Andrey Yakovlevich Eshpay |

Andrey Eshpay

En enda harmoni – en föränderlig värld … Varje nations röst bör ljuda i planetens polyfoni, och detta är möjligt om en konstnär – författare, målare, kompositör – uttrycker sina tankar och känslor på sitt modersmål. Ju mer nationell en konstnär är, desto mer individuell är han. A. Eshpay

På många sätt förutbestämde konstnärens biografi en vördnadsfull touch till originalet i konsten. Kompositörens far, Y. Eshpay, en av grundarna av Mari professionell musik, ingav sin son en kärlek till folkkonst med sitt osjälviska arbete. Enligt A. Eshpay, "Far var betydelsefull, djup, intelligent och taktfull, mycket blygsam – en sann musiker som var kapabel till självförnekelse. Han var en stor kännare av folklore och tycktes gå åt sidan som författare, eftersom han såg sin plikt att förmedla folktankens skönhet och storhet till människor. Han insåg att det var omöjligt att passa Mari-pentatonskalan ... till något annat harmoniskt och oberoende, men främmande för folkkonstsystem. Jag kan alltid känna igen originalet från min fars verk.”

A. Eshpay från barndomen absorberade folkloren från olika folk i Volga-regionen, hela det lyriskt-episka systemet i den hårda ugriska regionen. Kriget blev ett speciellt tragiskt tema i kompositörens liv och arbete - han förlorade sin äldre bror, vars minne är tillägnat den vackra låten "Muscovites" ("Örhänge med Malaya Bronna"), vänner. I spaningsplutonen deltog Eshpay i befrielsen av Warszawa, i Berlinoperationen. Musiklektioner som avbrutits av kriget återupptogs vid Moskvas konservatorium, där Eshpay studerade komposition med N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev och piano med V. Sofronitsky. Han avslutade sina forskarstudier under ledning av A. Khachaturian 1956.

Vid denna tid skapades Symphonic Dances on Mari Themes (1951), Ungerska melodier för violin och orkester (1952), Första pianokonserten (1954, 2:a upplagan – 1987), Första violinkonserten (1956). Dessa verk gav kompositören stor berömmelse, öppnade huvudteman i hans verk, bröt kreativt föreskrifterna från hans lärare. Det är karakteristiskt att Khachaturian, som ingjutit honom, enligt kompositören, en "smak för skala", till stor del påverkade Eshpais idéer om konsertgenren.

Särskilt vägledande är den första violinkonserten med dess temperamentsfulla explosivitet, friskhet, omedelbarhet i uttrycket av känslor, öppna vädjan till folk- och genrevokabulär. Eshpay står också Khachaturian nära med sin kärlek till M. Ravels stil, vilket var särskilt uttalat i hans pianoverk (Första Pianokonserten, Första Pianosonatina – 1948). Harmoni, friskhet, emotionell smittsamhet och koloristisk generositet förenar också dessa mästare.

Temat Myaskovsky är en speciell del i Eshpays arbete. Etiska ståndpunkter, själva bilden av en enastående sovjetisk musiker, en sann bevarare och reformator av tradition, visade sig vara ett ideal för hans anhängare. Kompositören förblir trogen Myaskovskys föreskrift: "att vara uppriktig, ivrig mot konst och leda sin egen linje." Minnesverk till minne av Myaskovsky är förknippade med lärarens namn: Orgel Passacaglia (1950), Variationer för orkester på ett tema av Myaskovskys sextonde symfoni (1966), Andra violinkonsert (1977), Violakonsert (1987-88), där materialet från orgeln Passacaglia användes. Myaskovskys inflytande på Eshpays inställning till folklore var mycket betydande: efter sin lärare kom kompositören till en symbolisk tolkning av folksånger, till sammansmältningen av olika traditionella skikt i kulturen. Namnet Myaskovsky är också förknippat med en vädjan till en annan viktig tradition för Eshpay, som upprepas i många kompositioner, som börjar med baletten "Circle" ("Kom ihåg!" - 1979), - Znamenny sång. Först och främst, i den fjärde (1980), femte (1986), sjätte (“Liturgical” Symphony (1988), Choral Concerto (1988) personifierar den först och främst den harmoniska, upplysta etosprincipen, de ursprungliga egenskaperna hos nationell självmedvetenhet, den ryska kulturens grundläggande principer.Särskild betydelse får ett annat viktigt tema i Eshpays verk – lyriskt.Förankrat i det traditionella, förvandlas det aldrig till individualistiskt godtycke, dess omistliga egenskaper betonas återhållsamhet och stringens, objektivitet i uttrycket, och ofta ett direkt samband med medborgerliga intonationer.

Lösningen på det militära temat, minnesmärkets genrer, vädjan till vändande händelser – oavsett om det är krig, historiska minnesvärda datum – är märklig, och texterna är alltid närvarande i deras förståelse. Sådana verk som den första (1959), den andra (1962) symfonierna, genomsyrade av ljus (den förstas epigraf – orden av V. Majakovskijs "Vi måste riva glädje från de kommande dagarna", epigrafen från den andra - "Beröm". till ljuset"), kantaten "Lenin med oss" (1968), som är känd för sin affischliknande catchy, retoriska ljusstyrka i uttrycket och samtidigt det finaste lyriska landskapet, lade grunden för en originell stilistisk sammansmältning av oratorisk och lyrisk, objektiv och personlig, betydelsefull för kompositörens huvudverk. Enheten av "gråt och ära, medlidande och beröm" (D. Likhachev), så betydelsefull för den antika ryska kulturen, fortsätter i olika genrer. Särskilt framträdande är den tredje symfonin (Till minne av min far, 1964), den andra violin- och violakonserten, ett slags stor cykel – den fjärde, femte och sjätte symfonin, körkonserten. Med åren får innebörden av det lyriska temat symboliska och filosofiska övertoner, mer och mer rening från allt yttre, subjektivt-ytligt, minnesmärket är klätt i form av en liknelse. Det är betydelsefullt att byta det lyriska temat från sago-folklore och romantisk-heroisk berättelse i baletten Angara (1975) till det generaliserade bildspråket i varningsbaletten Circle (Remember!). Den universella betydelsen av verk-dedikationer genomsyrade av en tragisk, ibland sorgsen mening, blir mer och mer uppenbar. Den ökade uppfattningen om den moderna världens konfliktkaraktär och känsligheten hos den konstnärliga reaktionen på denna egenskap överensstämmer med kompositörens ansvar för arv och kultur. Kvintessensen av bildspråk är "Songs of the Mountain and Meadow Mari" (1983). Denna komposition, tillsammans med konserten för oboe och orkester (1982), belönades med Leninpriset.

Objektiv-lyrisk intonation och "kör"-ljud färgar tolkningen av konsertgenren, som förkroppsligar den individuella principen. Uttryckt i olika former – ett minnesmärke, en meditativ handling, i återskapandet av folklore, i en vädjan till en omtänkt modell av en gammal concerto grosso, försvaras detta tema konsekvent av kompositören. Samtidigt utvecklar kompositören i konsertgenren, liksom i andra kompositioner, lekfulla motiv, festlighet, teatralitet, färgens ljushet och rytmens modiga energi. Detta märks särskilt i Concerto for Orchestra (1966), Second Piano (1972), Oboe (1982) Concertos, och Concerto for Saxophone (1985-86) kan kallas ett "porträtt av improvisation". ”En harmoni – en värld i förändring” – dessa ord från baletten ”Cirkel” skulle kunna fungera som en epigraf till mästarens verk. Överföringen av harmonisk, festlig i en konflikt och komplicerad värld är specifik för kompositören.

Samtidigt med förkroppsligandet av temat traditioner vänder sig Eshpay undantagslöst till det nya och det okända. Den organiska kombinationen av det traditionella och det nyskapande är inneboende både i synen på komponeringsprocessen och i kompositörens verk. Bredden och friheten i att förstå kreativa uppgifter återspeglas i själva förhållningssättet till genrematerial. Det är känt att jazztemat och vokabulären intar en speciell plats i kompositörens verk. Jazz för honom är på något sätt själva musikens väktare, såväl som folklore. Kompositören ägnade mycket uppmärksamhet åt mässsången och dess problem, lätt musik, filmkonst, som är viktig när det gäller dramatisk och uttrycksfull potential, en källa till självständiga idéer. Musikens värld och den levande verkligheten uppträder i ett organiskt förhållande: enligt kompositören är "musikens underbara värld inte sluten, inte isolerad, utan är bara en del av universum, vars namn är liv."

M. Lobanova