Avet Rubenovich Terterian (Avet Terterian) |

Terterian Avet

… Avet Terteryan är en kompositör för vilken symfonism är ett naturligt uttrycksmedel. K. Meyer

Det finns verkligen dagar och ögonblick som psykologiskt och känslomässigt överväger många och många år, blir någon slags vändpunkt i en persons liv, bestämmer hans öde, yrke. För en tolvårig pojke, senare den berömda sovjetiska kompositören Avet Terteryan, blev dagarna för Sergej Prokofjevs och hans vänners vistelse i Avets föräldrars hus i Baku, i slutet av 1941, så korta, men intensiva. . Prokofievs sätt att hålla sig, prata, uttrycka sin åsikt öppet, definitivt tydligt och börja varje dag med jobbet. Och så komponerade han operan "Krig och fred", och på morgonen rusade de fantastiska, lysande ljuden av musik från vardagsrummet, där pianot stod.

Gästerna lämnade, men några år senare, när frågan uppstod om att välja yrke – om han skulle gå i sin fars fotspår till en läkarutbildning eller välja något annat – bestämde sig den unge mannen bestämt – till en musikskola. Avet fick sin grundläggande musikaliska utbildning från en familj som var extremt musikalisk – hans far, en välkänd laryngolog i Baku, blev då och då inbjuden att sjunga titelrollerna i operorna av P. Tchaikovsky och G. Verdi, hans mor hade en utmärkt dramatisk sopran, hans yngre bror Herman blev därefter dirigent.

Den armeniske kompositören A. Satyan, författare till mycket populära sånger i Armenien, liksom den välkände läraren G. Litinsky, medan han var i Baku, rådde starkt Terteryan att åka till Jerevan och på allvar studera komposition. Och snart gick Avet in i Yerevans konservatorium, i kompositionsklassen E. Mirzoyan. Under sina studier skrev han Sonaten för cello och piano, som belönades med ett pris vid den republikanska tävlingen och vid All-Union Review of Young Composers, romanser på ord från ryska och armeniska poeter, kvartetten i C-dur, vokal-symfonisk cykel "Motherland" – ett verk som ger honom en verklig framgång, belönades med All-Union Prize vid Young Composers Competition 1962, och ett år senare, under ledning av A. Zhuraitis, låter det i Hall of Kolumner.

Efter den första framgången kom de första försöken i samband med den sång-symfoniska cykeln som kallas "Revolution". Den första föreställningen av verket var också den sista. Arbetet var dock inte förgäves. De anmärkningsvärda verserna av den armeniska poeten, revolutionens sångare, Yeghishe Charents, fångade kompositörens fantasi med sin kraftfulla kraft, historiska ljud, publicistiska intensitet. Det var då, under perioden av kreativt misslyckande, som en intensiv ansamling av krafter ägde rum och huvudtemat för kreativitet bildades. Sedan, vid 35 års ålder, visste kompositören med säkerhet – om du inte har det, bör du inte ens ägna dig åt komposition, och i framtiden kommer han att bevisa fördelen med denna syn: sitt eget huvudtema ... Det uppstod i sammanslagning av begreppen - moderlandet och revolutionen, dialektisk medvetenhet om dessa kvantiteter, dramatiska karaktären av deras interaktion. Idén att skriva en opera genomsyrad av de höga moraliska motiven i Charents poesi skickade kompositören på jakt efter en skarp revolutionär handling. Journalisten V. Shakhnazaryan, lockad till att arbeta som librittist, föreslog snart – B. Lavrenevs berättelse "Forty-First". Operans handling överfördes till Armenien, där revolutionära strider pågick samma år i bergen i Zangezur. Hjältarna var en bondflicka och en löjtnant från de tidigare förrevolutionära trupperna. Charents passionerade verser hördes i operan av läsaren, i kören och i solopartier.

Operan fick ett brett gensvar, erkändes som ett ljust, begåvat, innovativt verk. Några år efter premiären i Jerevan (1967) spelades den på teaterscenen i Halle (DDR), och 1978 öppnade den den internationella festivalen för GF Handel, som hålls årligen i kompositörens hemland.

Efter att ha skapat operan skriver kompositören 6 symfonier. Möjligheten till filosofisk förståelse i de symfoniska utrymmena i samma bilder, samma teman attraherar honom särskilt. Sedan dyker baletten ”Richard III” baserad på W. Shakespeare, operan ”Jordbävning” baserad på den tyske författaren G. Kleists berättelse ”Jordbävning i Chile” och återigen symfonierna – sjunde, åttonde – upp. Den som åtminstone en gång noggrant lyssnat på någon symfoni av Terteryaia kommer senare lätt att känna igen hans musik. Det är specifikt, rumsligt, kräver fokuserad uppmärksamhet. Här är varje framträdande ljud en bild i sig, en idé, och vi följer med obruten uppmärksamhet dess vidare rörelse, som en hjältes öde. Symfoniernas ljudbild når nästan scenisk uttrycksfullhet: ljudmasken, ljudaktören, som också är en poetisk metafor, och vi reder ut dess innebörd. Terteryans verk uppmuntrar lyssnaren att vända sin inre blick mot livets sanna värden, till dess eviga källor, att tänka på världens bräcklighet och dess skönhet. Därför visar sig de poetiska topparna i Terterians symfonier och operor alltid vara de enklaste melodiska fraserna av folkligt ursprung, framförda antingen av rösten, den mest naturliga av instrumenten eller av folkliga instrument. Så här låter den andra delen av den andra symfonin – en monofonisk barytonimprovisation; ett avsnitt ur den tredje symfonin – en ensemble av två duduker och två zurner; melodin av kamancha som genomsyrar hela cykeln i den femte symfonin; dapa-fest i den sjunde; på den sjätte toppen kommer det att finnas en kör, där det istället för ord finns ljuden av det armeniska alfabetet "ayb, ben, gim, dan", etc. som en slags symbol för upplysning och andlighet. De enklaste, verkar det, symbolerna, men de har en djup betydelse. I detta ekar Terteryans verk konsten av sådana konstnärer som A. Tarkovsky och S. Parajanov. Vad handlar dina symfonier om? frågar lyssnarna Terteryan. "Om allt", svarar kompositören och låter alla förstå innehållet.

Terterians symfonier framförs på de mest prestigefyllda internationella musikfestivalerna – i Zagreb, där en recension av samtida musik hålls varje vår, på "Warszawas höst", i Västberlin. De låter också i vårt land – i Jerevan, Moskva, Leningrad, Tbilisi, Minsk, Tallinn, Novosibirsk, Saratov, Tasjkent … För en dirigent öppnar Terteryans musik möjligheten att använda sin kreativa potential som musiker väldigt brett. Utövaren verkar här ingå i medförfattarskapet. En intressant detalj: symfonier, beroende på tolkningen, på förmågan, som kompositören säger, att "lyssna på ljudet", kan pågå under olika tider. Hans fjärde symfoni lät både 22 och 30 minuter, den sjunde – och 27 och 38! Ett sådant aktivt, kreativt samarbete med kompositören inkluderade D. Khanjyan, en underbar tolkare av hans första fyra symfonier. G. Rozhdestvensky, i vars lysande framförande det fjärde och femte ljudet, A. Lazarev, i vars framförande den sjätte symfonin låter imponerande, skriven för kammarorkester, kammarkör och 4 fonogram med en inspelning av en stor symfoniorkester, cembalo och cembalo. klockspel.

Terteryans musik inbjuder också lyssnaren till medverkan. Dess ledande mål är att förena både kompositörens, artistens och lyssnarens andliga ansträngningar i en outtröttlig och svår insikt om livet.

M. Rukhkyan