Dmitry Bashkirov (Dmitri Bashkirov) |

Dmitri Bashkirov

Många av de unga musiker som träffades i början av femtiotalet på Moskvas konservatorium minns förmodligen det första framträdandet i klassrummets korridorer av en svartaktig, smal ung man med häftiga rörelser och livliga ansiktsuttryck i ett rörligt, uttrycksfullt ansikte. Hans namn var Dmitry Bashkirov, hans kamrater började snart kalla honom helt enkelt Delik. Lite var känt om honom. Det sades att han tog examen från den tioåriga musikskolan i Tbilisi under Anastasia Davidovna Virsaladze. En gång, vid ett av proven, hörde Alexander Borisovich Goldenweiser honom - han hörde, blev glad och rådde honom att slutföra sin utbildning i huvudstaden.

Goldenweisers nya elev var mycket begåvad; när man tittade på honom – en direkt, sällsynt känslomänniska – var det inte svårt att lägga märke till: så passionerat och osjälviskt, med ett så generöst självgivande, kan bara verkligt begåvade naturer reagera på miljön som han …

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov blev allmänt känd som konsertartist under åren. Redan 1955 mottog han Grand Prix vid tävlingen M. Long – J. Thibault i Paris; detta startade hans scenkarriär. Han har nu hundratals föreställningar bakom sig, han applåderades i Novosibirsk och Las Palmas, Chisinau och Philadelphia, i små Volga-städer och stora, världsberömda konserthus. Tiden har förändrats mycket i hans liv. Mycket mindre i hans karaktär. Han, som tidigare, är impulsiv, som om kvicksilver är föränderligt och snabbt, varje minut är han redo att ryckas med något, fatta eld ...

Egenskaperna för Bashkir-naturen, som nämndes, är tydligt synliga i hans konst. Färgerna i denna konst har inte bleknat och bleknat under åren, har inte förlorat sin rikedom, intensitet, iris. Pianisten spelar, som tidigare, exciterade; annars, hur kunde hon oroa sig? Kanske fanns det inget fall för någon att förebrå Bashkirov konstnären för likgiltighet, andlig apati, mättnad med kreativt sökande. För detta är han för rastlös som person och konstnär, ständigt brinner av någon form av outsläcklig inre eld. Detta kan vara orsaken till några av hans scenmisslyckanden. Utan tvekan, å andra sidan, är det just härifrån, från den kreativa rastlösheten och de flesta av hans prestationer.

På den musikkritiska pressens sidor kallas Bashkirov ofta för en romantisk pianist. Han representerar verkligen tydligt moderna romantik. (VV Sofronitsky, som pratade med V. Yu. Delson, släppte: "Det finns trots allt också modern romantik, och inte bara romantik från XNUMX-talet, håller du med?" (Minnen av Sofronitsky. S. 199.)). Vilken kompositör Bashkirov än tolkar – Bach eller Schumann, Haydn eller Brahms – känner han musiken som om den skapades idag. För konsertbesökare av hans typ är författaren alltid en samtid: hans känslor upplevs som hans egna, hans tankar blir hans egna. Det finns inget mer främmande för dessa konsertbesökare än stilisering, "representation", en fejk för arkaisk, en demonstration av en musealrelik. Detta är en sak: artistens musikaliska sensation vår epok, av vår dagar. Det finns något annat som också låter oss tala om Bashkirov som en typisk representant för samtida scenkonst.

Han har en exakt, mästerligt utformad pianism. Förr trodde man att romantiskt musikskapande är ohämmade impulser, spontana känsloutbrott, en extravaganza av färgglada, om än något formlösa ljudfläckar. Connoisseurs skrev att romantiska konstnärer dras mot "vaga, skimrande, oläsliga och dimmiga", att de är "långt ifrån smycken att rita av bagateller" (Martins KA Individuell pianoteknik. – M., 1966. S. 105, 108.). Nu har tiderna förändrats. Kriterier, bedömningar, smaker har ändrats. I en tid av obönhörligt strikt grammofoninspelning, radio- och tv-sändningar, förlåts inte ljud "nebulosor" och "vagheter" av någon, till någon och under några omständigheter. Bashkirov, en romantiker i våra dagar, är modern, bland annat genom den noggranna "gjorda" av sin uppträdande apparat, den skickliga felsökningen av alla dess detaljer och länkar.

Det är därför hans musik är bra och kräver ovillkorlig fullständighet av den yttre dekorationen, "smycketeckning av bagateller". Listan över hans uppträdande framgångar öppnas av sådant som Debussys preludier, Chopins mazurkas, "Fleeting" och Prokofievs fjärde sonat, Schumanns "Colored Leaves", Fantasia och fis-moll roman, mycket från Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel . Det finns många intressanta saker som lockar lyssnare i hans klassiska repertoar – Bach (f-mollkonsert), Haydn (Es-dursonat), Mozart (konserter: nionde, fjortonde, sjuttonde, tjugofjärde), Beethoven (sonater: " Lunar”, “Pastoral”, Artonde, konserter: Första, Tredje, Femte). Med ett ord, allt som vinner i Bashkirovs scenöverföring är där det i förgrunden finns ett elegant och tydligt ljudmönster, ett elegant jagande av instrumentell textur.

(Tidigare sades det att de som spelar piano, som målare, använder olika tekniker för att "skriva": vissa gillar en vässad ljudpenna, andra gillar gouache eller akvarell, och andra gillar oljefärger med tunga pedaler. Bashkirov förknippas ofta med med en pianist-gravör: tunt ljudmönster på en ljus känslomässig bakgrund...)

Liksom många verkligt begåvade människor råkar Bashkirov förändras av kreativ lycka. Han vet hur man är självkritisk: ”Jag tror att jag lyckades med den här pjäsen”, kan man höra från honom efter konserten, ”men den här är inte det. Spänningen kom i vägen ... Något "skiftade", visade sig vara ur "fokus" - inte som det var tänkt. Det är känt att spänningen stör alla – debutanter och mästare, musiker, skådespelare och till och med författare. "Den minut då jag själv är som mest upphetsad är inte den då jag kan skriva saker som berör tittaren," medgav Stendhal; han ekas i detta av många röster. Och ändå, för vissa, är spänningen fylld av stora hinder och problem, för andra mindre. Lätt upphetsade, nervösa, expansiva naturer har det svårare.

I stunder av stor spänning på scenen påskyndar Bashkirov, trots sin vilja, uppträdandet, faller i viss spänning. Detta händer vanligtvis i början av hans föreställningar. Så småningom blir hans spel dock normalt, ljudformer får klarhet, linjer – självförtroende och precision; med ett erfaret öra kan man alltid fånga när en pianist lyckas få ner en våg av överdriven scenångest. Ett intressant experiment sattes upp av en slump vid en av Bashkirovs kvällar. Han spelade samma musik två gånger i rad – finalen i Mozarts fjortonde pianokonsert. Första gången – lite hastigt och upprymt, andra (för extranummer) – mer återhållsamt i takt, med mer lugn och självkontroll. Det var intressant att se hur läget varminus spänning”förvandlade spelet, gav ett annat, högre konstnärligt resultat.

Bashkirovs tolkningar har lite gemensamt med de vanliga schablonerna, välbekanta prestationsprover; detta är deras uppenbara fördel. De kan vara (och är) kontroversiella, men inte färglösa, för subjektiva, men inte otippade. På artistens konserter är det nästan omöjligt att möta likgiltiga människor, han tilltalas inte med de artiga och obetydliga lovord som vanligtvis ges till medelmåttighet. Bashkirovs konst accepteras antingen varmt och entusiastiskt, eller, med inte mindre glöd och intresse, diskuterar de med pianisten, håller inte med honom på något sätt och inte håller med honom. Som konstnär är han bekant med den kreativa "motsättningen"; i princip kan och bör detta tillgodoräknas.

Vissa säger: i Bashkirovs spel, säger de, finns det mycket yttre; han är ibland teatralisk, pretentiös... Förmodligen finns det i sådana uttalanden, bortsett från helt naturliga smakskillnader, ett missförstånd av själva karaktären av hans föreställning. Är det möjligt att inte ta hänsyn till de individuella typologiska dragen hos den eller den konstnärliga | personlighet? Konsertanten Bashkirov – sådan är hans natur – såg alltid effektivt ut utifrån; ljust och ljust uppenbarade sig i det yttre; vad som skulle vara en scenshow-off eller ett klibbande för en annan, han har bara ett organiskt och naturligt uttryck för sitt kreativa "jag". (Världsteatern minns Sarah Bernhardt med sina nästan excentriska scenmanier, minns den blygsamma, ibland oansenliga utåt sett Olga Osipovna Sadovskaja – i båda fallen var det verklig, stor konst.) leda in i en avlägsen, nästan omöjlig undertext. Om vi ​​ska ta ställning som en kritiker, då snarare vid ett annat tillfälle.

Ja, pianistens konst ger publiken öppna och starka känslor. Bra kvalitet! På konsertscenen möter man ofta en brist på det, snarare än ett överskott. (Vanligtvis "faller de till kort" i manifestationen av känslor, och inte vice versa.) Men i hans psykologiska tillstånd – extatisk spänning, impulsivitet, etc. – var Bashkirov ibland, åtminstone tidigare, något enhetlig. Som illustration kan man anföra hans tolkning av Glazunovs b-mollsonat: den råkade sakna episk, bredd. Eller Brahms andra konsert – bakom passionernas bländande ljusa fyrverkerier, under tidigare år, kändes inte alltid konstnärens inåtvända reflektion i den. Från Bashkirovs tolkningar fanns ett glödhett uttryck, en ström av hög nervös spänning. Och lyssnaren började ibland känna ett sug efter modulering till andra, mer avlägsna känslotonaliteter, till andra, mer kontrasterande känslorsfärer.

Men pratar nu om tidigare den tidigare. Människor som är väl bekanta med Bashkirovs scenkonst hittar ständigt förändringar, förändringar och intressanta konstnärliga transformationer i honom. Antingen kan man se urvalet av artistens repertoar mer exakt, eller så avslöjas tidigare okända metoder för uttrycksfullhet (på senare år har till exempel de långsamma delarna av klassiska sonatcykler på något sätt låtit särskilt rena och själfulla). Utan tvekan är hans konst berikad med nya upptäckter, mer komplexa och varierande känslomässiga nyanser. Detta kunde särskilt ses i Bashkirovs framförande av konserterna av KFE, Fantasia och Sonata i c-moll av Mozart, pianoversionen av violinkonserten, op. 1987 av Beethoven, etc.)

Bashkirov är en bra samtalspartner. Han är naturligt nyfiken och nyfiken; han är intresserad av många saker; idag, liksom i sin ungdom, tittar han noga på allt som har med konsten att göra, med livet. Dessutom vet Bashkirov hur man tydligt och tydligt formulerar sina tankar - det är ingen slump att han publicerade flera artiklar om problemen med musikalisk prestation.

"Jag har alltid sagt," anmärkte Dmitry Alexandrovich en gång i ett samtal, "att i scenkreativitet bestäms det viktigaste och viktigaste av själva lagret av konstnärens talang - hans individuella personliga egenskaper och egenskaper. Det är med detta som artistens förhållningssätt till vissa konstnärliga fenomen, tolkningen av enskilda verk, hänger ihop. Kritiker och en del av allmänheten tar ibland inte hänsyn till denna omständighet – att bedöma konstnärens spel abstrakt, baserat på hur de genom att Jag skulle älska att höra musiken som spelas. Detta är helt falskt.

Med åren tror jag generellt mindre och mindre på att det finns några frusna och entydiga formler. Till exempel – hur det är nödvändigt (eller tvärtom inte nödvändigt) att tolka en sådan och en författare, en sådan och en uppsats. Övning visar att prestationsbeslut kan vara väldigt olika och lika övertygande. Fast det betyder förstås inte att konstnären har rätt till egenvilja eller stilistiskt godtycke.

En annan fråga. Är det nödvändigt vid mognadstillfället, med 20-30 års yrkeserfarenhet bakom sig, att spela piano? merän i ungdomen? Eller vice versa – är det rimligare att minska intensiteten i arbetsbelastningen med åldern? Det finns olika åsikter och synpunkter på detta. "Det verkar för mig att svaret här bara kan vara rent individuellt", tror Bashkirov. ”Det finns artister som vi kallar födda virtuoser; de behöver verkligen mindre ansträngning för att hålla sig i god form. Och det finns andra. De som aldrig fått något bara sådär förstås utan ansträngning. Naturligtvis måste de arbeta outtröttligt hela livet. Och på senare år ännu mer än i ungdomen.

Egentligen måste jag säga att bland de stora musikerna träffade jag nästan aldrig de som med åren, med åldern, skulle försvaga sina krav på sig själva. Vanligtvis händer det motsatta."

Sedan 1957 har Bashkirov undervisat vid Moskvas konservatorium. Med tiden ökar dessutom pedagogikens roll och betydelse för honom alltmer. ”I min ungdom prunkade jag ofta med att, säger de, jag hade tid med allt – både undervisning och förberedelser inför konsertframträdanden. Och att det ena inte bara inte är ett hinder för det andra, utan kanske till och med tvärtom: det ena stöder, förstärker det andra. Idag skulle jag inte argumentera för detta... Tid och ålder gör fortfarande sina egna justeringar – du kan inte utvärdera något annorlunda. Nuförtiden tenderar jag att tro att undervisning skapar vissa svårigheter för konsertframförande, begränsar det. Här finns en konflikt som du ständigt försöker lösa och tyvärr inte alltid framgångsrikt.

Det som sagts ovan innebär givetvis inte att jag ifrågasätter nödvändigheten eller ändamålsenligheten av pedagogiskt arbete för mig själv. Aldrig! Det har blivit en så viktig, integrerad del av min tillvaro att det inte finns några dilemman kring det. Jag anger bara fakta som de är.”

För närvarande ger Bashkirov cirka 55 konserter per säsong. Denna siffra är ganska stabil för honom och har praktiskt taget inte förändrats på ett antal år. ”Jag vet att det finns människor som presterar mycket mer. Jag ser inget förvånande i detta: alla har olika reserv av energi, uthållighet, fysisk och mental styrka. Huvudsaken tror jag inte är hur mycket man ska spela, utan hur. Det vill säga att det konstnärliga värdet av föreställningar är viktigt först och främst. För känslan av ansvar för det man gör på scenen växer hela tiden.

Idag, fortsätter Dmitry Aleksandrovich, är det mycket svårt att inta en värdig plats på den internationella musik- och uppträdandescenen. Behöver spela tillräckligt ofta; spela i olika städer och länder; köra olika program. Och, naturligtvis, ge allt. på en ganska hög professionell nivå. Endast under sådana förhållanden kommer konstnären, som de säger, att vara i sikte. För någon som sysslar med pedagogik är det förstås svårare än för en icke-lärare. Därför ignorerar många unga konsertbesökare undervisning. Och någonstans kan de förstås – med tanke på den ständigt ökande konkurrensen i den konstnärliga världen …”

För att återgå till samtalet om sitt eget pedagogiska arbete, säger Bashkirov att han i allmänhet känner sig helt lycklig i det. Glad för att han har elever, kreativ kommunikation som gav honom – och fortsätter att leverera – stor glädje. "Om du tittar på de bästa av dem, måste du erkänna att vägen till berömmelse inte var beströdd med rosor för någon. Har de åstadkommit något så är det mest genom egna ansträngningar. Och förmågan att kreativ självutveckling (vilket jag anser är det viktigaste för en musiker). Min konstnärlig livskraft de bevisade inte genom serienumret på den eller den tävlingen, utan genom att de spelar idag på scenerna i många länder i världen.

Jag skulle vilja säga ett speciellt ord om några av mina elever. Ganska kort. Bokstavligen med några få ord.

Dmitry Alekseev. Jag gillar det i den intern konfliktsom jag som hans lärare känner väl. Konflikt i ordets bästa mening. Det kanske inte är särskilt synligt vid första anblicken – hellre dolt än iögonfallande, men det finns, existerar, och det är väldigt viktigt. Alekseev är tydligt medveten om sina styrkor och svagheter, han förstår att kampen mellan dem och innebär att gå framåt i vårt yrke. Denna rörelse kan flyta med honom, liksom med andra, smidigt och jämnt, eller så kan den ta formen av kriser och oväntade genombrott till nya kreativa sfärer. Det spelar ingen roll hur. Det är viktigt att musikern går framåt. Om Dmitry Alekseev, förefaller det mig, kan detta sägas utan rädsla för att falla i överdrift. Hans höga internationella prestige är ingen tillfällighet.

Nikolai Demidenko. Det fanns en något nedlåtande attityd mot honom en gång. Vissa trodde inte på hans konstnärliga framtid. Vad kan jag säga om detta? Det är känt att vissa artister mognar tidigare, snabbare (ibland mognar de till och med för snabbt, som några av nördarna som brinner ut för tillfället), för andra går denna process långsammare, lugnare. Det tar år för dem att helt utvecklas, mogna, stå på egna ben, ta fram det bästa de har... Idag har Nikolay Demidenko en rik träning, han spelar mycket i olika städer i vårt land och utomlands. Jag får inte höra honom så ofta, men när jag går på hans framträdanden ser jag att många saker han gör nu inte är riktigt som tidigare. Ibland känner jag nästan inte igen i hans tolkning av de verk som vi passerade i klassen. Och för mig, som lärare, är detta den största belöningen...

Sergey Erokhin. Vid VIII Tchaikovsky-tävlingen var han bland pristagarna, men situationen vid denna tävling var mycket svår för honom: han hade just demobiliserats från den sovjetiska arméns led och var naturligtvis långt ifrån sin bästa kreativa form. Under tiden som gått sedan tävlingen har Sergei gjort, tycker jag, mycket stora framgångar. Låt mig åtminstone påminna er om hans andra pris vid en tävling i Santander (Spanien), om vilken en av de inflytelserika Madrid-tidningarna skrev: "Sergey Erokhins prestationer var inte bara värda förstapriset, utan hela tävlingen." Kort sagt, jag tvivlar inte på att Sergei har en ljus konstnärlig framtid. Dessutom föddes han, enligt min mening, inte för tävlingar, utan för konsertscenen.

Alexander Bondurjanskij. Han ägnade sig helt åt kammarmusik. Under ett antal år har Alexander uppträtt som en del av Moskvatrion och befäst det med sin vilja, entusiasm, hängivenhet, hängivenhet och höga professionalism. Jag följer hans verksamhet med intresse, jag blir övertygad om och om igen hur viktigt det är för en musiker att hitta sin egen väg. Jag skulle vilja tro att utgångspunkten för Bondurjanskijs intresse för kammarensemblemusikskapande var hans observation av mitt gemensamma skapande arbete i en trio med I. Bezrodny och M. Khomitser.

Eiro Heinonen. Hemma, i Finland, är han en av de mest kända pianisterna och lärarna (nu är han professor vid Sibelius-Akademin i Helsingfors). Jag minns med glädje mina möten med honom.

Dang Thai Sean. Jag studerade med honom när han var doktorand vid Moskvas konservatorium; träffade honom senare. Jag fick oerhört trevliga intryck från kontakter med Sean – en person och en artist. Han är smart, intelligent, charmig och otroligt begåvad. Det fanns en tid då han upplevde något som liknade en kris: han befann sig i ett slutet utrymme av en enda stil, och även där såg han ibland inte särskilt mångsidig och mångfacetterad ut... Sean övervann till stor del denna krisperiod; djupet i det framförande tänkandet, omfattningen av känslor, dramatiken dök upp i hans spel ... Han har en magnifik pianistisk nutid och utan tvekan en inte mindre avundsvärd framtid.

Det finns andra intressanta, lovande unga musiker i min klass idag. Men de växer fortfarande. Därför kommer jag att avstå från att prata om dem.

Som alla begåvade lärare har Bashkirov sin egen stil att arbeta med elever. Han gillar inte att vända sig till abstrakta kategorier och begrepp i klassrummet, han tycker inte om att gå långt bort från det arbete som studeras. Använder sällan, med sina egna ord, paralleller med andra konster, liksom vissa av hans kollegor. Han utgår från det faktum att musik, den mest universella av alla konstformer, har sina egna lagar, sina egna "regler", sin egen konstnärliga särart; försöker därför leda eleven till en rent musikalisk lösning genom sfären icke-musikalisk är något konstgjorda. När det gäller analogier med litteratur, måleri etc. kan de bara ge en impuls till att förstå den musikaliska bilden, men inte ersätta den med något annat. Det händer att dessa analogier och paralleller till och med orsakar en del skada på musiken – de förenklar det... ”Jag tycker att det är bättre att förklara för eleven vad man vill med hjälp av ansiktsuttryck, en dirigents gest och, naturligtvis, en livevisning på tangentbordet.

Men du kan undervisa på det här sättet och på det sättet... Återigen, det kan inte finnas en enda och universell formel i det här fallet."

Han återvänder ständigt och ihärdigt till denna tanke: det finns inget värre än partiskhet, dogmatism, endimensionalitet i synen på konst. "Musikens värld, i synnerhet performance och pedagogik, är oändligt mångfaldig. Här kan och måste de mest skilda värdeområdena, konstnärliga sanningar och specifika kreativa lösningar samexistera fullt ut. Det händer att vissa argumenterar så här: Jag gillar det – det betyder att det är bra; Om du inte gillar det, så är det definitivt dåligt. Sådan, så att säga, logik är djupt främmande för mig. Jag försöker göra det främmande för mina elever också.”

... Ovan talade Bashkirov om den interna konflikten hos sin student Dmitry Alekseev - konflikt "i ordets bästa mening", vilket "betyder att gå framåt i vårt yrke." De som känner Dmitry Alexandrovich nära kommer att hålla med om att, först och främst, en sådan konflikt är märkbar i honom själv. Det var hon som, i kombination med fängslande stränghet mot sig själv (En gång, för 7-8 år sedan, sa Bashkirov att han brukade ge sig själv något i stil med betyg för prestationer: "Poäng, för att säga sanningen, är vanligtvis låga ... Om ett år måste ge dussintals konserter. Jag är verkligen nöjd i bästa fall med några ... "I detta sammanhang kommer en episod ofrivilligt att tänka på, som GG Neuhaus gärna minns:" Leopold Godovsky, min ärofulla lärare, sa en gång till mig: "Jag gav den här säsongen 83 konserter, och du vet hur många jag var nöjd med? – tre! (Neigauz GG Reflektioner, minnen, dagböcker // Utvalda artiklar. Brev till föräldrar. S. 107).) – och hjälpte honom att bli en av de mest framstående figurerna inom pianismen i sin generation; det är hon som kommer att ge konstnären, det råder ingen tvekan, många fler kreativa upptäckter.

G. Tsypin, 1990