Historien om skapandet och utvecklingen av synthesizern

Vi vet alla mycket väl att pianot är väldigt mångsidigt som instrument, och synthesizern är bara en av dess aspekter, som radikalt skulle kunna förändra all musik, utöka dess kapacitet till gränser som klassiska kompositörer inte ens kunde föreställa sig. Få människor vet vilken väg man färdades innan den för oss bekanta synthesizern dök upp. Jag skyndar mig att fylla denna lucka.

Jag tror att det inte är värt att upprepa det triumferande talet om tekniska framsteg. Du kan läsa om pianots historia här.

Har du uppdaterat artikeln i ditt minne, läste den för första gången eller bestämde du dig för att ignorera den helt och hållet? Men det spelar ingen roll... Låt oss börja!

Historia: de första synthesizerna

Rötterna till ordet "syntes" kommer från begreppet "syntes", det vill säga skapandet av något (i vårt fall, ljud) från tidigare olika delar. En av dess nyckelegenskaper är att synthesizern kan återge inte bara ljuden från ett klassiskt piano (och förresten, även pianoljud kommer oftast att erbjudas i olika versioner), utan också att imitera ljudet från många andra instrument. De innehåller också elektroniska ljud som bara syntar kan återge. Men ju bättre instrumentet är, desto högre blir priset – detta skapar en balans och det är åtminstone logiskt.

Theremin

Skapandet av elektroniska instrument går tillbaka till slutet av XNUMX-talet, och här, till glädje för våra patriotiska känslor, noterade en rysk vetenskapsman Lev Theremin – det var hans sinne och händer som skapade ett av de första fullfjädrade instrumenten med fysikens och elektrisk krafts lagar, kända som theremin. Det var en ganska enkel och mobil design, som hittills inte har några analoger – detta är det enda instrumentet som spelas utan att ens röra det.

Musikern, som rör sina händer i utrymmet mellan instrumentets antenner, ändrar vibrationsvågorna och ändrar därmed också de toner som thereminen ger ifrån sig. Instrumentet anses vara ett av de svåraste att bemästra som någonsin skapats av mänskligheten – dess kontroll är inte uppenbar och kräver enastående auditiv data. Dessutom är ljudet som thereminen producerar, låt oss säga, ganska specifikt, men det är just för detta som det fortfarande uppskattas av musiker och används vid inspelning.

Tellermonium

Ett av de första elektroniska instrumenten, denna gång redan keyboards, kallades Tellermonium och uppfanns Thaddeus Cahill från Iowa. Och instrumentet, vars syfte var att ersätta kyrkorgeln, visade sig vara riktigt massivt: det vägde cirka 200 ton, bestod av 145 enorma elektriska generatorer och det tog 30 järnvägsvagnar att transportera det till New York. Men själva faktumet att det skapades visade vart musiken skulle röra sig, visade hur mycket mer tekniska framsteg som kan hjälpa konstens utveckling. De sa att Cahill före sin tid, de kallade honom ett obesjunget geni. Men trots alla charm med instrumentet hade det fortfarande utrymme att utvecklas: jag nämnde redan dess skrymmande, men dessutom orsakade det störningar på telefonlinjer, och dess ljudkvalitet var ganska medioker även enligt standarderna från början av XNUMX-talet.

Orgeln finns i Hammond

Naturligtvis ledde ett antal sådana storskaliga uppfinningar till deras utveckling. Nästa steg i utvecklingen av elektroniska instrument var den sk orgel på Hammond, vars skapare var en amerikan Laurence Hammond. Hans skapelse var mycket mindre än hans äldre bror Tellarmonium, men fortfarande långt ifrån miniatyr (instrumentet vägde lite mindre än 200 kilo).

Huvudfunktionen hos Hammondorgeln var att den hade speciella spakar som gjorde att du självständigt kunde blanda signalformerna och i slutändan producera dina egna stämda ljud, annorlunda än standardorgeln.

Instrumentet har nått erkännande – används ofta istället för en riktig orgel i amerikanska kyrkor, och det har också uppskattats av många jazz- och rockmusiker (The Beatles, Deep Purple, Yes och många andra). Intressant nog, när Hammond ombads att inte kalla sitt instrument för en orgel, avslogs begäran så småningom, eftersom kommissionen inte kunde skilja ljudet av en elektrisk orgel från ett riktigt blåsinstrument.

Konsert av ljud

Efter andra världskriget, som naturligtvis satte utvecklingen av musikinstrument på paus, var den enda betydelsefulla händelsen angående vårt ämne “Concert of Noises”levererad av fransmannen Pierre Henri и Pierre Schaeffer – Detta är en experimentell händelse, under vilken nya generatorer lades till Hammondorgeln, med hjälp av vilka han fick nya klangblock och radikalt förändrade sitt sound. Även om på grund av generatorernas skrymmande, kunde all handling bara ske i laboratorier, trots detta kan konserten betraktas som födelsen av en genre av avantgardemusik, som långsamt började populariseras.

Markera

RCA (Radio Corporation of America) gjorde det första försöket att skapa synthesizers som skulle vara ett steg framåt från Hammondorgeln, men modellerna skapade av företaget Markera I и Markera II vann inte framgång, återigen, på grund av sjukdomen hos alla elektroniska enheter på den tiden – dimensioner (synten upptog ett helt rum!) Och astronomiska priser, men de blev definitivt en ny milstolpe i utvecklingen av ljudsyntesteknologier.

minimoog

Det verkar som att utvecklingen är i full gång, men ingenjörerna lyckades fortfarande inte göra verktyget enkelt och prisvärt förrän de började jobba John Moog, ägaren till ett företag som tillverkar theremins som du redan vet, som äntligen på något sätt tog med sig synthesizern närmare enbart dödliga.

Mug kunde eliminera alla brister i prototyper genom att skapa minimoog – ett verkligt ikoniskt instrument som populariserade genren elektronisk musik. Det var kompakt, kostade, om än dyrt - $ 1500, men det här är den första synthesizern med två nollor i slutet av priset.

Dessutom hade Minimoog ett ljud som uppskattas av musiker än i dag – det är ljust och tätt, och det roligaste är att denna fördel är en konsekvens av en nackdel: synthesizern kunde inte behålla systemet under lång tid pga. vissa tekniska brister. Andra begränsningar var att instrumentet var monofoniskt, det vill säga att det bara kunde uppfatta en ton nedtryckt på klaviaturen (dvs. det fanns ingen möjlighet att spela ackord), och det var inte heller känsligt för kraften av att trycka på en tangent.

Men allt detta på den tiden kompenserades av den höga ljudkvaliteten, som fortfarande citeras av elektroniska musiker (en del, var säker, är redo att sälja sina själar för samma original Minimoog), och verkligt breda möjligheter för ljudmodulering. Projektet var så framgångsrikt att moog länge var ett känt namn: att säga ordet moog betydde vilken synthesizer som helst, inte bara det här företaget.

1960-e

Sedan början av 1960-talet har många företag dykt upp, som var och en har skapat sin egen nisch i skapandet av synthesizers: Sekventiell kretsar, E-mu, Roland, ARP, korg, Oberheim, och det här är inte hela listan. Analoga syntar har inte förändrats dramatiskt sedan dess, de är fortfarande uppskattade och väldigt dyra – modellerna var den klassiska typen av syntar som vi är vana vid.

Förresten, sovjetiska tillverkare släpade inte efter: i Sovjetunionen producerades nästan alla varor endast inhemskt, och instrument var inget undantag (även om någon lyckades transportera utländska gitarrer i enstaka exemplar, var det också ganska lagligt att köpa instrument från de allierade länderna i Warszawapakten – Tjeckoslovakiska Muzima eller bulgariska Orpheus, men detta gällde bara el- och basgitarrer). Sovjetiska syntar är mycket intressanta när det gäller ljud, Sovjetunionen hade till och med sin egen maestro av elektronisk musik, som till exempel Eduard Artemiev. De mest kända serierna var Aelita, Ungdom,  Lel, Elektronik EM.

Men världen, förutom tekniska framsteg, också drivs av mode, och vad konsten beträffar är den särskilt föremål för dess föränderlighet. Och, tyvärr eller lyckligtvis, men under en tid försvann intresset för elektronisk musik, och utvecklingen av nya modeller av synthesizers blev inte den mest lönsamma ockupationen.

New Wave (New Wave)

Men, som vi minns, har mode en egenhet att växla – vid tiden för början av 80-talet kom plötsligt den elektroniska boomen igen. Den här gången var elektronik inte längre något experimentellt (som det innovativa tyska projektet från 1970-talets Kraftwerk), utan blev tvärtom ett populärt fenomen, kallat Ny våg (Ny våg).

Det fanns sådana världsberömda grupper som Duran Duran, Depeche Mode, Pet Shop Boys, A-ha, vars musik var baserad på synthesizers, denna genre utvecklades till och med senare och, tillsammans med den, namnet synth-pop.

Musikerna i sådana grupper använde först bara synthesizers, ibland spädde de ut dem med ett gitarrljud. Sammansättningen av tre keyboardister (och de hade mer än en synthesizer vardera), en trummaskin och en sångare har blivit normen, men om skaparen av Tellarmonium kunde höra talas om det, skulle hans förvåning inte ha känt några gränser. Det var dansmusikens storhetstid, techno och houses era, födelsen av en helt ny subkultur.

MIDI (musikinstrumentets digitala gränssnitt)

Allt detta gav en ny impuls att lyfta den redan dammiga tekniken. Analog teknik ligger dock i hälarna på den digitala eran, nämligen framväxten av formatet MIDI (musikinstrumentets digitala gränssnitt). Detta följdes av uppkomsten av samplers, med vilka du självständigt kunde spela in de önskade ljuden och sedan spela upp dem med MIDI -tangentbord. Utvecklingen av MIDI-gränssnitt har avancerat så mycket att det i vår tid i princip redan räcker med att bara ha ett tangentbord, som i jämförelse med analoga modeller kostar praktiskt taget ingenting. Den kan anslutas till en dator (men datorn måste vara tillräckligt kraftfull) och, efter vissa enkla manipulationer, spela musik med speciella VST-program (Virtual Studio Technology).

Detta betyder dock inte att de gamla modellerna kommer att gå i glömska, eftersom pianot inte fick ett liknande öde, eller hur? Professionella elektroniska musiker uppskattar analogt mycket mer och tror att digitalt ljud fortfarande är väldigt långt ifrån det i kvalitet, och de som använder VST ses på med lätt förakt ...

Men om man jämför hur mycket utvecklingen av digital teknik har gått framåt och hur mycket ljudkvaliteten har vuxit, så kommer troligen analoga instrument att användas många gånger mindre ofta, även nu kan du ofta se keyboardister spela med bärbara datorer bredvid dem på konserter – framsteg, som vi ser, kommer aldrig att stå stilla.

Det är mycket viktigt att priser som en gång var astronomiska, förutom att förbättra ljudkvaliteten och variationen, nu har blivit ganska överkomliga. Så de billigaste synthesizers som återger ljud sämre än valborgsmässoafton och inte reagerar på kraften av att trycka på en tangent kommer att kosta cirka $50. Elitsynthesizers a la Moog Voyager Xl kan kosta från $ 5000, och i själva verket kan deras kostnad växa i det oändliga om du till exempel Jean-Michel Jarre och gör verktyget på beställning. Det är möjligt att jag går lite före mig själv, men jag skulle vilja rekommendera dig i förväg, om du vill köpa en synt, spara inte pengar: ofta kommer ett instrument från kategorin under $350 inte att glädja dig med en bra ljud, det kommer ännu mer sannolikt att slå av alla önskan att studera och spela på den.

Jag hoppas innerligt att du gillade det. Kom ihåg att utan att känna till historien är det omöjligt att skapa framtiden!

Om du ännu inte har läst artikeln om hur du väljer rätt elektroniskt piano kan du göra det nu genom att klicka på länken.

Videon nedan visar en demonstration av Mini Virtual Studio: