Igor Fjodorovich Stravinskij |
Igor stravinsky
…jag föddes vid fel tidpunkt. Genom temperament och böjelse, som Bach, fastän i en annan skala, borde jag leva i dunkel och skapa regelbundet för den etablerade tjänsten och Gud. Jag överlevde i världen jag föddes in i... Jag överlevde... trots förlagshucktering, musikfestivaler, reklam... I. Stravinsky
… Stravinskij är en verkligt rysk tonsättare … Den ryska andan är oförstörbar i hjärtat av denna verkligt stora, mångfacetterade talang, född från det ryska landet och livligt förbunden med det … D. Shostakovich
I. Stravinskys kreativa liv är en levande historia av musiken från 1959-talet. Den, som i en spegel, speglar utvecklingsprocesserna för samtidskonsten, som nyfiket letar efter nya vägar. Stravinskij skaffade sig ett rykte som en vågad undergrävare av tradition. I hans musik uppstår ett flertal stilar, ständigt skärande och ibland svåra att klassificera, för vilka kompositören fick smeknamnet "man med tusen ansikten" från sin samtid. Han är som trollkarlen från sin balett "Petrushka": han rör sig fritt genrer, former, stilar på sin kreativa scen, som om han underordnar dem reglerna för sitt eget spel. Med argumentet att "musik bara kan uttrycka sig själv" strävade Stravinsky ändå efter att leva "con Tempo" (det vill säga tillsammans med tiden). I "Dialoger", publicerad 63-1945, påminner han om gatuljudet i St. Petersburg, Maslenitsa-festligheterna på Marsfältet, som enligt honom hjälpte honom att se sin Petrusjka. Och kompositören talade om Symfonin i tre satser (XNUMX) som ett verk kopplat till konkreta intryck av kriget, med minnen från brunskjortornas grymheter i München, som han själv nästan blev ett offer för.
Stravinskijs universalism är slående. Det visar sig i den breda täckningen av fenomenen inom musikkulturen i världen, i mångfalden av kreativa sökningar, i intensiteten i den utövande – pianistiska och dirigent – aktivitet, som varade i mer än 40 år. Omfattningen av hans personliga kontakter med framstående människor är utan motstycke. N. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Diaghilev, konstnärer i "Konstens värld", A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, de franska kompositörerna i gruppen Six – dessa är namnen några av dem. Under hela sitt liv stod Stravinskij i centrum för allmänhetens uppmärksamhet, vid korsningen av de viktigaste konstnärliga vägarna. Geografin i hans liv täcker många länder.
Stravinskij tillbringade sin barndom i St. Petersburg, där, enligt honom, "det var spännande intressant att leva." Föräldrar försökte inte ge honom yrket som musiker, men hela situationen bidrog till musikalisk utveckling. Huset lät ständigt musik (fadern till kompositören F. Stravinsky var en berömd sångare i Mariinsky-teatern), det fanns ett stort konst- och musikbibliotek. Från barndomen var Stravinsky fascinerad av rysk musik. Som tioårig pojke hade han turen att se P. Tjajkovskij, som han idoliserade, och många år senare tillägnade honom operan Mavra (1922) och baletten The Fairy's Kiss (1928). Stravinskij kallade M. Glinka "min barndoms hjälte". Han uppskattade M. Mussorgsky mycket, ansåg honom "den mest sanningsenliga" och hävdade att det i hans egna skrifter finns influenser från "Boris Godunov". Vänliga relationer uppstod med medlemmar av Belyaevsky-cirkeln, särskilt med Rimsky-Korsakov och Glazunov.
Stravinskys litterära intressen bildades tidigt. Den första riktiga händelsen för honom var boken av L. Tolstoj "Barndom, tonåren, ungdom", A. Pushkin och F. Dostoevsky förblev idoler under hela sitt liv.
Musiklektioner började vid 9 års ålder. Det var pianolektioner. Stravinskij började dock seriösa yrkesstudier först efter 1902, då han som student vid den juridiska fakulteten vid St. Petersburgs universitet började studera hos Rimsky-Korsakov. Samtidigt blev han nära med S. Diaghilev, artisterna i "World of Art", deltog i "Evenings of Modern Music", konserter med ny musik, arrangerad av A. Siloti. Allt detta fungerade som en drivkraft för en snabb konstnärlig mognad. Stravinskys första komponerande experiment – pianosonaten (1904), faunen och herdinnan sång- och symfonisk svit (1906), symfonin i Ess-dur (1907), det fantastiska scherzo och fyrverkerier för orkester (1908) präglas av inflytandet av skolan Rimsky-Korsakov och de franska impressionisterna. Men från det ögonblick som baletterna Eldfågeln (1910), Petrusjka (1911), Vårriten (1913), beställda av Diaghilev för de ryska årstiderna, sattes upp i Paris, har det skett en kolossal kreativ start i genre som Stravinsky i Han var särskilt förtjust i senare eftersom balett enligt hans ord är "den enda formen av teaterkonst som sätter skönhetens uppgifter och inget annat som en hörnsten."
Baletttriaden öppnar den första - "ryska" - perioden av kreativitet, namngiven så inte efter bostadsorten (sedan 1910 bodde Stravinsky utomlands under lång tid och 1914 bosatte sig i Schweiz), men tack vare särdragen hos musikaliskt tänkande som dök upp på den tiden, djupt väsentligt nationellt. Stravinskij vände sig till rysk folklore, vars olika lager bröts på ett mycket märkligt sätt i musiken till var och en av baletterna. Eldfågeln imponerar med sin sprudlande generositet av orkesterfärger, ljusa kontraster av poetiska runddanstexter och eldiga danser. I "Petrushka", kallad av A. Benois "balettmule", stadsmelodier, populära i början av århundradet, ljud, vaknar den bullriga brokiga bilden av fastelavnsfestligheterna till liv, som motarbetas av den lidandes ensamma gestalt Petrusjka. Den antika hedniska offerriten bestämde innehållet i den "heliga våren", som förkroppsligade den elementära impulsen för vårens förnyelse, förstörelsens och skapelsens mäktiga krafter. Kompositören, som kastar sig in i folklorearkaismens djup, förnyar så radikalt det musikaliska språket och bilderna att baletten gjorde intrycket av en exploderande bomb på hans samtid. "Giant Lighthouse of the XX century" kallade det den italienska kompositören A. Casella.
Under dessa år komponerade Stravinskij intensivt och arbetade ofta med flera verk som var helt olika till karaktär och stil på en gång. Det var till exempel de ryska koreografiska scenerna Bröllopet (1914-23), som på något sätt ekade The Rite of Spring, och den utsökt lyriska operan Näktergalen (1914). Sagan om räven, tuppen, katten och fåret, som återupplivar traditionerna från buffonteatern (1917), ligger i anslutning till The Story of a Soldier (1918), där ryska melos redan börjar neutraliseras och faller in i sfären av konstruktivism och jazzelement.
1920 flyttade Stravinsky till Frankrike och 1934 tog han franskt medborgarskap. Det var en period av extremt rik kreativ och utövande verksamhet. För den yngre generationen franska kompositörer blev Stravinsky den högsta auktoriteten, "musikaliska mästaren". Men misslyckandet med hans kandidatur till den franska konstakademin (1936), de ständigt stärkta affärsbanden med USA, där han två gånger framgångsrikt gav konserter och 1939 höll en kurs med föreläsningar om estetik vid Harvard University – allt detta fick honom att flytta i början av andra världskriget i Amerika. Han bosatte sig i Hollywood (Kalifornien) och accepterade 1945 amerikanskt medborgarskap.
Början av den "parisiska" perioden för Stravinsky sammanföll med en skarp vändning mot nyklassicism, även om den övergripande bilden av hans verk på det hela taget var ganska brokig. Med utgångspunkt i baletten Pulcinella (1920) till musik av G. Pergolesi skapade han en hel serie verk i nyklassisk stil: baletterna Apollo Musagete (1928), Playing Cards (1936), Orpheus (1947); opera-oratoriet Oedipus Rex (1927); melodraman Persephone (1938); operan The Rake's Progress (1951); Oktett för blåsare (1923), Psalmsymfoni (1930), Konsert för violin och orkester (1931) m.fl. Stravinskys nyklassicism har en universell karaktär. Kompositören modellerar olika musikstilar från epoken JB Lully, JS Bach, KV Gluck, i syfte att etablera "ordningens dominans över kaos." Detta är karakteristiskt för Stravinsky, som alltid utmärktes av sin strävan efter en strikt rationell kreativitetsdisciplin, som inte tillät känslomässiga översvämningar. Ja, och själva processen att komponera musik Stravinsky genomfördes inte på ett infall, utan "dagligen, regelbundet, som en person med officiell tid."
Det var dessa egenskaper som bestämde det speciella med nästa steg av kreativ evolution. På 50-60-talet. kompositören kastar sig in i musiken från före-Bach-eran, vänder sig till bibliska, kultiska intriger och börjar från 1953 tillämpa en stelbent konstruktiv dodekafonisk kompositteknik. Sacred Hymn in Honor of the Apostle Mark (1955), balett Agon (1957), Gesualdo di Venosas 400-årsjubileumsmonument för orkester (1960), kantat-allegori Syndfloden i andan av 1962-talets engelska mysterier. (1966), Requiem ("Chants for the Dead", XNUMX) – det här är de viktigaste verken på denna tid.
Stravinskys stil i dem blir mer och mer asketisk, konstruktivt neutral, även om kompositören själv talar om bevarandet av det nationella ursprunget i sitt verk: ”Jag har pratat ryska hela mitt liv, jag har en rysk stil. Kanske i min musik är detta inte direkt synligt, men det är inneboende i det, det ligger i dess dolda natur. En av Stravinskys sista kompositioner var en kanon på temat för den ryska sången "Not the Pine at the Gates Swayed", som användes tidigare i finalen av baletten "Firebird".
På så sätt, efter att ha fullbordat sitt liv och sin kreativa väg, återvände kompositören till ursprunget, till musik som personifierade det avlägsna ryska förflutna, vars längtan alltid fanns någonstans i hjärtats djup, ibland slog igenom i uttalanden, och särskilt intensifierades efter det. Stravinskijs besök i Sovjetunionen hösten 1962. Det var då han yttrade de betydelsefulla orden: "En person har en födelseort, ett hemland – och födelseorten är huvudfaktorn i hans liv."
O. Averyanova
- Lista över större verk av Stravinsky →
