, inför den största chock som någonsin upplevts av folken i världen – andra världskriget. Detta avgjorde musikens betonade dramatik, dess inneboende förhöjda uttryck – den lyriska hjälten blir inte en passiv betraktare i denna symfoni, han bedömer vad som händer och vad som kommer med den högsta moraliska domstolen. I likgiltighet för världens öde påverkades också konstnärens medborgerliga ställning, den humanistiska inriktningen av hans musik. Det märks i en rad andra verk som hör till genrerna kammarinstrumentell kreativitet, bland vilka Pianokvintetten (1940) sticker ut.
Under det stora fosterländska kriget blev Shostakovich en av de främsta raden av konstnärer - kämpar mot fascismen. Hans sjunde (“Leningrad”) symfoni (1941) uppfattades över hela världen som en levande röst av ett kämpande folk, som gick in i en kamp på liv och död i namn av rätten att existera, till försvar av den högsta mänskliga värden. I detta verk, liksom i den senare åttonde symfonin (1943), kom motsättningen mellan de två motsatta lägren direkt, omedelbart till uttryck. Aldrig tidigare inom musikkonsten har ondskans krafter skildrats så levande, aldrig tidigare har den tråkiga mekaniken hos en flitigt arbetande fascistisk "förstöringsmaskin" avslöjats med sådan raseri och passion. Men kompositörens ”militära” symfonier (liksom i ett antal av hans andra verk, t.ex. i Pianotrio till minne av I. Sollertinsky – 1944) är lika levande representerade i kompositörens ”krigs”-symfonier, de andliga. skönhet och rikedom i den inre världen hos en person som lider av sin tids problem.
Under efterkrigsåren utvecklades Shostakovichs kreativa verksamhet med förnyad kraft. Som tidigare presenterades den ledande linjen i hans konstnärliga sökningar i monumentala symfoniska dukar. Efter den något lättade nionde (1945), ett slags intermezzo, som dock inte var utan tydliga ekon av det nyligen avslutade kriget, skapade kompositören den inspirerade tionde symfonin (1953), som tog upp temat om det tragiska ödet för konstnär, det höga måttet på hans ansvar i den moderna världen. Men det nya var till stor del frukten av tidigare generationers ansträngningar – det var därför kompositören var så attraherad av händelserna under en vändpunkt i rysk historia. Revolutionen 1905, som präglades av Bloody Sunday den 9 januari, kommer till liv i den monumentala programmatiska elfte symfonin (1957), och prestationerna från den segerrika 1917 inspirerade Sjostakovitj att skapa den tolfte symfonin (1961).
Reflektioner över historiens innebörd, om betydelsen av dess hjältars gärningar, återspeglades också i den endelade vokal-symfoniska dikten "The Execution of Stepan Razin" (1964), som är baserad på ett fragment från E. Yevtushenkos dikt "Bratsks vattenkraftverk". Men händelserna i vår tid, orsakade av drastiska förändringar i folkets liv och i deras världsbild, tillkännagav av SUKP:s XX kongress, lämnade inte den stora mästaren av sovjetisk musik oberörd - deras levande andetag är påtaglig i den trettonde Symphony (1962), också skriven till orden av E. Yevtushenko. I den fjortonde symfonin vände sig kompositören till dikter från poeter från olika tider och folk (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – han attraherades av temat mänskligt livs förgänglighet och evigheten av skapelser av sann konst, före vilken även suverän död. Samma tema låg till grund för idén om en vokal-symfonisk cykel baserad på dikter av den store italienska konstnären Michelangelo Buonarroti (1974). Och slutligen, i den sista, Femtonde symfonin (1971), kommer barndomens bilder till liv igen, återskapade inför blickarna av en skapare som är klok i livet, som har lärt känna ett verkligt omätligt mått av mänskligt lidande.
Trots all betydelse av symfonin i Sjostakovitjs efterkrigsverk, är den långt ifrån uttömd på allt det mest betydelsefulla som skapades av kompositören under de sista trettio åren av hans liv och kreativa väg. Han ägnade särskild uppmärksamhet åt konsert- och kammarinstrumentala genrer. Han skapade 2 violinkonserter (1948 och 1967), två cellokonserter (1959 och 1966) och den andra pianokonserten (1957). De bästa verken av denna genre förkroppsligar djupa koncept av filosofisk betydelse, jämförbara med dem som uttrycks med så imponerande kraft i hans symfonier. Skärpan i kollisionen mellan det andliga och det oprea, de högsta impulserna av mänskligt geni och vulgaritetens aggressiva angrepp, medveten primitivitet är påtaglig i den andra cellokonserten, där ett enkelt "gata" motiv förvandlas till oigenkännlighet och exponerar dess omänsklig väsen.
Men både på konserter och i kammarmusik avslöjas Shostakovichs virtuositet i att skapa kompositioner som öppnar utrymme för fri konkurrens mellan musiker. Här var huvudgenren som väckte mästarens uppmärksamhet den traditionella stråkkvartetten (det finns lika många skrivna av kompositören som symfonier – 15). Sjostakovitjs kvartetter förvånar med en mängd olika lösningar från flerdelade cykler (elfte – 1966) till ensatskompositioner (trettonde – 1970). I ett antal av sina kammarverk (i den åttonde kvartetten – 1960, i Sonaten för viola och piano – 1975) återvänder kompositören till musiken från sina tidigare kompositioner och ger den ett nytt sound.
Bland verk av andra genrer kan nämnas den monumentala cykeln Preludes and Fugues for piano (1951), inspirerad av Bach-firandet i Leipzig, oratoriet Song of the Forests (1949), där för första gången i sovjetisk musik temat mänskligt ansvar för bevarandet av naturen omkring honom togs upp. Du kan också nämna tio dikter för kör a cappella (1951), sångcykeln "Från judisk folkpoesi" (1948), cykler på dikter av poeterna Sasha Cherny ("Satires" - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).
Arbetet på bio fortsatte under efterkrigsåren - Shostakovichs musik till filmerna "The Gadfly" (baserad på romanen av E. Voynich - 1955), samt för anpassningarna av Shakespeares tragedier "Hamlet" (1964) och "King Lear" (1971) blev allmänt känd. ).
Shostakovich hade en betydande inverkan på utvecklingen av sovjetisk musik. Det uttrycktes inte så mycket i det direkta inflytandet av mästarens stil och konstnärliga medel som är karakteristiska för honom, utan i önskan om högt innehåll av musik, dess koppling till de grundläggande problemen med mänskligt liv på jorden. Humanistiskt i sitt väsen, verkligt konstnärligt till formen, Shostakovichs verk vann världsomspännande erkännande, blev ett tydligt uttryck för det nya som musiken i Sovjetlandet gav världen.
M. Tarakanov
