Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |

Dino Lipatti

Hans namn har länge blivit historiens egendom: cirka fem decennier har gått sedan konstnärens död. Under denna tid har många stjärnor rest sig och satt sig på världens konsertscener, flera generationer av framstående pianister har vuxit upp, nya trender inom scenkonsten har etablerats – de som brukar kallas "modern scenstil". Och under tiden har arvet från Dinu Lipatti, till skillnad från arvet från många andra stora konstnärer under första hälften av vårt århundrade, inte täckts med en "flair of a museum", har inte förlorat sin charm, sin friskhet: det visade sig att vara bortom mode, och dessutom fortsätter inte bara att entusiasmera lyssnare, utan påverkar också nya generationer av pianister. Hans inspelningar är inte en källa till stolthet för samlare av gamla skivor – de återutges om och om igen, slutsålda direkt. Allt detta händer inte för att Lipatti mycket väl fortfarande skulle kunna vara bland oss, vara i sin bästa ålder, om inte för en hänsynslös sjukdom. Anledningarna är djupare – i själva essensen av hans tidlösa konst, i känslans djupa sanningsenlighet, som om den är renad från allt yttre, övergående, multiplicerar kraften av påverkan av musikerns talang och vid denna tidpunkt distans.

Få artister lyckades lämna ett så levande märke i minnet av människor på så kort tid, tilldelat dem av ödet. Särskilt om vi minns att Lipatti på intet sätt var ett underbarn i ordets allmänt vedertagna bemärkelse, och relativt sent inledde en omfattande konsertverksamhet. Han växte upp och utvecklades i en musikalisk atmosfär: hans mormor och mor var utmärkta pianister, hans far var en passionerad violinist (han tog till och med lektioner från P. Sarasate och K. Flesch). Med ett ord är det inte förvånande att den framtida musikern, som ännu inte känner till alfabetet, fritt improviserade på pianot. Barnslig munterhet kombinerades bisarrt i hans okomplicerade kompositioner med överraskande allvar; En sådan kombination av omedelbarhet av känsla och djup i tankar förblev senare och blev ett karakteristiskt drag för en mogen konstnär.

Den första läraren för den åttaåriga Lipatti var kompositören M. Zhora. Efter att ha upptäckt exceptionella pianistiska förmågor hos en elev, överlämnade han honom 1928 till den berömda läraren Florika Muzychesk. Under samma år hade han en annan mentor och beskyddare - George Enescu, som blev "gudfar" till den unga musikern, som noga följde hans utveckling och hjälpte honom. Vid 15 års ålder tog Lipatti examen med utmärkelser från Bukarests konservatorium och vann snart Enescu-priset för sitt första stora verk, de symfoniska målningarna "Chetrari". Samtidigt beslutade musikern att delta i den internationella pianotävlingen i Wien, en av de mest "massiva" när det gäller antalet deltagare i tävlingarnas historia: då kom omkring 250 artister till den österrikiska huvudstaden. Lipatti var tvåa (efter B. Kohn), men många medlemmar i juryn kallade honom den verkliga vinnaren. A. Cortot lämnade till och med juryn i protest; i alla fall bjöd han genast den rumänska ungdomen till Paris.

Lipatti bodde i Frankrikes huvudstad i fem år. Han förbättrades med A. Cortot och I. Lefebur, gick i Nadia Boulangers klass, tog dirigentlektioner av C. Munsch, komposition av I. Stravinsky och P. Duke. Boulanger, som tog upp dussintals stora kompositörer, sa detta om Lipatti: "En riktig musiker i ordets fulla bemärkelse kan betraktas som en som ägnar sig helt åt musik och glömmer sig själv. Jag kan lugnt säga att Lipatti är en av dessa artister. Och det är den bästa förklaringen till min tro på honom.” Det var med Boulanger som Lipatti gjorde sin första inspelning 1937: Brahms fyrhandsdanser.

Samtidigt började artistens konsertverksamhet. Redan hans första föreställningar i Berlin och städerna i Italien väckte allas uppmärksamhet. Efter hans debut i Paris jämförde kritikerna honom med Horowitz och förutspådde enhälligt en ljus framtid för honom. Lipatti besökte Sverige, Finland, Österrike, Schweiz och överallt var han framgångsrik. För varje konsert öppnade sig hans talang med nya aspekter. Detta underlättades av hans självkritik, hans kreativa metod: innan han förde sin tolkning till scenen uppnådde han inte bara en perfekt behärskning av texten, utan också en fullständig sammansmältning med musiken, vilket resulterade i den djupaste penetrationen i författarens avsikt.

Det är karakteristiskt att han först på senare år började vända sig till Beethovens arv, och tidigare ansåg han sig inte redo för detta. En dag påpekade han att det tog honom fyra år att förbereda Beethovens femte konsert eller Tjajkovskijs första. Detta talar naturligtvis inte om hans begränsade förmågor, utan bara om hans extrema krav på sig själv. Men var och en av hans föreställningar är upptäckten av något nytt. Pianisten förblev noggrant trogen författarens text och satte alltid igång tolkningen med "färgerna" av sin individualitet.

Ett av dessa tecken på hans individualitet var fraseringens fantastiska naturlighet: yttre enkelhet, klarhet i koncept. Samtidigt hittade han för varje tonsättare speciella pianofärger som motsvarade hans egen världsbild. Hans Bach lät som en protest mot den magra "museums"-reproduktionen av den stora klassikern. "Vem vågar tänka på cembalo när man lyssnar på den första partitan framförd av Lipatti, fylld av sådan nervös kraft, så melodisk legato och sådan aristokratisk grace?" utbrast en av kritikerna. Mozart attraherade honom, först och främst, inte med nåd och lätthet, utan med spänning, till och med dramatik och styrka. "Inga eftergifter till galant stil," hans spel verkar säga. Detta betonas av rytmisk rigor, elak trampande, energisk touch. Hans förståelse av Chopin ligger på samma plan: ingen sentimentalitet, strikt enkelhet, och på samma gång – en enorm kraft av känsla ...

Andra världskriget hittade konstnären i Schweiz, på en annan turné. Han återvände till sitt hemland, fortsatte att uppträda, komponera musik. Men det fascistiska Rumäniens kvävande atmosfär förtryckte honom, och 1943 lyckades han åka till Stockholm och därifrån till Schweiz, som blev hans sista tillflyktsort. Han ledde uppträdandeavdelningen och pianoklassen vid Genèves konservatorium. Men precis i det ögonblick då kriget slutade och lysande utsikter öppnade sig inför konstnären, dök de första tecknen på en obotlig sjukdom upp - leukemi. Han skriver bittert till sin lärare M. Zhora: ”När jag var frisk var kampen mot nöden tröttsam. Nu när jag är sjuk kommer det inbjudningar från alla länder. Jag skrev på avtal med Australien, Syd- och Nordamerika. Vilken ödets ironi! Men jag ger inte upp. Jag kommer att kämpa oavsett vad."

Kampen pågick i flera år. Långa turer fick ställas in. Under andra hälften av 40-talet lämnade han knappast Schweiz; undantaget var hans resor till London, där han debuterade 1946 tillsammans med G. Karajan och spelade Schumanns konsert under hans ledning. Lipatti reste senare till England flera gånger till för att spela in. Men 1950 kunde han inte längre uthärda ens en sådan resa, och företaget I-am-a skickade sitt "team" till honom i Genève: på några dagar, till priset av den största ansträngningen, 14 Chopin-valser, Mozarts Sonat (nr 8) spelades in, Bach Partita (B-dur), Chopins 32:a Mazurka. I augusti uppträdde han med orkestern för sista gången: Mozarts konsert (nr 21) lät, G. Karayan stod på podiet. Och den 16 september tog Dinu Lipatti farväl av publiken i Besançon. Konsertprogrammet innehöll Bachs Partita i B-dur, Mozarts Sonat, två improviserade av Schubert och samtliga 14 valser av Chopin. Han spelade bara 13 – den sista var inte längre tillräckligt stark. Men i stället insåg han att han aldrig mer skulle stå på scenen och framförde Bachkoralen, arrangerad för piano av Myra Hess... Inspelningen av denna konsert blev ett av de mest spännande, dramatiska dokumenten i vårt århundrades musikaliska historia...

Efter Lipattis död skrev hans lärare och vän A. Cortot: ”Kära Dinu, din tillfälliga vistelse bland oss ​​förde dig inte bara med gemensamt samtycke till förstaplatsen bland din generations pianister. I minnet av dem som lyssnade på dig lämnar du förtroendet att om ödet inte hade varit så grymt mot dig, så skulle ditt namn ha blivit en legend, ett exempel på osjälvisk tjänst till konsten. Tiden som har gått sedan dess har visat att Lipattis konst förblir ett sådant exempel än i dag. Hans ljudarv är jämförelsevis litet – bara cirka nio timmars inspelningar (om man räknar upprepningar). Förutom de ovan nämnda kompositionerna lyckades han fånga på skivor sådana konserter av Bach (nr 1), Chopin (nr 1), Grieg, Schumann, pjäser av Bach, Mozart, Scarlatti, Liszt, Ravel, hans egna. kompositioner – Concertino i klassisk stil och Sonata för vänsterhänder … Det är nästan allt. Men alla som bekantar sig med dessa skivor kommer säkert att hålla med Florica Muzycescus ord: "Det konstnärliga talet som han talade med folk har alltid fångat publiken, det fångar också de som lyssnar på hans spel på skivan."

Grigoriev L., Platek Ya.