Analys av ett musikstycke efter specialitet

I den här artikeln kommer vi att prata om hur man förbereder sig för en speciallektion på en musikskola, och om vad läraren förväntar sig av en elev när han tilldelar analys av ett musikstycke som läxa.

Så, vad betyder det att plocka isär ett musikstycke? Det betyder att du utan att tveka börjar spela det lugnt enligt tonerna. För att göra detta räcker det förstås inte att bara gå igenom pjäsen en gång, synläsning, man måste jobba igenom något. Var börjar allt?

Steg 1. Preliminär bekantskap

Först och främst måste vi bli bekanta med kompositionen vi ska spela i allmänna termer. Vanligtvis räknar eleverna sidor först – det är roligt, men å andra sidan är det här ett affärsmässigt arbetssätt. Så om du är van vid att räkna sidor, räkna dem, men den första bekantskapen är inte begränsad till detta.

Medan du bläddrar i tonerna kan du även titta på om det finns upprepningar i stycket (musikgrafiken liknar den som var i början). Som regel är det upprepningar i de flesta pjäser, även om det inte alltid märks direkt. Om vi ​​vet att det finns en upprepning i en pjäs, så blir vårt liv lättare och vårt humör förbättras märkbart. Detta är naturligtvis ett skämt! Du ska alltid vara på gott humör!

Steg 2. Bestäm humör, bild och genre

Därefter måste du vara särskilt uppmärksam på titeln och författarens efternamn. Och du behöver inte skratta nu! Tyvärr blir alltför många unga musiker chockade när man ber dem att namnge vad de spelar. Nej, de säger att det här är en etyd, en sonat eller en pjäs. Men sonater, etuder och pjäser är skrivna av vissa tonsättare, och dessa sonater, etuder med pjäser har ibland titlar.

Och titeln berättar för oss som musiker vilken sorts musik som döljer sig bakom noterna. Till exempel, genom namnet kan vi bestämma huvudstämningen, dess tema och figurativa och konstnärliga innehåll. Till exempel, med titlarna "Höstregn" och "Blommor på ängen" förstår vi att vi har att göra med verk om naturen. Men om pjäsen heter "Ryttaren" eller "Snöjungfrun", så finns det helt klart någon form av musikporträtt här.

Ibland innehåller titeln ofta en indikation på någon musikgenre. Du kan läsa mer om genrer i artikeln "Huvudmusikaliska genrer", men svara nu: en soldatmarsch och en lyrisk vals är inte samma musik, eller hur?

Mars och vals är bara exempel på genrer (förresten, sonat och etud är också genrer) med egna särdrag. Du har förmodligen en bra uppfattning om hur marschmusik skiljer sig från valsmusik. Så, utan att ens spela en enda ton, bara genom att läsa titeln ordentligt, kan du redan säga något om stycket du ska spela.

För att mer exakt bestämma karaktären på ett musikstycke och dess stämning, och för att känna några genredrag, rekommenderas att hitta en inspelning av denna musik och lyssna på den med eller utan noter i handen. Samtidigt får du lära dig hur ett givet stycke ska låta.

Steg 3. Elementär analys av musiktexten

Allt är enkelt här. Här är tre grundläggande saker som du alltid bör göra: titta på nycklarna; bestämma tonalitet genom nyckeltecken; titta på tempo och taktarter.

Det är bara det att det finns sådana amatörer, även bland erfarna proffs, som både synläser och klottrar allt, men bara ser själva anteckningarna, utan att uppmärksamma vare sig nycklarna eller skyltarna... Och så undrar de varför de inte har Det är inga vackra melodier som kommer ur fingrarna, utan någon form av kontinuerlig kakofoni. Gör inte det, okej?

Förresten, för det första kan din egen kunskap om musikteori och erfarenhet av solfeggio hjälpa dig att bestämma tonaliteten med nyckeltecken, och för det andra, sådana användbara fuskblad som cirkeln av kvartofemtedelar eller en tonalitetstermometer. Låt oss gå vidare.

Steg 4. Vi spelar stycket från synen så gott vi kan

Jag upprepar – spela så gott du kan, från arket, rakt med båda händerna (om du är pianist). Huvudsaken är att komma till slutet utan att missa något. Låt det bli misstag, pauser, upprepningar och andra hakar, ditt mål är att bara dumt spela alla toner.

Detta är en så magisk ritual! Fallet kommer definitivt att bli framgångsrikt, men framgången börjar först efter att du har spelat hela pjäsen från början till slut, även om det blir fult. Det är okej – andra gången blir bättre!

Det är nödvändigt att förlora från början till slut, men du behöver inte stanna där, som de flesta elever gör. Dessa "elever" tror att de precis har gått igenom pjäsen och det var allt, liksom kom på det. Inget sånt här! Även om bara en patientuppspelning är användbar, måste du förstå att det är här det huvudsakliga arbetet börjar.

Steg 5. Bestäm typen av textur och lär dig biten i omgångar

Texture är ett sätt att presentera ett verk. Denna fråga är rent teknisk. När vi rörde verket med händerna blir det tydligt för oss att det finns sådana och sådana svårigheter förknippade med texturen.

Vanliga typer av textur: polyfonisk (polyfoni är fruktansvärt svårt, du måste spela inte bara med separata händer, utan också lära dig varje röst separat); ackord (ackord måste också läras in, speciellt om de går i högt tempo); passager (till exempel i etuden finns snabba skalor eller arpeggios – vi tittar också på varje passage separat); melodi + ackompanjemang (det säger sig självt, vi lär oss melodin separat, och vi tittar även på ackompanjemanget, vad det nu kan vara, separat).

Försumma aldrig att spela med enskilda händer. Att spela separat med höger hand och separat med vänster hand (igen, om du är pianist) är mycket viktigt. Först när vi räknar ut detaljerna får vi ett bra resultat.

Steg 6. Fingrar och tekniska övningar

Vad en normal, "genomsnittlig" analys av ett musikstycke i en specialitet aldrig kan klara sig utan är fingersättningsanalys. Tummen upp direkt (ge inte efter för frestelsen). Korrekt fingersättning hjälper dig att lära dig texten utantill snabbare och spela med färre stopp.

Vi bestämmer rätt fingrar för alla svåra ställen – speciellt där det finns skalliknande och arpeggioliknande progressioner. Här är det viktigt att helt enkelt förstå principen – hur en given passage är uppbyggd (efter ljuden i vilken skala eller av ljuden i vilket ackord – till exempel av ljuden från en treklang). Därefter måste hela passagen delas in i segment (varje segment – ​​innan du flyttar första fingret, om vi pratar om pianot) och lära dig att se dessa segment-positioner på klaviaturen. Texten är förresten lättare att komma ihåg så här!

Ja, vad handlar vi om pianister? Och andra musiker behöver göra något liknande. Till exempel använder blåsister ofta tekniken att simulera spel i sina lektioner – de lär sig fingersättningen, trycker på rätt ventiler vid rätt tidpunkt, men blåser inte in luft i munstycket på sitt instrument. Detta hjälper i hög grad att hantera tekniska svårigheter. Ändå måste snabbt och rent spel tränas.

Steg 7. Arbeta med rytmen

Tja, det är omöjligt att spela ett stycke i fel rytm – läraren kommer fortfarande att svära, vare sig du gillar det eller inte, måste du lära dig att spela rätt. Vi kan ge dig råd om följande: klassiker – spela med räkningen högt (som i första klass – det hjälper alltid); spela med en metronom (ställ dig själv ett rytmiskt rutnät och avvik inte från det); välj själv en liten rytmisk puls (till exempel åttondelsnoter – ta-ta, eller sextondelsnoter – ta-ta-ta-ta) och spela hela stycket med känslan av hur denna puls genomsyrar den, hur den fyller alla anteckningar vars varaktighet är längre än denna valda enhet; spela med betoning på den starka takten; spela, sträcka lite, som ett elastiskt band, sista slaget; var inte lat för att beräkna alla möjliga trillingar, prickade rytmer och synkoper.

Steg 8. Arbeta med melodi och frasering

Melodin måste spelas uttrycksfullt. Om melodin verkar konstig för dig (i verk av vissa kompositörer från 20-talet) – det är okej, du borde älska den och göra godis av den. Hon är vacker - bara ovanlig.

Det är viktigt för dig att spela melodin inte som en uppsättning ljud, utan som en melodi, det vill säga som en sekvens av meningsfulla fraser. Se efter om det finns fraser i texten – från dem kan vi ofta upptäcka början och slutet av en fras, men om din hörsel är bra kan du enkelt identifiera dem med din egen hörsel.

Det finns mycket mer som skulle kunna sägas här, men du vet själv mycket väl att fraser i musik är som att folk pratar. Frågor och svar, fråga och upprepning av en fråga, en fråga utan svar, historien om en person, uppmaningar och motiveringar, ett kort "nej" och ett långrandigt "ja" – allt detta finns i många musikaliska verk ( om de har en melodi). Din uppgift är att reda ut vad kompositören lagt in i sin musikaliska text.

Steg 9. Montering av biten

Det var för många steg och för många uppgifter. Faktum är att, och naturligtvis, du vet detta, att det inte finns någon gräns för förbättring... Men någon gång måste du sätta stopp för det. Om du har arbetat med pjäsen åtminstone lite innan du tog med den till lektionen, är det bra.

Huvuduppgiften med att analysera ett musikstycke är att lära sig att spela det i rad, så ditt sista steg är alltid att sätta ihop stycket och spela det från början till slut.

Det är därför! Vi spelar hela stycket från början till slut flera gånger till! Har du märkt att det nu är märkbart lättare att spela? Det betyder att ditt mål har uppnåtts. Du kan ta den till klassen!

Steg 10. Aerobatics

Det finns två aerobatiska alternativ för denna uppgift: det första är att lära sig texten utantill (du behöver inte tro att det här inte är verkligt, eftersom det är verkligt) – och det andra är att bestämma verkets form. Form är strukturen i ett verk. Vi har en separat artikel ägnad åt huvudformerna - "De vanligaste formerna av musikaliska verk."

Det är särskilt användbart att arbeta med formen om du spelar en sonat. Varför? För i sonatform finns en huvud- och en bistämma – två figurativa sfärer i ett verk. Du måste lära dig att hitta dem, bestämma deras början och slut, och korrelera var och en av dem i utställningen och i reprisen.

Det är också alltid användbart att dela upp framkallnings- eller mittdelen av ett stycke i delar. Låt oss säga att den kan bestå av två eller tre sektioner, byggda enligt olika principer – i en kan det finnas en ny melodi, i en annan – utvecklingen av redan hörda melodier, i den tredje – kan den helt bestå av skalor och arpeggion, etc.

Så vi har övervägt ett sådant problem som att analysera ett musikstycke ur ett performanceperspektiv. För enkelhetens skull föreställde vi oss hela processen som 10 steg mot målet. Nästa artikel kommer också att beröra ämnet att analysera musikaliska verk, men på ett annat sätt – som förberedelse för en lektion om musikalisk litteratur.