Valentin Vasilievich Silvestrov (Valentin Silvestrov) |
Valentin Silvestrov
Bara melodin gör musiken evig...
Det verkar nog som om dessa ord i vår tid skulle vara typiska för en låtskrivare. Men de yttrades av en musiker vars namn under lång tid har stämplats som en avantgardist (i nedsättande bemärkelse), en subverter, en förstörare. V. Silvestrov har tjänat musik i nästan 30 år och förmodligen kunde han, efter den store poeten, säga: "Gud gav mig inte blindhetens gåva!" (M. Tsvetaeva). För hela hans väg – både i livet och i kreativiteten – är i en stadig rörelse mot att förstå sanningen. Utåt asketisk, till synes stängd, till och med osocial, försöker Sylvestrov faktiskt att bli hörd och förstådd i var och en av sina skapelser. Hört – på jakt efter ett svar på tillvarets eviga frågor, i ett försök att penetrera hemligheterna i Kosmos (som en mänsklig livsmiljö) och människan (som bärare av Kosmos i sig själv).
V. Silvestrovs väg i musik är långt ifrån enkel, och ibland dramatisk. Han började lära sig musik vid 15 års ålder. 1956 blev han student vid Kyiv Civil Engineering Institute, och 1958 gick han in på Kievs konservatorium i klassen B. Lyatoshinsky.
Redan under dessa år började den konsekventa bemästringen av alla typer av stilar, komponerande tekniker, bildandet av hans egna, som senare blev helt igenkännlig handstil. Redan i de tidiga kompositionerna bestäms nästan alla aspekter av Silvestrovs kompositörs individualitet, enligt vilka hans arbete kommer att utvecklas ytterligare.
Början är en sorts nyklassicism, där huvudsaken inte är formler och stilisering, utan empati, förståelse för renheten, ljuset, andligheten som högbarockens, klassicismens och den tidiga romantikens musik bär i sig ("Sonatina", "Klassisk" Sonata" för piano, senare "Musik i gammal stil", etc.). Stor uppmärksamhet i hans tidiga kompositioner ägnades åt nya tekniska medel (dodekafoni, aleatorik, pointillism, sonoristik), användningen av ovanliga framförandetekniker på traditionella instrument och modern grafisk inspelning. Landmärken inkluderar Triad för piano (1962), Mystery för altflöjt och slagverk (1964), Monodi för piano och orkester (1965), Symfoni nr 1966 (Eschatofoni – 1971), Drama för violin, cello och piano med dess happenings, gester (60). I inget av dessa och andra verk skrivna på 70-talet och början av 2-talet är tekniken ett mål i sig. Det är bara ett sätt att skapa extatiska, levande uttrycksfulla bilder. Det är ingen slump att i de mest avantgardistiska verken ur teknisk synvinkel framhävs också den mest uppriktiga lyriken (i den mjuka, "försvagade", med kompositörens ord, musik genom de XNUMX seriella delarna av den första symfonin), och djupa filosofiska begrepp föds som kommer att leda till Andens högsta manifestation i den fjärde och femte symfonin. Det är här som ett av de främsta stilistiska dragen i Silvestrovs verk uppstår – meditativitet.
Början på en ny stil – ”enkel, melodisk” – kan kallas ”Meditation” för cello och kammarorkester (1972). Härifrån börjar ständiga reflektioner om tiden, om personlighet, om kosmos. De är närvarande i nästan alla Silvestrovs efterföljande kompositioner (den fjärde (1976) och femte (1982) symfonierna, "Quiet Songs" (1977), Cantata för kör a cappella på stationen T. Shevchenko (1976), "Forest Music" på stationen G. Aigi (1978), "Enkla sånger" (1981), Fyra sånger på O. Mandelstams station). Lång lyssnande på tidens rörelse, uppmärksamhet på de minsta detaljerna, som ständigt växer, som om de faller på varandra, skapar en makroform, tar musiken bortom ljudet och förvandlar den till en enda rums-temporal helhet. Oändlig kadens är ett av sätten att skapa "väntande" musik, när en enorm inre spänning döljs i den utåt monotona, böljande statiken. I denna mening kan den femte symfonin jämföras med verk av Andrei Tarkovsky, där statiska skott utåt skapar en superspänd inre dynamik som väcker den mänskliga anden. Liksom Tarkovskys band, riktar sig Sylvestrovs musik till mänsklighetens elit, om man genom elitism verkligen förstår det bästa i en person – förmågan att på djupet känna och reagera på en persons och mänsklighetens smärta och lidande.
Genrespektrat för Silvestrovs verk är ganska brett. Han attraheras ständigt av ordet, den högsta poesin, som kräver hjärtats finaste insikt för dess adekvata musikaliska rekreation: A. Pushkin, M. Lermontov, F. Tyutchev, T. Shevchenko, E. Baratynsky, P. Shelley, J. Keats, O. Mandelstam. Det var i sånggenrerna som melodiisten Sylvestrovs gåva manifesterade sig med största kraft.
Ett mycket oväntat verk intar en speciell plats i kompositörens verk, där hans kreativa credo dock tycks vara fokuserad. Det här är "Kitch Music" för piano (1977). I anteckningen förklarar författaren betydelsen av namnet som något "svagt, kasserat, misslyckat" (det vill säga nära ordbokstolkningen av begreppet). Men han motbevisar omedelbart denna förklaring och ger den till och med en nostalgisk tolkning: _Spela i en mycket mild, intim ton, som om han försiktigt rör vid lyssnarens minne, så att musiken låter inuti medvetandet, som om lyssnarens minne själv sjunger denna musik_. Och världarna av Schumann och Chopin, Brahms och Mahler, Tidens odödliga invånare, som Valentin Silvestrov känner så intensivt, återvänder verkligen till minnet.
Tiden är klok. Förr eller senare återgår det till alla vad de förtjänar. Det fanns många saker i Silvestrovs liv: ett absolut missförstånd av "nära-kulturella" personer, och en fullständig ignorering av förlag, och till och med utvisning från Union of Composers of the USSR. Men det fanns en annan sak – erkännandet av artister och lyssnare i vårt land och utomlands. Silvestrov – pristagare av priset. S. Koussevitzky (USA, 1967) och den internationella tävlingen för unga kompositörer "Gaudeamus" (Nederländerna, 1970). Kompromisslöshet, kristallklar ärlighet, uppriktighet och renhet, multiplicerat med hög talang och en enorm inre kultur – allt detta ger anledning att förvänta sig betydande och kloka skapelser i framtiden.
S. Filstein
