Ivan Vasilyevich Ershov |

Ivan Ershov

"Om Sobinov var den mest perfekta av ryska lyriska tenorer, så tillhörde samma plats Ershov bland artisterna av heroiskt-dramatiska tenorpartier", skriver DN Lebedev. – Den största representanten för den realistiska vokalskolan, Ershov, hävdade resolut och livfullt sina principer.

Ershovs verk var hett, sprudlande, passionerat fängslande. Som han var i livet, så var han i prestation. Övertalningskraften, enkelheten var en integrerad del av hans konstnärliga natur.

Inte konstigt att en av hans samtida kallade honom Chaliapin bland tenorer.

Ivan Vasilyevich Ershov föddes den 20 november 1867. "Min barndom var svår", mindes Ershov. – Jag var i familjen "extra mun". Min mamma arbetade som tjänare i en familj av fattiga markägare. Jag skulle bli järnvägsingenjör. Han har redan klarat proven för titeln assisterande förare och har upprepade gånger rest till linjen och kört ett ånglok. Men den store Anton Rubinstein uppmärksammade mig, en ung man. Sedan dess har mitt liv ägnats åt konst, musik.”

Ja, som det händer, ett fall hjälpte honom. Ershov studerade vid järnvägsskolan i Yelets, ofta med på amatörkonserter. Hans extraordinära förmågor var obestridliga. Här hördes han av professorn vid St. Petersburgs konservatorium NB Pansh. Hon berättade för AG Rubinstein om en begåvad ung man. På rekommendation av den store pianisten blev gårdagens maskinist elev i sångklassen, ledd av Stanislav Ivanovich Gabel. Studieåren var inte lätta: all inkomst var 15 rubel i månaden, stipendier och en gratis lunch.

År 1893 tog Ershov examen från St. Petersburgs konservatorium. Samma år gjorde han sin debut som Faust.

"Den unga sångaren gjorde inget positivt intryck", skriver AA Gozenpud. Han fick rådet att åka till Italien för att förbättra sig. Efter fyra månaders lektioner hos läraren Rossi debuterade han med stor framgång på Regiooperan. En ny framgång gav honom rollen som José i Carmen. Ryktet om Yershovs utländska föreställningar nådde Napravnik och Vsevolozhsky, och artisten erbjöds en ny debut. Utmärkande nog hände detta efter att han blivit berömmelse utomlands. Det är osannolikt att fyra månaders klasser med Rossi skulle kunna berika hans sångkultur avsevärt. När han återvände till Ryssland uppträdde Ershov i Kharkov säsongen 4/1894. Debuten på Mariinsky-teatern ägde rum i april 95 som Faust.

Detta framträdande var också anmärkningsvärt för det faktum att en annan debutant, den unge basen Fyodor Chaliapin, uppträdde som Mephistopheles. I framtiden, som ni vet, sjöng Chaliapin på nästan alla stora scener i världen, och Ershovs hela kreativa liv var praktiskt taget begränsat till Mariinsky-teatern (senare Kirov).

Till en början sjöng Ershov en mängd olika tenorpartier här, men med tiden blev det tydligt att hans egentliga kall var heroiska roller. Det var på denna väg som hans enastående förmågor avslöjades inte bara som sångare utan som sångare-skådespelare. Ershov beskrev sitt konstnärliga credo och skrev:

"Sångarens röst är hjärtats röst. Ordet, ansiktsuttryck, modulering av människofiguren i tidens dräkt, i nationalitetens kostym och dess klasstillhörighet; hans år, hans karaktär, hans inställning till omgivningen etc. etc. – allt detta kräver av sångaren-skådespelaren en passande känsla för motsvarande färg på ljudet på hans röst, annars är allt bel canto och bel canto osv. etc. Realism, sanning i konsten!..

Hur många förändringar i klangfärger, färger, alla typer av vokala vändningar kan det vara i rösten, men det finns ingen sanning, känslor i hjärtat och anden!

Faust och Romeo motsvarade inte på något sätt konstnärens personlighet. Tannhäuser och Orestes gav Ershov verklig framgång. Tack vare dem avslöjades den unga sångarens scentalang och röstens styrka och uttrycksfullhet manifesterades.

Kritikern Kondratiev noterar med tillfredsställelse Ershovs framträdande i Oresteia: "Ershov gjorde ett gott intryck ... delen var skriven gudlöst stark och upphöjd, och han kom ut ur detta test med ära." Efter den andra föreställningen: "Ershov gjorde en sensation i raseriscenen."

En annan kreativ seger för Ershov var hans framträdande i operan Samson och Delilah. Om honom skrev Kondratiev: "Ershov utförde Samson perfekt." Han vann nya framgångar i Sobinin-delen och sjöng den vanligtvis missade aria med kören "Bröder, i en snöstorm." Den innehåller flera gånger den övre "C" och "D-flat", tillgänglig för få tenorer. Nästan alla representanter för musikalen St. Petersburg kom till denna föreställning, och Figner följde klaveret för att se om sångaren skulle tillåta några avvikelser från originalet.

Kondratiev noterade i sin dagbok: "Arian är skriven i ett så ovanligt högt register att den skrämmer även när man läser den. Jag var rädd för Yershov, men han kom ur det här testet med ära. Särskilt subtilt framförde han den mellersta delen av cantabile, publiken ringde honom öronbedövande och krävde en upprepning, han uppfyllde publikens krav och sjöng lugnare och ännu bättre för andra gången.

Ershov återskapade också bilden av Finn i Ruslan och Lyudmila på ett helt nytt sätt. BV skrev om detta. Asafiev: "Prestandan är en levande kreativitet, synligt påtaglig, eftersom det "röstande ordet", i brytningen som Yershov får, fungerar som en länk i det kontinuerliga (i denna ljudsfär) flödet av processen att forma varje ögonblick, varje andlig rörelse. Både skrämmande och glad. Det är skrämmande för bland de många människor som är involverade i opera som konst är det väldigt, väldigt få som är avsedda att förstå det fulla djupet och uttryckskraften som är inneboende i den. Det är glädjefullt för att när man lyssnar på Yershovs framträdande kan man på ett ögonblick känna något som inte avslöjas i några avhandlingar och som inte kan förmedlas av någon beskrivning: skönheten i livets slag i manifestationen av känslomässig spänning genom musikaliskt ljud, meningsfull av ordet.

Om man tittar på listan över operapartier framförda av Ershov, så präglas han, som vilken stor artist som helst, av både rikedom och mångfald. Det bredaste panoramat – från Mozart, Weber, Beethoven och Bellini till Rachmaninoff, Richard Strauss och Prokofiev. Han hade utmärkta prestationer i operorna Glinka och Tchaikovsky, Dargomyzhsky och Rubinstein, Verdi och Bizet.

Men ett monument i operakonstens historia reste den ryska sångaren för sig själv med två toppar. En av dem är det storslagna framförandet av delar i Wagners verk. Ershov var lika övertygande i Lohengrin och Tannhäuser, Valkyrie och Rhens guld, Tristan och Isolde och Gudarnas död. Här hittade sångaren ett särskilt komplext och givande material för att förkroppsliga sina konstnärliga principer. "Hele kärnan i Wagners verk är fylld av handlingens ofantlighet", betonade sångaren. — Musiken av den här kompositören är extremt scenisk, men den kräver exceptionell återhållsamhet av den konstnärliga nerven i tempot. Allt ska upphöjas – en blick, en röst, en gest. Skådespelaren måste kunna spela utan ord i de scener där det inte är sång, utan bara kontinuerligt ljud. Det är nödvändigt att matcha takten i scenrörelsen med orkesterns musik. Hos Wagner är musiken bildligt talat fastnitad till skådespelaren-sångaren. Att bryta denna anknytning betyder att bryta enheten mellan scen och musikaliska rytmer. Men samma oskiljaktighet binder inte skådespelaren och dikterar honom den nödvändiga majestät, monumentalitet, en bred, långsam gest, som på scenen motsvarar andan i Wagners musik.

Cosima Wagner, kompositörens änka, skrev till sångaren den 15 september 1901: "Många vänner av vår konst och många konstnärer, inklusive fru Litvin, berättade för mig om ditt framförande av våra konstverk. Jag frågar dig om din väg någon gång kommer att ta dig genom Bayreuth och om du vill stanna där för att prata med mig om det tyska framförandet av dessa verk. Jag tror inte att jag någonsin kommer att få möjlighet att resa till Ryssland, och det är därför jag ställer denna begäran till er. Jag hoppas att dina studier kommer att ge dig semester och att denna semester inte är alltför avlägsen. Vänligen acceptera min djupa respekt."

Ja, berömmelsen om en Wagnersångare har fastnat för Yershov. Men det var inte så lätt att bryta upp denna repertoar på scenen.

"Hele den gamla Mariinskijteaterns väg var fientlig mot Wagner," erinrade Ershov 1933. Wagners musik möttes av försiktig fientlighet. Lohengrin och Tannhäuser tilläts fortfarande på något sätt på scenen och förvandlade dessa romantiskt-heroiska operor till stereotypa föreställningar av italiensk stil. Filisternas rykten upprepades om att Wagner förstörde sångares röster och dövade publiken med orkesterns åska. Det var som om de hade kommit överens med den trångsynta Yankee, hjälten i Mark Twains berättelse, som klagar över att Lohengrins musik är öronbedövande. Det är Lohengrin!

Det fanns också en kränkande, till och med förolämpande attityd mot den ryska sångaren: "Vart ska man ta vägen med din oförberedelse och din brist på kultur för att ta sig an Wagner! Du kommer inte att få någonting." I framtiden motbevisade livet dessa offensiva förutsägelser. Mariinsky-scenen fann bland sina skådespelare många utmärkta artister av delarna av Wagner-repertoaren ... "

En annan enastående topp som erövrats av sångaren är delen av Grishka Kuterma i Rimsky-Korsakovs opera Legenden om den osynliga staden Kitezh och Jungfrufevronia. Rimsky-Korsakov-teatern är också Yershov-teatern. Sadko är ett av sångarens mästerverk, vilket uppmärksammades av kompositören själv. Han framförde suveränt Berendey i The Snow Maiden, Mikhail Tucha i The Maid of Pskov. Men sångarens högsta prestation är skapandet av bilden av Grishka Kuterma, han spelade först denna roll 1907.

Regissören för den minnesvärda föreställningen VP Shkaber sa: "Konstnären kände djupt elementen i det största lidandet och mänsklig sorg, drunknade i en berusad dvala, där människoliv gick förlorat för intet. Scenen för hans galenskap, individuella ögonblick med tatarerna i skogen, med Fevronia - alla dessa kreativa upplevelser av konstnären-konstnären var så stora att bilden av Grishka framförd av Yershov är värd inte bara beundran utan också den djupaste beundran för konstnärens talang: så fyllig, färgstark, med stor skicklighet avslöjade han sin hjältes subtilaste känslor... Rollen som Grishka avslutades av honom till minsta detalj, med skulpturell fullständighet – och detta var under förhållanden av extrem stigning.

Andrei Nikolaevich Rimsky-Korsakov, som riktade sig till konstnären på uppdrag av kompositörens familj, skrev: "Jag personligen, liksom andra medlemmar av familjen till Nikolai Andreevich, för vars räkning jag talar här, minns hur mycket författaren till Kitezh uppskattade din konstnärliga talang och i synnerhet med vilken tillfredsställelse han tittade på sitt idébarn Grishka Kuterma i form av Ershov.

…Din tolkning av rollen som Kuterma är så djup och individuell att du måste erkänna ett avgörande oberoende i detta konstnärliga inlägg. Du har investerat i Grishka en enorm del av din levande, mänskliga själ, därför har jag rätt att säga att precis som det inte finns och inte kan finnas en andra Ivan Vasilievich Ershov, så finns det inte och kan inte finnas en sådan andra Grishka.

Och före 1917, och under de efterrevolutionära åren, erbjöds den ryska tenoren lukrativa kontrakt utomlands. Men hela sitt liv var han trogen scenen där hans kreativa väg började - Mariinsky-teatern.

Journalisten och romanförfattaren AV Amfiteatrov gratulerade sångaren till 25-årsdagen av hans kreativa verksamhet, och skrev särskilt till Ivan Vasilyevich: "Om du ville prata på turné, skulle du ha varit miljardär för länge sedan. Om du gick ner till sådana reklamtrick, så vanliga i den nuvarande konstnärliga miljön, skulle båda hemisfärerna ha fyllts med ett skrik om dig för länge sedan. Men du, en sträng och klok konstpräst, gick förbi allt detta glitter och hype utan att ens kasta en blick åt henne. Genom att stå ärligt och blygsamt i den "härliga post" du har valt, är du ett nästan makalöst, makalöst exempel på konstnärlig självständighet, föraktfullt avvisar du alla främmande konstmedel för framgång och dominans bland dina kamrater ... Du har aldrig missbrukat ditt inflytande som en oersättlig konstnär i för att få en "vinnande roll" för att egoistiskt föra in ett ovärdigt verk av låg kvalitet i sin konsts tempel.

En sann patriot, Ivan Vasilievich Ershov, som lämnade scenen, tänkte ständigt på framtiden för vår musikteater, uppfostrade entusiastiskt konstnärlig ungdom vid Leningrad-konservatoriets operastudio, iscensatte verk av Mozart, Rossini, Gounod, Dargomyzhsky, Rimsky-Korsakov , Tjajkovskij, Rubinstein där. Med stolthet och anspråkslöshet sammanfattade han sin kreativa väg med följande ord: ”Att arbeta som skådespelare eller musiklärare känner jag mig först och främst en fri medborgare som efter bästa förmåga arbetar för det socialistiska samhällets bästa .”

Ivan Vasilyevich Ershov dog den 21 november 1943.