Leonid Kogan |
Leonid Kogan
Kogans konst är känd, uppskattad och älskad i nästan alla världens länder – i Europa och Asien, i USA och Kanada, Sydamerika och Australien.
Kogan är en stark, dramatisk talang. Till sin natur och konstnärliga individualitet är han motsatsen till Oistrakh. Tillsammans utgör de så att säga motpolerna till den sovjetiska violinskolan, vilket illustrerar dess "längd" i form av stil och estetik. Med stormig dynamik, patetisk upprymdhet, betonade konflikter, djärva kontraster, verkar Kogans pjäs överraskande i samklang med vår tid. Den här konstnären är skarpt modern, lever med dagens oro och speglar känsligt upplevelser och oro i världen omkring honom. En närbildsartist, främmande för smidighet, verkar Kogan sträva mot konflikter och resolut avvisa kompromisser. I spelets dynamik, i syrliga accenter, i intonationens extatiska drama, är han släkt med Heifetz.
Recensioner säger ofta att Kogan är lika tillgänglig för de ljusa bilderna av Mozart, Beethovens hjältemod och tragiska patos och Khachaturians saftiga briljans. Men att säga så, utan att skugga egenskaperna i föreställningen, betyder att inte se artistens individualitet. I förhållande till Kogan är detta särskilt oacceptabelt. Kogan är en konstnär av den ljusaste individualiteten. I hans spel, med en exceptionell känsla för stilen på musiken han framför, fängslar alltid något unikt hans eget, "Kogans", hans handstil är fast, resolut, ger en tydlig lättnad till varje fras, konturerna av melos.
Slående är rytmen i Kogans pjäs, som fungerar som ett kraftfullt dramatiskt verktyg för honom. Jagad, full av liv, "nerv" och "tonal" spänning, konstruerar Kogans rytm verkligen formen, ger den konstnärlig fullständighet och ger kraft och vilja till musikens utveckling. Rytmen är själen, verkets liv. Rytmen i sig är både en musikalisk fras och något genom vilket vi tillfredsställer allmänhetens estetiska behov, genom vilket vi påverkar den. Både idéns och bildens karaktär – allt utförs genom rytm, ”talar Kogan själv om rytm.
I varje recension av Kogans spel framträder beslutsamheten, maskuliniteten, emotionaliteten och dramatiken i hans konst alltid i första hand. "Kogans framträdande är ett upprört, självsäkert, passionerat berättande, ett tal som flödar spänt och passionerat." "Kogans prestation slår till med inre styrka, het känslomässig intensitet och samtidigt med mjukhet och en mängd olika nyanser," dessa är de vanliga egenskaperna.
Kogan är ovanlig för filosofi och reflektion, vanlig bland många samtida artister. Han söker i musik främst avslöja dess dramatiska effektivitet och emotionalitet och genom dem närma sig den inre filosofiska innebörden. Hur avslöjande i denna mening är hans egna ord om Bach: "Det finns mycket mer värme och mänsklighet i honom", säger Kogan, än vad experter ibland tror, och föreställer sig Bach som "den store filosofen under XNUMX-talet." Jag vill inte missa möjligheten att känslomässigt förmedla hans musik, som den förtjänar.
Kogan har den rikaste konstnärliga fantasin, som är född ur den direkta erfarenheten av musik: "Varje gång upptäcker han i verket fortfarande till synes okänd skönhet och tror på det för lyssnarna. Därför verkar det som att Kogan inte framför musik, utan så att säga skapar den igen.
Patetism, temperament, het, impulsiv emotionalitet, romantisk fantasi hindrar inte Kogans konst från att vara extremt enkel och strikt. Hans spel saknar pretentiöshet, manér och särskilt sentimentalitet, det är modigt i ordets fulla bemärkelse. Kogan är en artist med fantastisk mental hälsa, en optimistisk uppfattning om livet, vilket märks i hans framförande av den mest tragiska musiken.
Vanligtvis särskiljer Kogans biografer två perioder av hans kreativa utveckling: den första med fokus främst på virtuos litteratur (Paganini, Ernst, Venyavsky, Vietanne) och den andra med en ny betoning på ett brett spektrum av klassisk och modern violinlitteratur , samtidigt som de bibehåller en virtuos prestationslinje.
Kogan är en virtuos av högsta klass. Paganinis första konsert (i författarens upplaga med E. Sores sällan spelade svåraste cadenza), hans 24 capricci spelade på en kväll, vittnar om ett mästerskap som endast ett fåtal uppnår i världens violintolkning. Under den formativa perioden, säger Kogan, var jag mycket influerad av Paganinis verk. "De var avgörande för att anpassa vänster hand till greppbrädan, för att förstå fingersättningstekniker som inte var "traditionella". Jag spelar med mitt eget speciella fingersättning, som skiljer sig från det allmänt accepterade. Och jag gör detta utifrån fiolens och fraseringens klangmöjligheter, även om ofta inte allt här är acceptabelt metodmässigt.”
Men varken i det förflutna eller nuet var Kogan förtjust i "ren" virtuositet. "En briljant virtuos, som behärskade en enorm teknik även i sin barndom och ungdom, Kogan växte upp och mognade mycket harmoniskt. Han förstod den kloka sanningen att den mest svindlande tekniken och idealet för högkonst inte är identiska, och att den första måste gå "i tjänst" till den andra. I hans framträdande fick Paganinis musik en oerhörd dramatik. Kogan känner perfekt "komponenterna" i den briljanta italienarens kreativa arbete - en levande romantisk fantasi; kontraster av melos, fyllda antingen av bön och sorg, eller med oratoriskt patos; karakteristisk improvisation, drag av dramaturgi med klimax som når gränsen för känslomässig stress. Kogan och i virtuositet gick "i djupet" av musiken, och därför kom inledningen av den andra perioden som en naturlig fortsättning på den första. Vägen för violinistens konstnärliga utveckling bestämdes faktiskt mycket tidigare.
Kogan föddes den 14 november 1924 i Dnepropetrovsk. Han började lära sig spela fiol vid sju års ålder på en lokal musikskola. Hans första lärare var F. Yampolsky, med vilken han studerade i tre år. 1934 fördes Kogan till Moskva. Här antogs han i en speciell barngrupp vid Moskvakonservatoriet, i klass med professor A. Yampolsky. 1935 utgjorde denna grupp huvudkärnan i den nyöppnade Central Children's Music School vid Moskvas statliga konservatorium.
Kogans talang väckte genast uppmärksamhet. Yampolsky pekade ut honom från alla hans elever. Professorn var så passionerad och fäst vid Kogan att han bosatte honom i hans hem. Konstant kommunikation med läraren gav mycket till den framtida konstnären. Han hade möjlighet att använda sina råd varje dag, inte bara i klassrummet, utan även under läxorna. Kogan tittade nyfiket på Yampolskys metoder i sitt arbete med elever, vilket senare hade en gynnsam effekt i hans egen undervisningspraktik. Yampolsky, en av de framstående sovjetiska utbildarna, utvecklade i Kogan inte bara den briljanta tekniken och virtuositeten som förvånar den moderna, så sofistikerade allmänheten, utan lade också höga principer för prestation i honom. Huvudsaken är att läraren korrekt bildade studentens personlighet, antingen höll tillbaka impulserna från hans egensinniga natur eller uppmuntrade hans aktivitet. Redan under studieåren i Kogan avslöjades en tendens till en stor konsertstil, monumentalitet, dramatiskt-viljestark, modigt lager av spelet.
De började prata om Kogan i musikkretsar mycket snart – bokstavligen efter det allra första uppträdandet på festivalen för elever i barnmusikskolor 1937. Yampolsky använde varje tillfälle att ge sina favoritkonserter och redan 1940 spelade Kogan Brahmskonserten för första gången med orkestern. När han kom in på Moskvas konservatorium (1943) var Kogan välkänd i musikkretsar.
1944 blev han solist i Moskvafilharmonikerna och gjorde konsertturnéer runt om i landet. Kriget är ännu inte över, men han är redan på väg till Leningrad, som just har befriats från blockaden. Han uppträder i Kiev, Kharkov, Odessa, Lvov, Chernivtsi, Baku, Tbilisi, Jerevan, Riga, Tallinn, Voronezh, städerna Sibirien och Fjärran Östern, och når Ulaanbaatar. Hans virtuositet och slående artisteri förvånar, fängslar, entusiasmerar lyssnare överallt.
Hösten 1947 deltog Kogan i I World Festival of Democratic Youth i Prag och vann (tillsammans med Y. Sitkovetsky och I. Bezrodny) förstapriset; våren 1948 tog han examen från konservatoriet och 1949 gick han in på forskarskolan.
Forskarstudier avslöjar ett annat drag i Kogan – viljan att studera framförd musik. Han spelar inte bara, utan skriver en avhandling om Henryk Wieniawskis arbete och tar detta arbete på största allvar.
Under det allra första året av sina forskarstudier förvånade Kogan sina lyssnare med framförandet av 24 Paganini Capricci på en kväll. Konstnärens intressen under denna period är inriktad på virtuos litteratur och mästare i virtuos konst.
Nästa steg i Kogans liv var Queen Elizabeth-tävlingen i Bryssel, som ägde rum i maj 1951. Världspressen talade om Kogan och Vayman, som fick första och andra priset, samt de som belönades med guldmedaljer. Efter de sovjetiska violinisternas fenomenala seger 1937 i Bryssel, som nominerade Oistrakh till de första violinisterna i världen, var detta kanske den mest lysande segern för det sovjetiska "fiolvapnet".
I mars 1955 åkte Kogan till Paris. Hans framträdande betraktas som en stor händelse i den franska huvudstadens musikliv. "Nu finns det få artister över hela världen som kan mäta sig med Kogan när det gäller den tekniska perfektionen av prestanda och rikedomen i hans ljudpalett", skrev kritikern av tidningen "Nouvelle Litterer". I Paris köpte Kogan en underbar Guarneri del Gesu-fiol (1726), som han har spelat sedan dess.
Kogan gav två konserter i Hall of Chaillot. De besöktes av mer än 5000 XNUMX personer – medlemmar av den diplomatiska kåren, parlamentariker och, naturligtvis, vanliga besökare. Dirigerad av Charles Bruck. Konserter av Mozart (G-dur), Brahms och Paganini framfördes. Med framförandet av Paganini-konserten chockade Kogan bokstavligen publiken. Han spelade den i sin helhet, med alla kadenser som skrämmer många violinister. Tidningen Le Figaro skrev: "Genom att blunda kunde du känna att en riktig trollkarl uppträdde framför dig." Tidningen noterade att "strikt behärskning, ljudrenhet, klangrikedom glädde särskilt lyssnarna under framförandet av Brahmskonserten."
Låt oss uppmärksamma programmet: Mozarts tredje konsert, Brahms konsert och Paganinis konsert. Detta är den mest frekvent utförda av Kogan senare (fram till idag) cykel av verk. Följaktligen började det "andra steget" – den mogna perioden för Kogans framträdande – i mitten av 50-talet. Redan inte bara Paganini, utan även Mozart, Brahms blir hans "hästar". Sedan dess är framförandet av tre konserter på en kväll en vanlig företeelse i hans konsertpraktik. Vad den andra artisten går för som ett undantag, för Kogan normen. Han älskar cykler – sex sonater av Bach, tre konserter! Dessutom står de konserter som ingår i programmet för en kväll som regel i skarp kontrast i stilen. Mozart jämförs med Brahms och Paganini. Av de mest riskabla kombinationerna kommer Kogan undantagslöst ut som vinnaren, och glädjer lyssnarna med en subtil känsla för stil, konsten att konstnärlig transformation.
Under första hälften av 50-talet var Kogan intensivt upptagen med att utöka sin repertoar, och kulmen på denna process var den storslagna cykeln "Utveckling av violinkonserten", som gavs av honom säsongen 1956/57. Cykeln bestod av sex kvällar, under vilka 18 konserter genomfördes. Före Kogan utfördes en liknande cykel av Oistrakh 1946-1947.
Eftersom han av sin talang är en artist av en stor konsertplan, börjar Kogan ägna mycket uppmärksamhet åt kammargenrer. De bildar en trio med Emil Gilels och Mstislav Rostropovich som uppträder på öppna kammarkvällar.
Hans fasta ensemble med Elizaveta Gilels, en lysande violinist, pristagare av den första Brysseltävlingen, som blev hans fru på 50-talet, är magnifik. Sonater av Y. Levitin, M. Weinberg och andra skrevs speciellt för deras ensemble. För närvarande har denna familjeensemble berikats med ytterligare en medlem – hans son Pavel, som följde i sina föräldrars fotspår och blev violinist. Hela familjen ger gemensamma konserter. I mars 1966 ägde deras första uppförande av Concerto för tre violiner av den italienske kompositören Franco Mannino rum i Moskva; Författaren specialflög till premiären från Italien. Triumfen var fullbordad. Leonid Kogan har ett långt och starkt kreativt partnerskap med Moskvas kammarorkester under ledning av Rudolf Barshai. Tillsammans med denna orkester fick Kogans framförande av Bach- och Vivaldi-konserterna en fullständig ensembleenhet, en mycket konstnärlig klang.
1956 lyssnade Sydamerika på Kogan. Han flög dit i mitten av april med pianisten A. Mytnik. De hade en rutt – Argentina, Uruguay, Chile och på vägen tillbaka – ett kort stopp i Paris. Det var en oförglömlig turné. Kogan spelade i Buenos Aires i gamla sydamerikanska Cordoba, framförde verk av Brahms, Bachs Chaconne, Millaus brasilianska danser och pjäsen Cueca av den argentinske kompositören Aguirre. I Uruguay introducerade han lyssnarna till Khachaturians konsert, spelad för första gången på den sydamerikanska kontinenten. I Chile träffade han poeten Pablo Neruda och på hotellrestaurangen där han och Mytnik bodde hörde han den berömda gitarristen Allans fantastiska spel. Efter att ha känt igen de sovjetiska artisterna framförde Allan för dem den första delen av Beethovens Moonlight Sonata, stycken av Granados och Albeniz. Han var på besök hos Lolita Torres. På vägen tillbaka, i Paris, deltog han i årsdagen av Marguerite Long. På hans konsert bland publiken fanns Arthur Rubinstein, cellisten Charles Fournier, violinisten och musikkritikern Helene Jourdan-Morrange m.fl.
Under säsongen 1957/58 turnerade han i Nordamerika. Det var hans debut i USA. I Carnegie Hall framförde han Brahms-konserten, dirigerad av Pierre Monte. "Han var helt klart nervös, som alla artister som uppträder för första gången i New York borde vara", skrev Howard Taubman i The New York Times. – Men så fort det första slaget av bågen på strängarna ljöd stod det klart för alla – vi har en färdig mästare framför oss. Kogans magnifika teknik känner inga svårigheter. I de högsta och svåraste positionerna förblir hans ljud tydligt och lyder fullständigt artistens musikaliska avsikter. Hans koncept för konserten är brett och smalt. Den första delen spelades med briljans och djup, den andra sjöng med oförglömlig uttrycksfullhet, den tredje svepte i en jublande dans.
”Jag har aldrig lyssnat på en violinist som gör så lite för att imponera på publiken och så mycket för att förmedla musiken de spelar. Han har bara sitt karaktäristiska, ovanligt poetiska, raffinerade musikaliska temperament”, skrev Alfred Frankenstein. Amerikanerna noterade konstnärens blygsamhet, värmen och mänskligheten i hans spel, frånvaron av något uppseendeväckande, den fantastiska teknikfriheten och fullständigheten i fraseringen. Triumfen var fullbordad.
Det är betydelsefullt att amerikanska kritiker uppmärksammade konstnärens demokratism, hans enkelhet, blygsamhet och i spelet – till frånvaron av några element av estetik. Och detta är Kogan medvetet. I sina uttalanden ges mycket utrymme åt relationen mellan artisten och allmänheten, han menar att samtidigt som man lyssnar på dess konstnärliga behov så mycket som möjligt måste man samtidigt bära in en i den seriösa musikens rike, genom att kraften i att utföra övertygelse. Hans temperament, i kombination med vilja, hjälper till att uppnå ett sådant resultat.
När han, efter USA, uppträdde i Japan (1958), skrev de om honom: "I framförandet av Kogan, Beethovens himmelska musik, blev Brahms jordisk, levande, påtaglig." Istället för femton konserter gav han sjutton. Hans ankomst bedömdes som den största händelsen under musiksäsongen.
1960 ägde invigningen av utställningen för sovjetisk vetenskap, teknologi och kultur rum i Havanna, Kubas huvudstad. Kogan och hans fru Lisa Gilels och kompositören A. Khachaturian kom för att besöka kubanerna, från vars verk programmet för galakonserten sammanställdes. Temperamentsfulla kubaner slog nästan sönder salen av förtjusning. Från Havanna åkte konstnärerna till Bogota, Colombias huvudstad. Som ett resultat av deras besök organiserades Columbia-USSR-sällskapet där. Sedan följde Venezuela och på väg tillbaka till sitt hemland – Paris.
Av Kogans efterföljande turnéer sticker resor till Nya Zeeland ut, där han gav konserter med Lisa Gilels under två månader och en andra turné i Amerika 1965.
Nya Zeeland skrev: "Det råder ingen tvekan om att Leonid Kogan är den största violinist som någonsin har besökt vårt land." Han är jämställd med Menuhin, Oistrakh. Kogans gemensamma framträdanden med Gilels väcker också glädje.
En underhållande incident inträffade i Nya Zeeland, humoristiskt beskriven av tidningen Sun. Ett fotbollslag bodde på samma hotell med Kogan. Kogan arbetade hela kvällen med att förbereda konserten. Vid 23-tiden sa en av spelarna, som skulle gå och lägga sig, argt till receptionisten: "Säg till violinisten som bor i slutet av korridoren att sluta spela."
"Sir," svarade portvakten upprört, "det är så du talar om en av världens största violinister!"
Efter att inte ha uppnått utförandet av sin begäran från portvakten gick spelarna till Kogan. Lagets ställföreträdande kapten var inte medveten om att Kogan inte talade engelska och tilltalade honom i följande "rent australiska termer":
– Hej, bror, ska du inte sluta leka med din balalaika? Kom igen, äntligen, avsluta och låt oss sova.
Eftersom han inte förstod någonting och trodde att han hade att göra med en annan musikälskare som bad om att få spela något speciellt för honom, svarade Kogan "nådigt på begäran om att" avrunda "genom att framföra först en lysande kadens och sedan ett muntert Mozart-stycke. Fotbollslaget drog sig tillbaka i upplösning.”
Kogans intresse för sovjetisk musik är betydande. Han spelar ständigt konserter av Shostakovich och Khachaturian. T. Khrennikov, M. Weinberg, konsert "Rhapsody" av A. Khachaturian, Sonata av A. Nikolaev, "Aria" av G. Galynin dedikerade sina konserter till honom.
Kogan har uppträtt med världens största musiker – dirigenterna Pierre Monte, Charles Munsch, Charles Bruck, pianisterna Emil Gilels, Arthur Rubinstein och andra. "Jag gillar verkligen att spela med Arthur Rubinstein", säger Kogan. "Det ger stor glädje varje gång. I New York hade jag turen att spela två av Brahms sonater och Beethovens åttonde sonat med honom på nyårsafton. Jag slogs av känslan av ensemble och rytm hos denna artist, hans förmåga att omedelbart penetrera essensen av författarens avsikt ... "
Kogan visar sig också som en begåvad lärare, professor vid Moskvas konservatorium. Följande växte upp i Kogans klass: den japanske violinisten Ekko Sato, som vann titeln som pristagare av III International Tchaikovsky Competition i Moskva 1966; Jugoslaviska violinisterna A. Stajic, V. Shkerlak m.fl. Liksom Oistrakhs klass lockade Kogans klass elever från olika länder.
People's Artist of the USSR Kogan 1965 tilldelades den höga titeln som pristagare av Lenin-priset.
Jag skulle vilja avsluta uppsatsen om denna underbara musiker-konstnär med D. Shostakovichs ord: ”Du känner en djup tacksamhet till honom för det nöje du upplever när du går in i musikens underbara, ljusa värld tillsammans med violinisten. ”
L. Raaben, 1967
På 1960-1970-talet fick Kogan alla möjliga titlar och utmärkelser. Han tilldelas titeln professor och folkkonstnär i RSFSR och Sovjetunionen, och Leninpriset. 1969 utsågs musikern till chef för violinavdelningen vid Moskvakonservatoriet. Det görs flera filmer om violinisten.
De sista två åren av Leonid Borisovich Kogans liv var särskilt händelserika föreställningar. Han klagade på att han inte hade tid att vila.
1982 ägde premiären av Kogans sista verk, De fyra årstiderna av A. Vivaldi, rum. Samma år leder maestro juryn av violinister vid VII International PI Tchaikovsky. Han deltar i inspelningen av en film om Paganini. Kogan väljs till hedersakademiker vid den italienska nationella akademin "Santa Cecilia". Han turnerar i Tjeckoslovakien, Italien, Jugoslavien, Grekland, Frankrike.
Den 11-15 december ägde violinistens sista konserter rum i Wien, där han framförde Beethovenkonserten. Den 17 december dog Leonid Borisovich Kogan plötsligt på väg från Moskva till konserter i Yaroslavl.
Mästaren lämnade många studenter - pristagare av alla fackliga och internationella tävlingar, kända artister och lärare: V. Zhuk, N. Yashvili, S. Kravchenko, A. Korsakov, E. Tatevosyan, I. Medvedev, I. Kaler och andra. Utländska violinister studerade med Kogan: E. Sato, M. Fujikawa, I. Flory, A. Shestakova.
