Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov |

Nikolai Rimsky-Korsakov

Varken hans talang, hans energi, eller hans gränslösa välvilja mot sina elever och kamrater, försvagades någonsin. En sådan persons härliga liv och djupt nationella verksamhet borde vara vår stolthet och glädje. … hur mycket kan påpekas i hela musikhistorien av så hög natur, så stora artister och så extraordinära människor som Rimsky-Korsakov? V. Stasov

Nästan 10 år efter öppnandet av det första ryska konservatoriet i S:t Petersburg, hösten 1871, dök en ny professor i komposition och orkestrering upp inom dess väggar. Trots sin ungdom – han var i sitt tjugoåttonde år – hade han redan blivit berömd som författare till originalkompositioner för orkester: Ouvertyrer på ryska teman, Fantasier på teman för serbiska folkvisor, en symfonisk bild baserad på det ryska eposet " Sadko" och en svit på handlingen i en orientalisk saga "Antar" . Dessutom skrevs många romanser, och arbetet med den historiska operan The Maid of Pskov var i full gång. Ingen kunde ha föreställt sig (i alla fall konservatoriets direktör, som bjöd in N. Rimsky-Korsakov) att han blev en tonsättare med nästan ingen musikalisk utbildning.

Rimsky-Korsakov föddes i en familj långt ifrån konstnärliga intressen. Föräldrar, enligt familjetraditionen, förberedde pojken för tjänst i flottan (farbrorn och storebror var sjömän). Även om musikaliska förmågor avslöjades mycket tidigt, fanns det ingen som på allvar studerade i en liten provinsstad. Pianolektioner gavs av en granne, sedan en bekant guvernant och en elev till denna guvernant. Musikaliska intryck kompletterades med folksånger framförda av en amatörmamma och farbror och kultsång i Tikhvin-klostret.

I S:t Petersburg, dit Rimskij-Korsakov kom för att skriva in sig i marinkåren, besöker han operahuset och vid konserter känner han igen Ivan Susanin och Glinkas Ruslan och Lyudmila, Beethovens symfonier. I St. Petersburg har han äntligen en riktig lärare – en utmärkt pianist och utbildad musiker F. Canille. Han rådde den begåvade studenten att själv komponera musik, introducerade honom för M. Balakirev, kring vilken unga kompositörer grupperade sig – M. Mussorgsky, C. Cui, senare A. Borodin anslöt sig till dem (Balakirevs krets gick till historien under namnet ”Mighty Handful ”).

Ingen av "Kuchkisterna" gick inte en kurs med speciell musikalisk utbildning. Systemet med vilket Balakirev förberedde dem för oberoende kreativ aktivitet var följande: han föreslog omedelbart ett ansvarsfullt ämne, och sedan, under hans ledning, i gemensamma diskussioner, parallellt med studiet av verk av stora kompositörer, alla svårigheter som uppstod. i färd med att komponera löstes.

Sjuttonåriga Rimsky-Korsakov fick rådet av Balakirev att börja med en symfoni. Samtidigt var det meningen att den unge kompositören, som tog examen från sjöförsvarskåren, skulle ge sig av på en resa runt jorden. Han återvände till musik och konstvänner först efter 3 år. Genial talang hjälpte Rimsky-Korsakov att snabbt bemästra den musikaliska formen och ljusa färgstarka orkestrering och komponerande tekniker, förbi skolans grunder. Efter att ha skapat komplexa symfoniska partiturer och arbetat på en opera, kände kompositören inte till grunderna i musikvetenskap och var inte bekant med den nödvändiga terminologin. Och plötsligt ett erbjudande om att undervisa på konservatoriet! .. "Om jag lärde mig ens en liten bit, om jag visste ens lite mer än jag verkligen visste, då skulle det stå klart för mig att jag inte kan och inte har rätt att ta upp den föreslagna poängen är att bli professor skulle vara både dumt och skrupelfritt från min sida, ”mindes Rimsky-Korsakov. Men inte oärlighet, utan det högsta ansvaret, visade han, och började lära sig själva grunderna som han skulle lära ut.

Rimsky-Korsakovs estetiska åsikter och världsbild bildades på 1860-talet. under inflytande av "Mighty Handful" och dess ideolog V. Stasov. Samtidigt bestämdes den nationella grunden, den demokratiska inriktningen, huvudteman och bilder av hans verk. Under det kommande decenniet är Rimsky-Korsakovs verksamhet mångfacetterad: han undervisar vid konservatoriet, förbättrar sin egen komponeringsteknik (skriver kanoner, fuga), innehar ställningen som inspektör för blåsorkestern vid marindepartementet (1873-84) och dirigerar symfoni. konserter, ersätter direktören för Fria Musikskolan Balakirev och förbereder för publicering (tillsammans med Balakirev och Lyadov) partituren till både Glinkas operor, spelar in och harmoniserar folksånger (den första samlingen publicerades 1876, den andra – 1882).

En vädjan till rysk musikalisk folklore, såväl som en detaljerad studie av Glinkas operapartitur i färd med att förbereda dem för publicering, hjälpte kompositören att övervinna spekulativiteten hos några av hans kompositioner, som uppstod som ett resultat av intensiva studier i kompositionsteknik. Två operor skrivna efter Pigan av Pskov (1872) — Majnatt (1879) och Snöjungfrun (1881) — förkroppsligade Rimsky-Korsakovs kärlek till folkritualer och folksång och hans panteistiska världsbild.

Kreativiteten hos kompositören på 80-talet. huvudsakligen representerade av symfoniska verk: "Sagan" (1880), Sinfonietta (1885) och Piano Concerto (1883), samt den berömda "Spanska Capriccio" (1887) och "Scheherazade" (1888). Samtidigt arbetade Rimsky-Korsakov i Hovkören. Men han ägnar det mesta av sin tid och energi åt att förbereda framförandet och publiceringen av sina bortgångna vänners operor – Mussorgskijs Khovanshchina och Borodins Prins Igor. Det är troligt att detta intensiva arbete med operapartitur ledde till att Rimsky-Korsakovs eget verk utvecklades under dessa år i den symfoniska sfären.

Kompositören återvände till operan först 1889, efter att ha skapat den förtrollande Mlada (1889-90). Sedan mitten av 90-talet. den ena efter den andra följs av Natten före jul (1895), Sadko (1896), prologen till Pigan av Pskov — enaktaren Boyar Vera Sheloga och Tsarens brud (båda 1898). På 1900-talet skapas Sagan om tsar Saltan (1900), Servilia (1901), Pan-guvernören (1903), Sagan om den osynliga staden Kitezh (1904) och Den gyllene tuppen (1907).

Under hela sitt kreativa liv vände sig kompositören även till sångtexter. I 79 av hans romanser presenteras poesi av A. Pushkin, M. Lermontov, AK Tolstoy, L. May, A. Fet och från utländska författare J. Byron och G. Heine.

Innehållet i Rimsky-Korsakovs arbete är mångsidigt: det avslöjade också det folkhistoriska temat ("Kvinnan från Pskov", "Legenden om den osynliga staden Kitezh"), textsfären ("Tsarens brud", " Servilia") och vardagsdrama ("Pan Voyevoda"), återspeglade bilderna från öst ("Antar", "Scheherazade"), förkroppsligade funktionerna i andra musikkulturer ("Serbian Fantasy", "Spansk Capriccio", etc.) . Men mer utmärkande för Rimsky-Korsakov är fantasi, sagolikhet, olika kopplingar till folkkonst.

Kompositören skapade ett helt galleri av unika i sin charm, rena, varsamt lyriska kvinnobilder – både verkliga och fantastiska (Pannochka i "May Night", Snegurochka, Martha i "Tsar's Bride", Fevronia i "Sagan om den osynliga staden". of Kitezh") , bilder av folksångare (Lel i "The Snow Maiden", Nezhata i "Sadko").

Bildades på 1860-talet. kompositören förblev trogen progressiva sociala ideal hela sitt liv. På tröskeln till den första ryska revolutionen 1905 och under reaktionsperioden som följde den skrev Rimskij-Korsakov operorna Kashchei the Immortal (1902) och The Golden Cockerel, vilka uppfattades som ett fördömande av den politiska stagnation som rådde i Ryssland.

Kompositörens kreativa väg varade i mer än 40 år. In i det som en efterträdare till traditionerna i Glinka, han och på XX-talet. representerar rysk konst på ett adekvat sätt i världens musikkultur. Rimsky-Korsakovs kreativa och musikaliskt-offentliga verksamhet är mångfacetterad: kompositör och dirigent, författare till teoretiska verk och recensioner, redaktör för verk av Dargomyzhsky, Mussorgsky och Borodin, han hade ett starkt inflytande på utvecklingen av rysk musik.

Under 37 års undervisning vid konservatoriet undervisade han mer än 200 kompositörer: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofiev och andra. Utvecklingen av orientaliska teman av Rimsky-Korsakov ("Antar", "Scheherazade", "Golden Cockerel") var av ovärderlig betydelse för utvecklingen av nationella musikkulturer i Transkaukasien och Centralasien, och olika havslandskap ("Sadko", "Sheherazade" ”, ”Sagan om Tsar Saltan”, romansernas cykel ”By the Sea” etc.) bestämde mycket i fransmannen C. Debussys och italienaren O. Respighis friluftsljudmålning.

E. Gordeeva

Verket av Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov är ett unikt fenomen i den ryska musikkulturens historia. Poängen ligger inte bara i hans verks enorma konstnärliga betydelse, kolossala volym, sällsynta mångsidighet, utan också i det faktum att kompositörens verk nästan helt täcker en mycket dynamisk era i rysk historia – från bondereformen till perioden mellan revolutionerna. Ett av de första verken av den unga musikern var instrumenteringen av Dargomyzhskys just avslutade Stengästen, mästarens sista större verk, Den gyllene tuppen, går tillbaka till 1906-1907: operan komponerades samtidigt med Skrjabins Poem of Ecstasy, Rachmaninovs andra symfoni; bara fyra år skiljer premiären av The Golden Cockerel (1909) från premiären av Stravinskys The Rite of Spring, två från Prokofjevs debut som kompositör.

Således utgör Rimsky-Korsakovs verk, rent kronologiskt, så att säga kärnan i rysk klassisk musik, som förbinder kopplingen mellan Glinka-Dargomyzhskys era och XNUMXth århundradet. Genom att syntetisera prestationerna från S:t Petersburg-skolan från Glinka till Lyadov och Glazunov, absorbera mycket från erfarenheterna från muskoviter – Tjajkovskij, Taneyev, kompositörer som uppträdde vid XNUMX- och XNUMX-talets skiftning, var den alltid öppen för nya konstnärliga trender, inhemska och utländska.

En heltäckande, systematiserande karaktär är inneboende i alla riktningar av Rimsky-Korsakovs verk – kompositör, lärare, teoretiker, dirigent, redaktör. Hans livsaktivitet som helhet är en komplex värld, som jag skulle vilja kalla "Rimsky-Korsakov-kosmos". Syftet med denna aktivitet är att samla in, fokusera huvuddragen i det nationella musikaliska och, mer allmänt, konstnärligt medvetande, och i slutändan att återskapa en integrerad bild av den ryska världsbilden (naturligtvis i dess personliga, "Korsakovianska" brytning). Denna sammankomst är oupplösligt kopplad till den personliga, författarens evolution, precis som processen att undervisa, utbilda – inte bara direkta elever, utan hela den musikaliska miljön – med självutbildning, självutbildning.

AN Rimsky-Korsakov, tonsättarens son, på tal om den ständigt förnyande mångfalden av uppgifter som lösts av Rimsky-Korsakov, beskrev framgångsrikt konstnärens liv som en "pufferliknande sammanvävning av trådar." Han reflekterade över vad som fick den briljanta musikern att ägna en orimligt stor del av sin tid och energi åt "sido" typer av utbildningsarbete, och pekade på "en tydlig medvetenhet om sin plikt gentemot rysk musik och musiker." "Service"- nyckelordet i Rimskij-Korsakovs liv, precis som "bekännelse" - i Mussorgskijs liv.

Man tror att rysk musik från andra hälften av 1860-talet tydligt tenderar att tillgodogöra sig prestationerna från andra konster som är samtida med den, särskilt litteratur: därav preferensen för "verbala" genrer (från romantik, sång till opera, kronan av kreativa ambitioner för alla kompositörer av XNUMXs generation), och i instrumentell – en bred utveckling av principen om programmering. Men nu blir det mer och mer uppenbart att den världsbild som skapats av rysk klassisk musik inte alls är identisk med dem inom litteratur, måleri eller arkitektur. Särdragen i tillväxten av den ryska kompositörskolan är förknippade både med musikens särdrag som konstform och med musikens speciella ställning i den nationella kulturen på XNUMX-talet, med dess speciella uppgifter för att förstå livet.

Den historiska och kulturella situationen i Ryssland förutbestämde en kolossal klyfta mellan de människor som enligt Glinka "skapar musik" och de som ville "arrangera" den. Brottningen var djupgående, tragiskt oåterkallelig, och dess konsekvenser märks än i dag. Men å andra sidan innehöll ryska folkets mångskiktade kumulativa auditiva erfarenhet outtömliga möjligheter för konstens rörelse och tillväxt. Kanske uttrycktes "upptäckten av Ryssland" i musiken med den största kraften, eftersom grunden för dess språk - intonation - är den mest organiska manifestationen av den individuella mänskliga och etniska, ett koncentrerat uttryck för folkets andliga upplevelse. Den "multipelstrukturen" av den nationella intonationsmiljön i Ryssland i mitten av förr seklet är en av förutsättningarna för innovationen av den ryska professionella musikskolan. Att samlas i ett enda fokus av flerriktade trender – relativt sett, från hedniska, protoslaviska rötter till de senaste idéerna inom västeuropeisk musikromantik, de mest avancerade teknikerna inom musikteknik – är ett karakteristiskt drag för rysk musik under andra hälften av XNUMXth århundradet. Under denna period lämnar den äntligen kraften i tillämpade funktioner och blir en världsbild i ljud.

När vi ofta talar om Mussorgskys, Balakirevs, Borodins sextiotal, tycks vi glömma att Rimsky-Korsakov tillhör samma era. Samtidigt är det svårt att hitta en konstnär som är mer trogen sin tids högsta och renaste ideal.

De som kände Rimsky-Korsakov senare – på 80-, 90-, 1900-talen – tröttnade aldrig på att bli förvånade över hur hårt han prosaiserade sig själv och sitt arbete. Därav de frekventa domarna om hans naturs "torrhet", hans "akademism", "rationalism", etc. Detta är faktiskt typiskt för sextiotalet, kombinerat med undvikandet av överdrivet patos i förhållande till den egna personligheten, kännetecknande för en rysk konstnär. En av Rimsky-Korsakovs elever, MF Gnesin, uttryckte tanken att konstnären, i en ständig kamp med sig själv och med omgivningen, med smakerna från sin tid, ibland verkade hårdna, i vissa av sina uttalanden bli ännu lägre än han själv. Detta måste man ha i åtanke när man tolkar kompositörens uttalanden. Tydligen förtjänar anmärkningen från en annan student till Rimsky-Korsakov, AV Ossovsky, ännu mer uppmärksamhet: svårighetsgraden, fångenheten i introspektion, självkontroll, som alltid följde med konstnärens väg, var sådan att en person med mindre talang helt enkelt kunde inte stå ut med de där "pauserna", de experimenten som han ständigt ägnade sig åt: författaren till The Maid of Pskov, som en skolpojke, sätter sig i harmoni med problem, författaren till The Snow Maiden missar inte en enda föreställning av Wagner-operor , författaren till Sadko skriver Mozart och Salieri, professorn akademikern skapar Kashchei, etc. Och detta kom också från Rimsky-Korsakov, inte bara från naturen, utan också från eran.

Hans sociala aktivitet var alltid mycket hög, och hans aktivitet kännetecknades av fullständig ointresse och odelad hängivenhet till idén om offentlig plikt. Men till skillnad från Mussorgskij är Rimskij-Korsakov inte en "populist" i termens specifika, historiska mening. I folkets problem såg han alltid, med början på Pigan av Pskov och dikten Sadko, inte så mycket det historiska och sociala som det odelbara och eviga. Jämfört med Tjajkovskijs eller Mussorgskijs dokument i Rimskij-Korsakovs brev finns det i hans krönika få kärleksförklaringar till folket och till Ryssland, men som konstnär hade han en kolossal känsla av nationell värdighet och i messianismen av Rysk konst, i synnerhet musik, var han inte mindre säker än Mussorgsky.

Alla Kuchkister kännetecknades av ett sådant drag av sextiotalet som en oändlig nyfikenhet till livets fenomen, en evig tankeångest. I Rimsky-Korsakov fokuserade den i allra högsta grad på naturen, uppfattad som elementens och människans enhet, och på konsten som den högsta förkroppsligandet av sådan enhet. Liksom Mussorgskij och Borodin strävade han stadigt efter "positiv", "positiv" kunskap om världen. I sin önskan att grundligt studera musikvetenskapens alla områden utgick han från den ståndpunkten – i vilken han (liksom Mussorgsky) mycket bestämt, ibland till naivitetsgraden, trodde att det i konsten finns lagar (normer) som är lika objektiva. , universell som i vetenskapen. inte bara smakpreferenser.

Som ett resultat omfattade Rimsky-Korsakovs estetiska och teoretiska verksamhet nästan alla kunskapsområden om musik och utvecklades till ett komplett system. Dess komponenter är: läran om harmoni, läran om instrumentering (båda i form av stora teoretiska verk), estetik och form (noteringar från 1890-talet, kritiska artiklar), folklore (samlingar av arrangemang av folkvisor och exempel på kreativ förståelse av folkmotiv i kompositioner), undervisning om mode (ett stort teoretiskt verk om forntida former förstördes av författaren, men en kort version av det har överlevt, liksom exempel på tolkningen av forntida sätt i arrangemang av kyrksånger), polyfoni (överväganden uttryckta i brev, i samtal med Yastrebtsev, etc., och även kreativa exempel), musikalisk utbildning och organisation av musiklivet (artiklar, men främst pedagogisk och pedagogisk verksamhet). På alla dessa områden uttryckte Rimsky-Korsakov djärva idéer, vars nyhet ofta döljs av en strikt, koncis form av presentation.

"Skaparen av Pskovityanka och den gyllene tuppen var inte en retrograd. Han var en innovatör, men en som strävade efter klassisk fullständighet och proportionalitet av musikaliska element ”(Zuckerman VA). Enligt Rimsky-Korsakov är allt nytt möjligt inom vilket område som helst under villkoren av en genetisk koppling till det förflutna, logik, semantisk villkorlighet och arkitektonisk organisation. Sådan är hans doktrin om harmonins funktionalitet, där logiska funktioner kan representeras av konsonanser av olika strukturer; sådan är hans doktrin om instrumentering, som inleds med frasen: "Det finns inga dåliga ljud i orkestern." Det system för musikalisk utbildning som han föreslagit är ovanligt progressivt, där inlärningssättet i första hand är förknippat med arten av elevens begåvning och tillgången till vissa metoder för levande musikframställning.

Epigrafen till hans bok om läraren MF Gnesin satte frasen från Rimsky-Korsakovs brev till sin mor: "Titta på stjärnorna, men titta inte och fall inte." Denna till synes slumpmässiga fras av en ung kadett från sjöförsvarskåren kännetecknar anmärkningsvärt Rimsky-Korsakovs ställning som konstnär i framtiden. Evangeliets liknelse om två budbärare kanske passar hans personlighet, av vilka den ene omedelbart sa "Jag vill gå" - och inte gick, och den andra först sa "Jag kommer inte att gå" - och gick (Matt., XXI, 28- 31).

Under loppet av Rimsky-Korsakovs karriär finns det faktiskt många motsättningar mellan "ord" och "gärningar". Till exempel var det ingen som så häftigt skällde ut Kutjkismen och dess brister (det räcker för att påminna om utropet från ett brev till Krutikov: "Åh, rysk sammansättningоry – Stasovs betoning – de är skyldiga sig själva sin bristande utbildning! ”, En hel rad kränkande uttalanden i Krönikan om Mussorgskij, om Balakirev, etc.) – och ingen var så konsekvent i att upprätthålla, försvara de grundläggande estetiska principerna för Kuchkism och alla hans kreativa prestationer: 1907, några månader innan vid sin död kallade Rimsky-Korsakov sig själv "den mest övertygade Kutjkist". Få människor var så kritiska till den "nya tiden" i allmänhet och i grunden nya fenomen inom musikkulturen vid sekelskiftet och i början av 80-talet – och svarade samtidigt så djupt och fullständigt på de andliga kraven från ny era ("Kashchey", "Kitezh", "The Golden Cockerel" och andra i kompositörens senare verk). Rimskij-Korsakov på 90-talet – tidiga XNUMX talade ibland mycket hårt om Tjajkovskij och hans riktning – och han lärde sig ständigt av sin antipod: Rimskij-Korsakovs arbete, hans pedagogiska verksamhet, var utan tvekan den huvudsakliga länken mellan St. Petersburg och Moskva skolor. Korsakovs kritik av Wagner och hans operareformer är ännu mer förödande, och under tiden accepterade han, bland ryska musiker, Wagners idéer och reagerade kreativt på dem. Slutligen framhöll ingen av de ryska musikerna så konsekvent sin religiösa agnosticism i ord, och få lyckades skapa så djupa bilder av folktro i sitt verk.

De dominerande i Rimsky-Korsakovs konstnärliga världsbild var den "universella känslan" (hans eget uttryck) och tänkandets brett uppfattade mytologi. I kapitlet från krönikan tillägnad The Snow Maiden formulerade han sin kreativa process på följande sätt: "Jag lyssnade till rösterna från naturen och folkkonsten och naturen och tog det de sjöng och föreslog som grund för mitt arbete." Konstnärens uppmärksamhet var mest fokuserad på de stora fenomenen i kosmos – himlen, havet, solen, stjärnorna och på de stora fenomenen i människors liv – födelse, kärlek, död. Detta motsvarar all Rimsky-Korsakovs estetiska terminologi, i synnerhet hans favoritord - "begrundande". Hans anteckningar om estetik öppnar med påståendet om konst som en "sfär av kontemplativ aktivitet", där föremålet för kontemplation är "den mänskliga andens och naturens liv, uttryckt i deras ömsesidiga relationer". Tillsammans med den mänskliga andens och naturens enhet bekräftar konstnären enheten i innehållet i alla typer av konst (i denna mening är hans eget verk förvisso synkretiskt, fastän på andra grunder än till exempel Mussorgskys verk, som också hävdade att konsten bara skiljer sig i material, men inte i uppgifter och syften). Rimsky-Korsakovs egna ord skulle kunna sättas som ett motto för allt Rimsky-Korsakovs arbete: "Representationen av det vackra är representationen av oändlig komplexitet." Samtidigt var han inte främmande för den tidiga kutjkismens favoritterm - "konstnärlig sanning", han protesterade bara mot den inskränkta, dogmatiska förståelsen av den.

Dragen av Rimsky-Korsakovs estetik ledde till diskrepansen mellan hans arbete och offentliga smaker. I förhållande till honom är det lika legitimt att tala om obegriplighet, som i förhållande till Mussorgskij. Mussorgskij, mer än Rimskij-Korsakov, motsvarade sin era när det gäller typen av talang, i riktning mot intressen (allmänt sett folkets historia och individens psykologi), men radikalismen i hans beslut visade sig att vara bortom sina samtidas kapacitet. Hos Rimsky-Korsakovs missförstånd var inte så akut, men inte mindre djupgående.

Hans liv verkade vara mycket lyckligt: ​​en underbar familj, utmärkt utbildning, en spännande resa runt om i världen, den lysande framgången med hans första kompositioner, ett ovanligt framgångsrikt personligt liv, möjligheten att ägna sig helt åt musik, därefter universell respekt och glädje att se tillväxten av begåvade elever omkring honom. Ändå, från den andra operan och fram till slutet av 90-talet, stod Rimsky-Korsakov ständigt inför ett missförstånd av både "hans" och "dem". Kutjkisterna ansåg honom vara en icke-operakompositör, inte skicklig i dramaturgi och sångskrivning. Under lång tid fanns det en åsikt om bristen på originalmelodi i honom. Rimsky-Korsakov erkändes för sin skicklighet, särskilt inom orkesterområdet, men inget mer. Detta utdragna missförstånd var i själva verket huvudorsaken till den svåra kris som kompositören upplevde under tiden efter Borodins död och den Mighty Handfuls slutliga kollaps som kreativ riktning. Och först från slutet av 90-talet blev Rimsky-Korsakovs konst mer och mer i samklang med eran och möttes av erkännande och förståelse bland den nya ryska intelligentian.

Denna process att bemästra konstnärens idéer av det allmänna medvetandet avbröts av efterföljande händelser i Rysslands historia. I decennier tolkades Rimskij-Korsakovs konst (och förkroppsligades, om vi talar om scenförverkliganden av hans operor) på ett mycket förenklat sätt. Det mest värdefulla i det - filosofin om människans och kosmos enhetens enhet, idén om att dyrka världens skönhet och mysterium förblev begravda under de felaktigt tolkade kategorierna "nationalitet" och "realism". Ödet för Rimskij-Korsakovs arv i denna mening är naturligtvis inte unikt: till exempel Mussorgskijs operor utsattes för ännu större förvrängningar. Men om det på senare tid har förekommit dispyter kring Mussorgskijs gestalt och verk, har arvet efter Rimskij-Korsakov varit i hedervärd glömska under de senaste decennierna. Den erkändes för alla fördelarna med en akademisk ordning, men den verkade falla ur det allmänna medvetandet. Rimsky-Korsakovs musik spelas sällan; i de fall hans operor går upp på scenen vittnar de flesta av dramatiseringarna – rent dekorativa, lummiga eller folkligt sagolika – om ett avgörande missförstånd av kompositörens idéer.

Det är betydelsefullt att om det finns en enorm modern litteratur om Mussorgskij på alla större europeiska språk, så är allvarliga verk om Rimskij-Korsakov mycket få. Förutom de gamla böckerna av I. Markevich, R. Hoffmann, N. Giles van der Pals, populära biografier, samt flera intressanta artiklar av amerikanska och engelska musikforskare om särskilda frågor av kompositörens verk, kan man bara nämna ett antal av verk av den främsta västerländska specialisten på Rimsky-Korsakov, Gerald Abraham. Resultatet av hans många års studier var tydligen en artikel om kompositören till den nya upplagan av Grove's Encyclopedic Dictionary (1980). Dess huvudsakliga bestämmelser är följande: som operakompositör led Rimsky-Korsakov av en total avsaknad av dramatisk stil, en oförmåga att skapa karaktärer; istället för musikdramer skrev han förtjusande musikaliska och sceniska sagor; istället för karaktärer agerar charmiga fantastiska dockor i dem; hans symfoniska verk är inget annat än "mycket färgglada mosaiker", medan han inte alls behärskade vokalt skrivande.

I sin monografi om Glinka noterar OE Levasheva samma fenomen av oförståelse i förhållande till Glinkas musik, klassiskt harmonisk, samlad och full av ädel återhållsamhet, mycket långt ifrån primitiva idéer om "rysk exotism" och verkar "inte tillräckligt nationell" för utländska kritiker . Inhemska tankar om musik, med några få undantag, kämpar inte bara inte mot en sådan syn på Rimskij-Korsakov – ganska vanlig även i Ryssland – utan förvärrar den ofta, understryker Rimskij-Korsakovs imaginära akademiska och odlar en falsk. motstånd mot Mussorgskijs innovation.

Kanske är tiden för världserkännande för Rimsky-Korsakovs konst fortfarande framför, och eran kommer när konstnärens verk, som skapade en integrerad, heltäckande bild av världen, arrangerad enligt lagarna om rationalitet, harmoni och skönhet , kommer att hitta sin egen, ryska Bayreuth, som Rimsky-Korsakovs samtida drömde om på tröskeln till 1917.

M. Rakhmanova

• Symfonisk kreativitet →
• Instrumentell kreativitet →
• Körkonst →
• Romanser →